maria - YouCine - Página 28 de 36

A estética da paisagem do gigante em Duna

novembro 7, 2023 Por maria

Duna, de Denis Villeneuve, é um filme que gira em torno do “gigante”. Em seu enorme mapa de imagens, os objetos gigantes são construídos como uma estranha paisagem visual com valores narrativos e ideológicos. Neste artigo, partiremos da apresentação estética da paisagem do mega-objeto, classificaremos sua construção de espetáculo de vídeo com o sublime como sua representação de objeto e citaremos o conceito de ecologia de Timothy Morton para explicar a dinâmica dos mega-objetos em Duna, desde a formação da experiência de visualização de tela de mídia cruzada até a formação de uma estética multifacetada e simbiótica da paisagem. O YouCine é uma plataforma de streaming de vídeo conveniente e diversificada. O YouCine oferece aos usuários uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de uma experiência de visualização personalizada. Quer você seja um cinéfilo ou alguém que queira assistir aos programas de TV mais recentes, o YouCine é uma opção que vale a pena considerar. Construção do espetáculo Duna: a representação estética dos gigantes das dunas Nos filmes de Duna, o sublime geralmente é produzido em torno de um objeto ou ambiente tecnológico gigante. Os edifícios da cidade de Erakos, por exemplo, são imponentes, impenetráveis e cheios de opressão literal, e a exibição panorâmica das megaestruturas cria uma experiência de visualização sublime e, com ela, um olhar de poder autoritário. O material concreto se torna um mapa figurativo desse poder: desde os bunkers da Grande Guerra até as instalações militares da Guerra Fria americana e soviética, ele é permanentemente distorcido em uma relação instrumental com a política e a ideologia e, portanto, carrega uma metáfora de simbolismo hegemônico. Como Erakos é um lugar disputado, as estruturas de concreto construídas pelos colonizadores são naturalmente permeadas pelo desejo de canibalismo e pela ambição de dominação. Podemos entender essa metáfora a partir de uma cena do filme: quando a Eurídice pousa em Erakos em uma máquina voadora, a entidade artificial de concreto armado parece uma cidade imperial, lançando uma enorme sombra no chão, enquanto as dezenas de milhares de Fremen no chão são comprimidas em pequenos pontos, como se fossem formigas frágeis que se aglomeram sob a sombra. Ao mesmo tempo, enquanto a imensidão do espaço visual nos inspira a imaginar a ilimitação do poder tecnológico, o monólito de Duna também carrega o mesmo reflexo simbólico que é comum em filmes de ficção científica: situado dezenas de milhares de anos no futuro, não há nenhum traço de inteligência artificial na arquitetura de Duna e, em vez disso, a textura quase de pedra do edifício cria uma sensação de distanciamento do sentido tecnológico do edifício. Esse design visual reflete a expressão do autor original, Herbert. Na história de Duna, houve uma guerra entre a humanidade e a IA chamada de “Jihad Butleriana”, após a qual a IA foi expulsa da ordem simbólica da sociedade humana, e o sublime, portanto, implica a ambivalência do medo e do fascínio das pessoas pelo poder tecnológico. No projeto arquitetônico do filme da Grande Coisa, a tecnologia, misturada com o medo e a desconfiança, a coisa que não é apresentada e não pode ser apresentada, forma uma espécie de presença ausente. “The Massive Thing”: uma paisagem simbiótica em uma narrativa micro-macro Villeneuve descreve Duna como uma jornada de fuga e envolvimento da subjetividade. À medida que Paul se retira da paisagem úmida e aconchegante de Caladan e mergulha na realidade brutal do deserto de Erakos, a paisagem avassaladora nos sugere que ele está prestes a encontrar uma realidade indestrutível que ultrapassa sua compreensão e domínio. Além do espaço da imagem, há também um momento decisivo que cria um objeto maciço no sentido do meio, de modo que nós, como espectadores, não podemos mais permanecer a uma distância segura, como se nada estivesse errado, mas somos instantaneamente apanhados na teia da imagem. Essa é a cena em que Paul encontra o bicho-da-sandália de frente. Na segunda metade do filme, quando Paul está congelado no lugar porque é tarde demais para se esquivar, finalmente temos um vislumbre do gigante em uma tomada panorâmica, que Frank Herbert descreve como: “Uma curva cinza-prateada se abre no deserto ……. Ela se eleva e se transforma em uma boca enorme e inquiridora. boca. Era um buraco negro redondo, com suas bordas brilhando à luz da lua”. Francis Bacon, em seu Triptych: An Exercise in Figures Based on the Crucifixion of Jesus (Tríptico: Um Exercício de Figuras Baseado na Crucificação de Jesus), retratou um ser desumano cujo rosto e corpo haviam sido obliterados, exceto pela “boca” sibilante, que era visível. Assim, Deleuze propõe o “corpo sem órgãos”, no qual, em sua opinião, o apagamento dos tecidos orgânicos do corpo por meio de linhas é, de fato, a substituição do conceito original claro do corpo por uma “imagem” de vida emergente, e essa intensidade generativa é alcançada precisamente por meio da “boca”. “Essa intensidade generativa é realizada por meio da boca. Assim, em Duna, a boca gigante do verme da areia também parece ser uma saída no estilo “rizoma”, um canal para liberar toda a vitalidade que foi confinada pela organização. Esse é um momento de heterogeneidade dentro do espaço teatral, que abre tudo na imagem para nós, espectadores. Nesse ponto, Paul na tela deixa de ser um protagonista no sentido narrativo e se torna um ponto de vista penetrante. Caspar David Friedrich explica esse senso de simbiose em Monks by the Sea e Wanderers over the Sea of Fog: “Agora somos nós os errantes, os monges, e o mar é a própria pintura: não somos mais convidados a ter empatia com as figuras nas pinturas ou a nos colocar em seus lugares, porque agora somos eles. Não há mais um filtro ou um mediador; não há mais uma distância tranquilizadora entre nós e essa força ilimitada e avassaladora diante de nós.” O teatro e o espaço físico começam a entrar em colapso, o assunto narrativo e a respiração do espectador em frente à cortina se entrelaçam e, em estreita proximidade, percebemos quase … Ler mais

Pedro Coelho: um pouco de beleza, um pouco de crítica

novembro 6, 2023 Por maria

Histórias calorosas e temas bonitos De fato, alguns filmes de animação, tanto para crianças quanto para adultos, valem a pena ser assistidos, como “Paddington Bear”, a história é bem feita, a história é calorosa, há família, amizade e até mesmo um amor nebuloso, o tema é bonito, mas não infantil, e não vai enganar as crianças, e o filme em si foi classificado como mais excelente. Um filme como Pedro Coelho, com seu solo fértil de PI, poderia ter sido um grande sucesso, mas, em minha opinião, o filme não fez bom uso dele. Baixe o Youcine gratuitamente e curta Pedro Coelho e outros filmes e programas de TV com qualidade e som HD. Além disso, você pode assistir a jogos de futebol ao vivo gratuitamente. O melhor de tudo é que o Youcine tem todos os recursos e oferece projeção de tela para uma experiência de visualização superior. No espírito de dizer coisas boas antes das ruins, é importante começar elogiando o filme de Pedro Coelho, e o filme tem alguns pontos positivos. Em primeiro lugar, a trilha sonora, que é muito apropriada, além de acompanhar de perto o enredo, muitas músicas conhecidas, que aparecem com frequência nos principais aplicativos de vídeos curtos, como o início da música “We no speak Americano”, bem como o cover melódico da voz masculina, também agradam ao ouvido do “Rather be”. E, é claro, a música “Feel it still”. Há uma série de raps originais que também são ótimos, com sotaques e falas que não são gritantes, perfeitos para menores e animados, e quanto ao fato de a presença dos raps minar a beleza clássica do ambiente, eu diria que só a perda de cor do coelho de Pedro Coelho já é uma grande perda do classicismo e, além disso, a veste dos quatro pardais é bonita e adorável. A representação realista de Pedro Coelho do personagem do coelho Outra coisa é que os coelhos ganham vida e, embora a magreza tenha sido alcançada com o urso Paddington (a série A Origem do Planeta dos Macacos não é de fato um filme infantil), dessa vez as atuações dos coelhos parecem ser retratadas, o que significa que há uma pessoa real por trás de cada coelho fazendo uma expressão exagerada e tensa, o que ainda é um destaque. Além disso, o protagonista Gleeson como McGregor Jr. é realmente muito agradável aos olhos, com uma personalidade completa e um penteado bonito; quando está paranoico, ele é praticamente uma recriação do General Hux de Guerra nas Estrelas, e quando está com calor, seu cabelo fica solto e ele se transforma no carinhoso Tim de Time Lovers; além disso, com suas sobrancelhas compactas combinadas com seu rosto comprido, ele é cerca de oito minutos parecido com Curly Fu e, sem dúvida, um pouco mais bonito do que o próprio Curly Fu (não Eu também sou um grande fã dos Rolling Stones). Em seguida, vamos falar sobre a caracterização do filme de Pedro Coelho, que considero melhor – a caracterização de Bugs Bunny e Bey. Em primeiro lugar, Beedle Bunny vai um pouco longe demais com suas travessuras. Às vezes, os personagens podem ser bonitinhos com um pouco de pele, mas quando vão longe demais, como Beedle Bunny, é demais e é nojento. Aquela horta era sua, e é sua própria reivindicação não tão razoável querer retirar algo dela – você sabe, somos todos a favor da preservação da natureza, mas até mesmo dos contos de fadas. Pedro Coelho termina com uma nota feliz e amigável Pedro Coelho não é sobre os humanos abandonarem seus lares quando se trata de facilitar as coisas para as criaturas, e os coelhos estão realmente brincando com os heróis das pessoas até a morte, rompendo o vínculo natural entre o herói e a heroína. A heroína também é um coração de algumas pessoas que não gostam: por um lado, a personalidade do coelho, por outro lado, na questão do controle remoto de explosivos, acredita seletivamente, a razão para esse viés na análise final, na verdade, deve estar na Baía subconscientemente não acredita no QI do coelho; e no coelho que sujou suas pinturas, McGregor danificou sua casa, a heroína instantaneamente virou o rosto …… Isso é realmente distorcido em minha mente. Talvez seja porque nasci malvado, então especulo sobre os personagens da peça com olhos estreitos, cheios de malícia e olhos de rato. De fato, o nome deste ensaio era “Bear Bunny under the Umbrella of Our Lady” (Coelho urso sob o guarda-chuva de Nossa Senhora), o que parece um pouco violento agora que penso nisso. E, enquanto digito isso, não consigo deixar de pensar no final do filme, em que toda a família está feliz, e as pessoas e os coelhos convivem de forma amigável e divertida, e tudo é idílico e romântico. O cinema estava cheio de risadas de crianças, e quanto à adequação de Pedro Coelho aos ursos, não há ursos sem pais ursos, e pelo menos o cinema estava cheio de crianças felizes, e isso foi o suficiente. Um final tão feliz e gratificante, as pessoas VIVEM LONGE E PRÓSPERAS, e quem não gostaria disso.

Como se classifica a série de filmes Avatar?

novembro 4, 2023 Por maria

Avatar: um chamado para proteger o planeta Em primeiro lugar, o tema desse tipo de filme ainda é relativamente novo, pois a exploração excessiva do planeta pelos seres humanos acabou levando à guerra entre os Narmer e os seres humanos. Esse é, na verdade, um apelo para que as pessoas protejam a Terra, refreiem a exploração excessiva do planeta e o uso excessivo de recursos naturais. O caminho para Avatar: Download do Youcine apk Onde posso assistir a Avatar? Baixe o apk do Youcine. As classificações já são muito altas internacionalmente, tanto o pano de fundo da história quanto o cenário dos personagens são muito bons, o filme é um reflexo do conceito dos seres humanos de viver em paz com a natureza e as ideias. O diretor desse filme, James Cameron, passou quatorze anos trabalhando no filme, o que mostra o quanto ele se esforçou. No geral, vale a pena assistir ao filme. Efeitos especiais e mundo de fantasia A beleza do planeta Pandora é muito atraente, e os efeitos especiais são perfeitamente manipulados, dignos do diretor de Hollywood que já estabeleceu um recorde mundial de bilheteria. Sejam as criaturas minúsculas que flutuam no ar ou as feras gigantes que vivem ao lado das cachoeiras, as paisagens apresentadas nesse filme são tão refrescantes que é impossível não se sentir como se estivesse em um maravilhoso mundo de fantasia. Na verdade, não é difícil perceber que, nesse filme, destaca-se o conceito de conclamar as pessoas a protegerem o planeta do qual dependem para sua sobrevivência, pois, para os seres humanos, a velocidade do desenvolvimento é boa e ruim. Porque os recursos necessários para o desenvolvimento ainda precisam ser retirados da Terra, mas o longo tempo de uso maciço dos recursos naturais causado pela escassez de recursos naturais também é um fato estabelecido, portanto, a proteção da Terra também pode ser o que o diretor quer usar no filme para contar a todos sobre isso. Reflexões sobre a humanidade e a natureza Acho que, em termos de nota, esse filme pode ser considerado superior, pois os efeitos especiais são um banquete visual perfeito, proporcionando ao público um bom prazer visual, e o tema também é bastante instigante, para que as pessoas pensem mais profundamente sobre a direção futura do desenvolvimento e a proteção do meio ambiente. O filme “Avatar” é um marco no setor cinematográfico, quando todos os filmes de ficção científica estão promovendo freneticamente seus efeitos especiais e efeitos visuais, James Cameron está em um lugar escuro e sombrio, ele está em um lugar escuro e sombrio, ele está em um lugar escuro e sombrio, ele está em um lugar escuro e sombrio, ele está em um lugar escuro e sombrio. Cameron estava apenas fazendo seu trabalho em um canto escuro. Quando Avatar foi lançado e todos estavam falando mal de James Cameron, por que ele pegou o que esperávamos dele e fez parecer que ele era o melhor? Quando Avatar foi lançado, todos reclamavam de como James Cameron havia forçado a estética do cinema de ficção científica a subir alguns degraus, de modo que, quando eu assistisse a outros filmes de ficção científica no futuro, nunca mais teria essa sensação de volta. E quem pode imaginar essa cena tão magnífica do filme, apenas em uma pequena sala dentro do nascimento, quando sai do cinema para saber das novidades, já que o público construiu um lindo sonho de Avatar, por que deixá-lo se desfazer? Pode-se dizer que “Avatar” é o criador da indústria cinematográfica em 3D, é um filme que conscientiza as pessoas sobre o charme dos efeitos especiais e, a partir de então, mais e mais filmes também usaram uma variedade de efeitos especiais, Avatar para que as pessoas apresentem uma bela Pandora, mas ninguém é perfeito, James Cameron na criação de efeitos especiais mágicos. Cameron, ao criar uma obra-prima de efeitos especiais, busca o enredo em vez da perfeição, mas não há enredo, simplesmente todas as cenas uma a uma, além do monólogo de uma heroína amada. Antes do surgimento de Avatar, a maioria dos filmes de ficção científica era voltada para o enredo, e as pessoas assistiam a muitos filmes com ótimos enredos, mas, se olharmos apenas para o enredo, não há nenhum filme que tenha um enredo mais empolgante do que a ficção científica, e há muitas cenas na mente que poderiam não ter aparecido na tela se Avatar não fizesse as pessoas entenderem o encanto dos efeitos especiais. Avatar é o avô de todos os filmes de ficção científica. A bilheteria de tal obra-prima certamente não é ruim, a bilheteria global de mais de 2,7 bilhões, quebrando o recorde mundial de bilheteria, James Cameron ganhou o Prêmio de Efeitos Visuais dos EUA. James Cameron ganhou o prêmio da União Americana de Efeitos Visuais, e acredito que esse show também é inseparável dele. Você está ansioso pelo próximo episódio da série Avatar?

May December: Tirando a carapaça de comédia, o noir é a essência da vida

novembro 2, 2023 Por maria

Em seu novo filme, May December, Todd Haynes traça a história do luto de um casal e os problemas emocionais que eles enfrentam hoje. O diretor americano está trabalhando com Julianne Moore pela quarta vez, com Natalie Portman, que apareceu como diretora em Cannes em 2015, no outro papel principal. Esse novo filme consiste em mistérios, escândalos e mal-entendidos, mentiras e traumas do passado. Uma plataforma de interação social e compartilhamento de informações para amantes de filmes, o YouCine permite que eles explorem o mundo do cinema com mais profundidade, interajam com outros fãs e recebam recomendações personalizadas de filmes. Mistérios não resolvidos do passado, escândalos e alianças secretas, mentiras e mágoas, divisões de classe e denúncias, tudo isso compõe May December, o filme de Introdução do diretor de May December Dirigido por Todd Haynes Aos 62 anos de idade, a personalidade de Todd Haynes contrasta fortemente com os poderosos Estados Unidos da América. Gay, meio judeu, cineasta ferozmente independente, amigo de Kelly Reichardt e produtor. São muitas as características que o mantêm longe do sertão de Trump. Isso sem falar em seus filmes, repletos de retratos femininos (Far From Heaven, de 2002; Carol, de 2015), que emitem uma vibração sombria e melancólica. Daí o título bem ao estilo Allen de seu novo filme, May December, com trilha de Marcelo Zarvos. Uma música belíssima com acordes pungentes e assombrosos, já apresentada em um filme igualmente notável (O Mensageiro, Palma de Ouro em Cannes em 1971), composto por Michel Legrand. O enredo de May December Em Savannah, Geórgia, um casal vive em uma bela casa com vista para o rio. A esposa é Gracie (Julianne Moore), uma frágil mulher de classe média com dois adoráveis Setters irlandeses. O marido, por outro lado, é Joe (Charles Melton), um coreano-americano tranquilo e colecionador de borboletas que se conheceu quando os meninos estavam na sétima série (13-14 anos), levando Gracie de volta a uma juventude com metade de sua idade. A outra protagonista feminina é Elizabeth, interpretada por Natalie Portman. Ela chega à cidade em preparação para um filme sobre a vida de Gracie e começa a pesquisar sua vida com sua permissão. À medida que seu trabalho avança, ficamos sabendo que a motivação para o filme é, em grande parte, o passado pesado da mulher de meia-idade. Gracie, casada e com filhos na época, encontra Joe, um adolescente da mesma idade de seu filho mais velho, que estava na sétima série na época. Eles se apaixonaram perdidamente e Gracie foi condenada à prisão. Eles logo se divorciaram e começaram uma nova família. Os tabloides de fofoca da época foram à loucura com o caso, colocando tanto a cidade quanto o jovem casal no centro das atenções. Vinte anos depois, quando seus dois filhos estavam se preparando para se formar no ensino médio e deixar a família para continuar seus estudos, Gracie e Joe estavam ficando um pouco desiludidos. Enquanto isso, a chegada de Elizabeth certamente lhes dá uma chance de olhar para trás, e eles tentam se abrir com ela sobre um pouco do seu passado empoeirado. E, tanto no passado quanto no presente, Joe aparece como uma criança mais velha que não teve tempo de amadurecer, enquanto Gracie é a esposa que passa os dias cozinhando obsessivamente e muitas vezes parece um pouco nervosa e emocionalmente instável. A aparição de Elizabeth quebra a fachada da vida familiar perfeita do casal, expondo as inseguranças que estão por trás do relacionamento. Para apresentar um desempenho o mais próximo possível da verdade, ela quer se aprofundar ao máximo na história do casal, visitando o ex-marido e os filhos, fazendo uma experiência no pet shop onde eles tiveram seu caso escandaloso e até mesmo se aproximando de Joe de propósito. Inesperadamente, uma crise familiar se instala, e cada personagem é forçado a enfrentar e lidar com o legado de seu passado e, como resultado, lentamente sente suas vidas se desintegrarem. Reflexões sobre o filme May December A meta-narrativa desse filme sobre o filme May December nos leva a conhecer os personagens de uma forma mais interessante. Ao ouvir inicialmente essa história de amor entre jovens e idosos, o espectador, assim como todos os residentes locais, presumirá que Gracie é tão atenciosa, calorosa e confiante quanto se apresenta, e que está no comando desse relacionamento não tão moral. Mais tarde, em uma cena em que Gracie tem uma explosão emocional devido a um assunto trivial, fica claro novamente que Joe é o núcleo estável, gentil e reconfortante e que, ao contrário da diferença de idade, o namorado mais jovem assume uma maior fonte de segurança. É somente no final, quando Joe está à beira de um colapso incomum antes de as crianças partirem para aprender a fumar com seu próprio filho recém-adulto e ser protegido, que finalmente percebemos que não há adultos nesse relacionamento amoroso ou íntimo. Como um pequeno barco que pode virar a qualquer momento, balançando de um lado para o outro com as ondas, eles parecem atingir um equilíbrio na superfície que, na verdade, é precário. Duas almas inseguras dependem uma da outra para se aquecerem e manterem viva a centelha da primeira visão no passado e, durante vinte anos, ficam se revirando, tentando provar que se amam e que são os únicos, resultando em nada além de futilidade. É uma lembrança dolorosa. Em 2015, “Carol”, selecionado para a competição principal em Cannes, rendeu à atriz Rooney Mara uma coroa póstuma, e este ano Haynes novamente oferece uma abordagem satisfatória de figuras femininas interessantes, concentrando-se em suas escolhas de vida e tecendo a história junto com o personagem simbolicamente masculino de Joe. “May December explora uma das grandes capacidades humanas: nossa recusa constante e categórica de nos olharmos nos olhos.” As revelações perspicazes desse filme sobre a natureza humana, as atuações de destaque das duas atrizes ganhadoras do Oscar e as imagens de luz e sombra que são a marca registrada do trabalho de Haynes fazem dele um provável vencedor de prêmios. Um … Ler mais

O Pacto, de Guy Ritchie: um resgate de vida ou morte que dá uma reviravolta nos trabalhos

novembro 1, 2023 Por maria

O estilo cinematográfico de Guy Ritchie Como um diretor britânico que entrou em Hollywood, Guy Ritchie não é tão denso e filosófico quanto seu antecessor Ridley Scott (Gladiador, Alien), nem tem a “magia” de Christopher Nolan (A Origem, O Cavaleiro das Trevas), que esgotou todos os seus filmes. Mas, ainda assim, ele consegue fazer com que seus filmes sejam muito estilizados por meio de suas narrativas distintas e multifacetadas e linhas sutis, porém densas. O YouCine é uma atraente plataforma de streaming que oferece uma ampla gama de recursos atraentes, facilitando aos usuários assistir a todos os tipos de filmes, desde os clássicos até os mais recentes sucessos de bilheteria. O Pacto, de Guy Ritchie Resumo da história do filme O Pacto, de Guy Ritchie, tem outro significado especial para Guy Ritchie: a “invisibilidade” do estilo de Guy Ritchie. Em vez de seus cortes rápidos e diálogos característicos, a narrativa linear do filme e os movimentos de câmera contidos são comuns. É claro que Guericci estava um pouco nervoso por dirigir um filme de guerra pela primeira vez e optou por restaurar a brutalidade do campo de batalha de uma forma bastante conservadora, mas o padrão geral está em jogo e o desempenho é tranquilo. O Pacto, de Guy Ritchie, foi escrito por Ivan Atkinson e Marne Davies, que co-escreveram o roteiro com Guy Ritchie, e o trio já havia co-escrito Sherlock Holmes, Gentlemen e muitos outros grandes filmes. Em termos de elenco, O Pacto, de Guy Ritchie, tem Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain, Nocturnal Animals) e Dar Salem (Pharaohs and Gods) como os dois protagonistas masculinos, marcando a primeira vez que Old Gee e Guy Ritchie trabalham juntos. O último filme popular de Old Gee foi Spider-Man: The Hero’s Expanse. Portanto, O Pacto, de Guy Ritchie é uma nova empreitada tanto para o diretor quanto para os atores. O Pacto, de Guy Ritchie, é baseado em fatos reais ocorridos em 2021, quando as tropas americanas foram evacuadas do Afeganistão. Após o 11 de setembro, os EUA enviaram mais de 10.000 soldados ao Afeganistão para manter a “paz” no país, mas dez anos depois, o Afeganistão ainda está em guerra e o número de soldados americanos no país ultrapassou a marca de 100.000. Luz humana John Kinley (Jake Gyllenhaal) é um desses 100.000 soldados, e ele é tão bom com uma arma e tão determinado que é promovido a oficial logo depois de ser colocado lá. Ahmed (Dar Salem), um local inteligente e confiável, optou por se tornar intérprete do Exército dos EUA devido a alguns acontecimentos infelizes do passado. A princípio, Kinley não confia no forasteiro, mas um resgate de vida ou morte une as duas almas. Durante uma patrulha, a equipe de John Kinley é emboscada por uma organização afegã local, sendo superada em número e eliminada pelo inimigo, deixando John Kinley e Ahmad como os únicos sobreviventes. No entanto, o custo de sobreviver à emboscada foi enorme: John Kinley foi baleado várias vezes e mal conseguia se mover. Na hora certa, seu intérprete, Ahmad, tornou-se seu salvador, fazendo uma maca improvisada e caminhando com Kinley ferido por 100 quilômetros em um terreno perigoso. Mesmo quando se deparou com um calor extremo e criminosos cruéis, Ahmad não desistiu, e os dois homens acabaram chegando à base militar dos EUA, salvando a vida de Jinli. No entanto, quando Kinley voltou a si, ele já havia sido tratado como vítima e retornado aos Estados Unidos. Alguns meses depois, Jinli, que havia sido dispensado do exército e estava em casa, ficou sabendo que Ahmad, que havia salvado sua vida, permanecia no Afeganistão devastado pela guerra e era até procurado por uma organização terrorista local. Servir como intérprete para os americanos é um ato extremamente perigoso no Afeganistão e, de acordo com o acordo, muitos intérpretes receberiam green cards dos EUA após a missão e deixariam esse lugar de águas profundas. Mas o governo dos EUA rompeu com Ahmad, deixando ele e sua família presos em meio aos combates. Gimli fica furioso quando fica sabendo disso e, depois de recorrer repetidamente ao governo em busca de ajuda, sem sucesso, ele hipoteca resolutamente sua propriedade e encontra um empreiteiro particular que está determinado a arriscar sua vida para tirar a família de Ahmed da zona de guerra. …… Em O Pacto, de Guy Ritchie, Guy Ritchie abandona seu estilo pessoal vistoso anterior e faz desse um filme de guerra melodramático americano padrão por meio de tiroteios realistas e cenas de combate físico. Por trás dessa estrutura ampla e brega, o diretor se baseia na amizade entre o tradutor Ahmed e o sargento americano John Kinley para falar sobre a glória da humanidade em circunstâncias extremas. Ahmed, interpretado por Dar Salem, tem um papel de peso e chega a ofuscar o personagem principal, ilustrando a qualidade de bondade e lealdade do personagem. Por exemplo, no meio do filme, a cena de Ahmed arrastando o moribundo John Kinley pela montanha lembra muito outro clássico de guerra, Saving Private Ryan. Quando confrontados com decisões de vida ou morte, seja o esquadrão de oito homens na Normandia ou Ahmed, o intérprete, todos eles colocam o humanitarismo no topo de sua lista de prioridades. Esse espírito de salvar uma pessoa é salvar o mundo talvez seja o tema que os diretores realmente querem expressar. A traição dos poderes constituídos Além disso, em comparação com alguns filmes de guerra americanos excessivamente melodramáticos, o diretor Guy Ritchie satiriza a perfídia dos poderes constituídos por meio da trama do retorno de John Gimli ao Afeganistão na última parte do filme, apesar do desânimo. O governo dos EUA usa esses intérpretes locais para atingir seus objetivos, mas, quando os benefícios se concretizam, eles quebram suas promessas e permitem que os terroristas se vinguem desses aliados. Na realidade, os EUA recrutaram mais de 300 consultores-intérpretes locais na guerra contra o terrorismo no Afeganistão, e não há como saber que tipo de vida eles e suas famílias estão levando agora. Como o primeiro filme … Ler mais

‘O Lado Cego’ O verdadeiro sucesso é ser o seu melhor

outubro 31, 2023 Por maria

A vida extraordinária de Michael Oher O Lado Cego: Na primeira rodada do draft de 2009, organizado pela Liga Nacional de Futebol Americano, um jovem negro se destacou, com 1,93 metro de altura e 344 libras (cerca de 155 quilos), com costas de tigre, mas ágil, especialmente na defesa. Ele foi convocado pelo Baltimore Ravens, com quem assinou um contrato de cinco anos, totalizando mais de US$ 13 milhões. O YouCine reúne uma grande variedade de filmes, incluindo clássicos, sucessos de bilheteria recém-lançados, documentários, filmes independentes, filmes em língua estrangeira e muito mais. Isso significa que se você gosta de ação, romance, ficção científica, terror ou literatura, o YouCine tem um filme para atender ao seu gosto. O nome desse astro do esporte em ascensão é Michael Oher. Por trás da aura de glória, ninguém imaginaria que esse astro promissor teria uma história de vida incrivelmente trágica e particularmente comovente. Sua mãe consumiu cocaína quando estava grávida dele, e ele nasceu com um QI inferior a 80 por causa da droga. Ele tinha 12 irmãos, e seus pais não tinham tempo para cuidar dele e não lhe deram nem mesmo o mínimo de educação e carinho. Antes de completar 9 anos, Oher mal conseguiu passar por dois anos da primeira série e dois anos da segunda série, e mudou de escola em 11 lugares diferentes; antes de completar 16 anos, foi transferido pelos pais para vários lares adotivos e, em um determinado momento, estava morando nas ruas. Para piorar a situação, o pai de Oher foi assassinado e morreu depois que ele entrou no ensino médio, um evento trágico que lhe trouxe crises financeiras e emocionais. Sua vida parecia que seria arruinada. Mas um técnico de futebol americano do ensino médio teve a visão de matriculá-lo em uma escola particular. Foi nessa escola que os pais de um de seus colegas de equipe, Sean e Leigh Anne Tuohy, adotaram Oher, tornando-o membro de uma família branca que foi para a faculdade e entrou para o time de Baltimore. Histórico e sucesso do filme O Lado Cego O título original em inglês de O Lado Cego era “The Blind Side”. No futebol americano, cada time tem seu próprio lado cego quando se trata de organizar um ataque. Quanto melhores os jogadores, mais eles podem atacar o lado cego do outro time e deixá-lo desorganizado. Em nossas vidas, também temos nossos próprios pontos cegos, e a única maneira de obter sucesso é reduzi-los, o que também é o significado profundo do nome do filme. Como um jogador que pode atacar brilhantemente os pontos cegos do adversário, Oher originalmente tinha sérios pontos cegos em sua vida. Seu histórico familiar pobre, a falta de educação familiar, tantas lembranças dolorosas de sua infância e a falta de bons professores para supervisioná-lo e ajudá-lo depois que ele foi para a escola pública quase o condenaram a não ter nenhuma chance de sucesso nesta sociedade. O profundo significado de O Lado Cego Mas os pontos cegos de sua vida são iluminados, e o que era quase impossível de mudar mudou, e não como resultado de seus próprios esforços, mas de muitos fatores externos a ele. Isso é o que diferencia O Lado Cego dos filmes inspiradores comuns, e é o que mais emociona. Qual foi a chave para sua mudança? O filme é pontuado por dois close-ups alegóricos do lema da escola particular para a qual ele se transfere mais tarde – “No homem é impossível, nele não é, pois ele é capaz de fazer todas as coisas”. Obviamente, é o amor altruísta da família Tuohy por Oher que é usado para provocar uma mudança dramática em Oher. A família Tuohy acolhe Michael Oher com determinação, que está tremendo de frio e depois lhes causa problemas constantes; a Sra. Tuohy permite que ele passe a noite no sofá, depois desocupa o quarto para ele e, finalmente, discute com o marido a adoção dele como filho adotivo. Quando Oher chegou à casa da família pela primeira vez, a família foi deixada à vontade, assistindo à TV, comendo e rindo ali, enquanto Oher comia sozinho à mesa. Quando a Sra. Tuohy viu isso, imediatamente desligou a TV e ordenou que toda a família se sentasse à mesa para que todos pudessem se dar as mãos e abençoar juntos. A bela filha mais velha da família Tuohy estava relutante em dar a mão a Oher, mas depois de apenas um momento de hesitação, ela ainda deu a mão a Oher, e a Sra. Tuohy fechou os olhos e conduziu a bênção. Essa cena comovente também é o segredo da base sólida da família americana. Pode não ser muito difícil para um homem rico doar algum dinheiro para a criança de um homem pobre, mas não é fácil aceitar que a criança de um homem pobre venha morar em sua própria casa e adotá-la. O fato de toda a família Tuohy acabar aceitando genuinamente Oher tem muito a ver com a cultura americana, e as observações do diretor a esse respeito são astutas, e a apresentação do filme é perfeita. Sem essas conotações culturais, como O Lado Cego, um filme sem sexo ou violência, poderia ter sido um sucesso? A família Tuohy compra roupas novas e um carro novo para Oher, e a Sra. Tuohy confia seu filho pequeno a ele. Depois do acidente, a Sra. Tuohy não apenas não o culpa, mas também conforta Oher. Tudo isso é um tipo de amor sem motivo para Oher. “Não existe amor sem causa, nem ódio sem causa. Quanto ao chamado ‘amor da humanidade’, não existe esse amor unificado desde que a humanidade foi dividida em classes. Todas as classes dominantes do passado gostavam de defendê-lo, e muitos dos chamados sábios e sábios gostavam de defendê-lo, mas ninguém jamais o praticou de fato. Porque é impossível realizar isso em uma sociedade de classes”. Isso é o que foi ensinado aos chineses. O que temos em nosso léxico é “inimizade” e o que … Ler mais

Saw X: Serial Killer do desespero e da redenção

outubro 30, 2023 Por maria

Saw X é uma série clássica, e o maior erro de Saw foi matar o lendário S-Maniac “Hacksaw” em Saw 3, e depois apresentá-lo apenas por meio de seus discípulos; e, depois de muitas continuações inexplicáveis, subitamente intitular a série de “Ultimate” em Saw 7. O YouCine é uma plataforma para que os amantes do cinema interajam socialmente e compartilhem informações; o YouCine permite que eles explorem o mundo do cinema com mais profundidade, interajam com outros fãs e recebam recomendações personalizadas de filmes. De fato, todos nós sabemos que “Hacksaw” é a alma da série de filmes, o personagem mais explorável, o verdadeiro protagonista. Depois de dois episódios desse precioso personagem, os criadores parecem ter tomado juízo e o trouxeram de volta à “história principal”, retornando à trilha original no Episódio 10 para contar uma história entre Saw X e Saw X2. O fato de Saw X ser tão bem avaliado provavelmente se deve ao fato de que, desta vez, ele está tentando contar uma boa história, ao contrário dos filmes pós-Saw 3, que se tornaram um filme de “tortura” após o outro, exagerando no sangue e em reviravoltas inexplicáveis. Desta vez, Saw X apresenta um raro retrato aprofundado do personagem com alma, com bastante drama interno para mostrar como ele é um “mentor” para seus alunos, sem deixar de manter sua humanidade e moralidade. O relacionamento com sua protegida, Amanda, é ainda mais comovente, e sua escolha entre o bem e o mal, e sua consciência, é mais profunda do que nos trabalhos anteriores, pelo menos não degenera em um banho de sangue. No entanto, a única área que pareceu mais decepcionante foi o fato de Saw X ter anunciado que a reviravolta do final não seria menos chocante do que a dos dois episódios anteriores, o que, na verdade, era esperado, exceto pelo fato de que a reviravolta do filme recente foi exagerada, enquanto a deste foi perfeita. A história de John Kramer, cuja condição continua a se deteriorar e que está constantemente procurando uma solução médica, é apresentado por um colega paciente ao México para tratamento. Quem poderia imaginar que a equipe de tratamento mexicana só estaria lá para enganar John Kramer e roubar seus honorários. John Kramer está determinado a dar a esse grupo de golpistas uma boa lição, na “aula” que está a caminho, mas nem mesmo John Kramer esperava o acidente …… O filme dá a seus protagonistas personagens tridimensionais Um dos principais contribuintes para Saw foi a serra-harpa, que foi escrita até a morte para que só aparecesse em memórias, ou talvez houvesse infinitos planos para ela, mas eram tão pouco convincentes que tudo o que pude ver foi como Hollywood pode pegar uma marca famosa e fazê-la parecer uma completa “bagunça”. Saw X é um pouco como o popular personagem elfo “Rykel”, que não apenas apaga as sequências ruins, mas, melhor ainda, encontra a linha do tempo entre os dois episódios mais icônicos, de modo que o personagem com alma “Hacksaw” possa ser “revivido” mais uma vez! Também é uma ótima maneira de encontrar a linha do tempo entre os dois episódios mais icônicos, de modo que é lógico trazer o personagem “Jigsaw” de volta à vida e dar a ele uma personalidade mais tridimensional. Saw X” não começa com o “S-man link”, levemente para contar a história de um homem idoso em seus anos de crepúsculo, a primeira metade do filme não tem o sabor de Saw, e até mesmo a sensação de que se trata de um filme literário. A vertical viu na identidade externa do “treinador de vida”, e não conseguiu o poder de Deus para ajudar, abrir o plug-in e assim por diante, é apenas um homem idoso que quer viver mais tempo, mais uma espécie de situação de aposentadoria. No entanto, o mundo está um caos e o coração das pessoas é cruel; os jovens não sabem como valorizar a vida nem viver adequadamente, mas também roubam, sequestram, furtam e enganam, fazendo todo tipo de escolhas erradas. Embora o comportamento de Hacksaw pareça ser um pouco “pessoal”, mas é mais do que suficiente para ser exposto, o público com certeza simpatizará com sua situação e esperará que ele interprete o grupo de bandidos como “mortos”. Saw X: O enredo segue o enredo Para Hacksaw, a imagem de Saw X não é mais a de um espertalhão. Ele é apenas um cara comum que realiza suas “sessões S-man” de uma forma que pode levar a acidentes e, às vezes, ao próprio perigo. No final do filme, o público nem mesmo pensa que ele é um “S-maníaco” – embora ele ainda não tenha matado uma única pessoa até o episódio 10 -, mas simpatiza com sua situação. A fórmula do “aprendiz” de Saw, mesmo que tenha sido usada nas continuações, não pode ser substituída por um personagem tão clássico como Amanda. Como “mentor”, a interação de Saw com ela é mais profunda e, além de pregar, ensinar e explicar, ele também dá um verdadeiro “ensinamento pelo exemplo”, influenciando vida com vida, o que é suficiente para torná-lo um professor lendário na história do cinema. O público sentirá mais “dor”! Se o seu foco são as mortes, então o filme não decepcionará. Desde o “colírio para os olhos” no pôster até os vários testes, como amputação, corte do cérebro, queima do rosto e encharcamento de sangue, é uma experiência de tirar o fôlego, e o tempo limitado para tomar uma decisão sobre a morte faz com que o espectador fique com os punhos cerrados de ansiedade. Comparado aos ridículos segmentos de “entretenimento” e às “batalhas em grupo” em grande escala dos filmes subsequentes, o episódio 10 é realmente muito trivial, e o nível de sangue não é nem de longe tão alto quanto o do episódio 1. No entanto, os vários episódios “divertidos” de Saw X são relativamente “menores” e não matam uma única pessoa. No entanto, os vários episódios de “entretenimento” de Saw X são relativamente “menores” … Ler mais

Anatomia de Uma Queda lhe envia uma morte tardia

outubro 27, 2023 Por maria

Anatomia De Uma Queda Um escritor fracassado, um ente querido ainda mais fracassado, uma criança cega, um border collie, uma queda e nenhum assassino. E assim, o fio condutor é a busca da multidão pela causa da queda, mas a verdade sobre o falecido deve estar além da restauração da imaginação da multidão. Sob que pressão emocional as memórias se voltam para contar as histórias que gostariam de contar? O YouCine é mais do que apenas um aplicativo, é o máximo em entretenimento. Baixe o YouCine hoje mesmo e comece sua jornada de entretenimento com uma experiência de visualização sem igual! Seja você um amante de filmes, um fã de futebol ou um buscador de entretenimento, o YouCine será seu companheiro indispensável. Como um dos poucos personagens sinceros de Anatomia De Uma Queda, a entrevista interrompida da jornalista literária Marge Berger com uma escritora (Sandra Voight, Sandra Wheeler) que tenta descobrir as considerações éticas que intensificam o sofrimento em seus romances é interrompida pelo comentário da autora pouco conhecida de que “a ficção é uma mistura de verdade e ficção”. A escritora (Sandra Voight, Sandra Wheeler) é interrompida pelo comentário do autor pouco conhecido de que “a ficção é uma mistura de verdade e ficção”. O marido da escritora (Samuel Maleski, interpretado por Samuel Tess), uma alma fraca, é um escritor menos bem-sucedido. O elemento de suspense: a verdade por trás dos eventos The Man Behind the Famous Writer”, que finalmente apresenta a história principal da queda em uma poça de sangue, descreve Voight como “uma besta” e “um monstro frio”. A heroína acaba sendo acusada pela promotoria do assassinato de seu marido e tem de testemunhar sua inocência com a ajuda de seu amigo advogado Renzi. Após uma discussão no tribunal em que toda a ação se baseia em uma gravação de uma discussão na casa de ambas as partes, o juiz concentra as provas no filho cego de 11 anos, Daniel. Dias depois, a Sra. Voight foi absolvida depois que o juiz ouviu o que o menino tinha a dizer. Esse último vencedor da Palma de Ouro do Oscar, Anatomia De Uma Queda, é uma das raras obras-primas de tortura da mente dos últimos anos. Na escuridão, o público é subitamente questionado: “O que você quer saber?” (O que você quer saber?), e então uma entrevista com a autora Voigt acontece em seu chalé nos Alpes. O chalé fica em um riacho nevado da montanha alpina, e a entrevistadora é uma elegante estudante de pós-graduação em literatura. Aparentemente, a entrevista não vai bem, e a conversa logo é abafada pelo som de uma música no andar de cima, “P.I.M.P.”, de 50 Cent, uma canção notoriamente misógina. Anatomia de Uma Queda: Ênfase no apelo visual do filme Como o tema principal de todo o filme Anatomia De Uma Queda, uma bola de tênis desce acelerada uma escada de madeira, um, três, sete degraus, enquanto um border collie a persegue lentamente. O barulho alto foi feito por Samuel Maleski, marido de Sandra. Ele também era escritor. Ou ele estava deliberadamente sabotando a entrevista ou tentando provocar uma avalanche emocional com sua estranha esposa. Sandra e Samuel têm um filho de 11 anos, Daniel (Milo Machado Grana). Seu caráter é ao mesmo tempo fraco e determinado. O border collie de Daniel, Snoopy, cujo nome original era Macy, é igualmente bom de bola. Snoopy não é apenas o companheiro de Daniel, mas também seu cão-guia. Isso se deve ao fato de Daniel ter sofrido um acidente quando tinha quatro anos de idade, o que o deixou com uma grave deficiência visual. Quando o entrevistador estava saindo da cabine, Daniel saiu para passear quase ao mesmo tempo. Ele estava voltando para as proximidades da casa com Snoopy quando os gritos de Snoopy o levaram até os restos mortais de seu pai, que havia caído em frente à casa. A criança grita para sua mãe, e a música ainda é ensurdecedora. Com um clima gelado, um vale longe da cidade e um assassinato humano, Anatomia De Uma Queda começa com a suposição de que se trata de um filme de suspense. No entanto, quando uma breve tomada panorâmica de uma mesa de autópsia forense é concluída, tudo o que podemos imaginar do talentoso escritor falecido é deixado nas lembranças e no boca a boca de outros. Não vemos o retrato positivo que a obra faz de Samuel até a famosa briga no tribunal. Isso é importante porque a forma como percebemos a queda depende de como o homem da história percebeu a queda. O mistério da morte de Samuel Grande parte do filme Anatomia De Uma Queda é escutada, ouvida, mas não vista, vista, mas mal compreendida, lembrada erroneamente, conjurada do nada ou acreditada de forma imprudente. Quando vemos Samuel morto na neve perto da cabana, com um corte profundo na cabeça e uma mancha de sangue na parede ao lado dele, devemos nos perguntar se ele caiu da própria varanda ou se foi empurrado? Será que ele bateu a cabeça no beiral de um palheiro baixo ao cair ou foi atingido por um instrumento afiado antes de cair? Ele morreu por suas próprias mãos ou pelas mãos de Sandra? Se a morte foi pelas mãos de Sandra, por que nenhuma das evidências é suficiente? Se foi suicídio, foi por ciúme do sucesso de sua esposa, ou foi uma paixão desejada e inevitável que se deparou com o desespero inúmeras vezes, ou foi outra coisa? A restauração do próprio Samuel duvidoso, no centro do turbilhão, exigirá uma transcendência de preconceitos para descobrir as verdades emocionais que Samuel manteve ocultas. Mas até que o tribunal libere a gravação da discussão, o público, movido pela curiosidade e pela compaixão, nada à beira do desespero. Duas almas momentâneas e iluminadas nos tecem uma história de nós vivos em toda parte, incapazes de resistir a um empurrão suave para voltarem a ser cordas paralelas. Sandra é uma alemã que fala inglês, mas vive com Samuel na França, … Ler mais

WALL-E dá tudo de bom para eva

outubro 26, 2023 Por maria

WALL-E: Em 2805 d.C., a civilização humana está altamente desenvolvida, mas a Terra não é mais adequada para a habitação humana devido ao aumento maciço da poluição e do lixo doméstico. Os habitantes da Terra são forçados a deixar sua terra natal em uma nave espacial e partir em uma longa e interminável jornada pelo universo. Antes da viagem, eles encarregaram a empresa Buynlarge de limpar o lixo da Terra, e a empresa desenvolveu um robô chamado WALL-E (Waste Allocation Loa d Lifters – Levantadores de Lixo de Alocação de Resíduos da Terra) para assumir essa tarefa. O YouCine oferece aos espectadores uma experiência de visualização on-line diversificada, conveniente e de alta qualidade, que permite que você aproveite o melhor e mais recente conteúdo de filmes e televisão em qualquer lugar, a qualquer momento, de acordo com seus interesses e programação. Esses robôs trabalharam arduamente dia após dia, ano após ano, de acordo com o programa, mas com o passar do tempo e a erosão do ambiente hostil, os WALL-Es foram danificados e pararam de se mover um após o outro. No final, apenas um permaneceu para realizar esse trabalho aparentemente interminável. Depois de muito tempo, ele começou a ter uma consciência própria. O WALL-E gostava de manter seus tesouros coletados cuidadosamente escondidos e, quando terminava, gostava de assistir a filmes de canções e danças centenárias, além de ter a companhia de uma barata amiga. Até que um dia, uma nave espacial do universo interrompe sua rotina …… WALL-E : Amor Para ser sincero, não há nada a escrever sobre esse tema, todos os espectadores podem ver, e superficialmente, que ele é uma história de amor inspiradora do tipo “perdedor contra as probabilidades de se casar com uma beldade branca e rica”, mas eu gostaria de dizer que WALL-E não é uma busca unilateral e consegue um bom amor, o pagamento unilateral é apenas para que o WALL-E dê o seu próprio amor, Eva para o O amor de Eva por ele é a única coisa que realmente contribui para seu amor puro. O amor tem sua própria forma, existe o amor à primeira vista, mas também ao longo do tempo. O relacionamento de Wali e Eva está na experiência comum de provações e tribulações, cuidado mútuo no cultivo, nossa realidade de amor é a mesma, o aquecimento dos sentimentos precisa ser de duas pessoas nas mesmas dificuldades, compartilhar alegria, dar um ao outro, valorizar um ao outro. O meio ambiente e os seres humanos são uma comunidade de destino Quando o ambiente ecológico é destruído, os seres humanos só podem viver no espaço, sem residência fixa. A existência do WALL-E é a prova mais simples e crua de que a única instrução do WALL-E prova a condição horrível do ambiente ecológico, e a única existência do WALL-E prova que os seres humanos não podem sobreviver na Terra, onde vivem há centenas de milhares de anos. A comunidade de destino entre o meio ambiente e a humanidade está centrada em WALL-E, a mais simples das máquinas. Cuidar do meio ambiente é cuidar da vida, caso contrário, a solidão da vida tornará todas as máquinas conscientes. O homem é um caniço com uma mente O homem não passa de um junco, a coisa mais frágil da natureza, mas ele é um junco pensante. Não é necessário que todo o universo pegue em armas para destruí-lo; um sopro de ar ou uma gota de água é suficiente para matá-lo e, ainda assim, mesmo que o universo o destrua, o homem ainda é mais nobre do que a coisa que o mata, pois ele sabe que vai morrer e a vantagem que o universo tem sobre ele, da qual o universo nada sabe. Esse é o relato mais romântico da consciência. Durante todo o filme, o único ponto em que a história se apóia é o fato de os robôs serem conscientes. Mas, no final, os seres humanos são a única fonte de consciência, é o que os seres humanos têm que os salva, fala de amor puro, fala da auto-redenção dos seres humanos. é a consciência dos seres humanos que pensa sobre a contradição entre ciência e tecnologia e a vida, é a consciência dos seres humanos que está escrevendo esta resenha, de modo que o filme WALL-E elabora consciente ou inconscientemente: a razão pela qual os seres humanos são seres humanos é por causa de sua consciência. Crítica maravilhosa do filme WALL-E Talvez em um momento eu esteja caminhando desajeitadamente em frente a um supermercado enorme com algumas sacolas grandes, e Wall-E esteja lutando para esmagar uma pilha de lixo em um cubo em uma cidade abandonada e empoeirada. Talvez no momento seguinte eu esteja de volta em casa, me encolhendo na cama, assistindo a uma série com um padrão que não quebra o padrão, e Wall-E esteja de volta em casa, ligando a TV com as luzes acesas e assistindo a seus poucos minutos de sequências de música e dança. Todos nós podemos trabalhar, todos nós podemos viver em silêncio e independência, o tempo passa calmamente entre o nascer e o pôr do sol e, quando o tempo está ruim, todos nós nos refugiamos em nosso ninho de caracóis. E então voltamos ao trabalho e continuamos com nossas vidas. Exceto que, suponho, sempre haverá aqueles momentos em que o WALL-E só pode segurar sua própria mão quando o herói e a heroína estão de mãos dadas na TV. Eu só posso me abraçar gentilmente nos beijos profundos dos amantes nos dramas. Assim como deve haver um momento em que o WALL-E na tela do cinema, ou eu no mundo real, devemos estar diante da lua nascente ou do sol poente, olhando para um mundo tão belo, ansiando por quem quer que exista, para que possamos compartilhar toda essa alegria.

Assassinos da Lua das Flores: Scarlet under the Flower Moon, o nascimento de uma narrativa de época

outubro 24, 2023 Por maria

Adaptação cinematográfica de um romance de não ficção Assassinos da Lua das Flores é uma adaptação cinematográfica de um romance de não ficção publicado em 2017. Descobri o filme em um podcast chamado “Shouteng Jianshu”, no qual o apresentador do podcast detalhou muito bem os detalhes da história, e o ouvi com grande interesse enquanto dirigia para o trabalho. Assassinos da Lua das Flores é, sem dúvida, parte da história mais sombria deste país. O homem branco chegou ao continente norte-americano e levou os índios à extinção, mantendo-os presos em suas reservas e vivendo em condições difíceis. O YouCine parece ser uma plataforma de streaming atraente. O YouCine tem uma grande variedade de filmes, programas de TV, documentários, programas infantis e vários outros tipos de conteúdo de vídeo. Ironicamente, o petróleo foi descoberto nessa reserva em Oklahoma e o ouro negro jorrou, tornando as reservas indígenas nessa terra as mais ricas per capita do mundo na época. Os homens brancos, sentindo o cheiro de dinheiro, afluíram para a área com todos os tipos de meios para garimpar ouro e se apoderar da riqueza dos índios “incapacitados” por qualquer meio necessário. Toda mulher indígena era casada com um marido branco; os homens brancos que “entravam na família” sugavam o sangue das famílias de suas esposas. Então, os assassinatos aconteceram. Primeiro um por acidente, depois um após o outro. Nessa região, 60 índios morreram em quatro anos. Molly, a personagem principal do livro, tem duas irmãs, sua irmã mais velha e sua mãe, que morrem uma após a outra, com sua própria vida em risco. Por outro lado, seu marido branco, a família Ernest Burkhart, interpretado por Little, atua como “guardião” da família indígena, e seu tio, William Hale, interpretado por Robert De Niro, é o “rei” de toda a tribo Oasaiji. Seu tio, William Hale, interpretado por Robert De Niro, é o “rei” da tribo Oasaiji no filme e, com suas amplas conexões e vasta riqueza, ele parece ser o líder de toda a região, em contraste com os chefes tribais indígenas perdidos. Histórico do filme e história obscura O filme Assassinos da Lua das Flores começa com esse pano de fundo. É interessante notar que o filme é filmado exatamente da perspectiva oposta à do livro. O livro começa com os assassinatos: Tom White, um ex-Ranger do Texas, é designado pelo recém-empossado Hoover para investigar esses assassinatos em série no distrito de Osage. Os agentes do novo Bureau of Investigation de Hoover estão muito longe dos cowboys de sua época, que perambulavam entre a lei e a ilegalidade do mundo: ele quer que eles usem ternos e botas, que representem a “nova era americana”, que se pareçam com advogados do mundo civilizado. Tom White adotou uma abordagem de campo, descascando as camadas para encontrar as conexões entre os assassinatos e finalmente chegar à verdade. Esse tipo de investigação catapultou o FBI para a fama e influenciou diretamente a maneira como o FBI operou após seu nascimento, e continua a fazê-lo até hoje. E o filme Assassinos da Lua das Flores é tão grande e inteligente como Scorsese sempre foi. Scorsese não brinca com o flashback e a narrativa multifacetada, mas sim com a boa e velha história contada do zero e usando a linguagem da câmera. Desde a comovente cerimônia de oração indígena no início, até a descoberta do ouro negro, o vapor e os apitos da estação de trem em frente à cidade de Osage e o retorno de Little Lee à sua cidade natal, tudo parece um pouco com Westworld. Em seguida, a pena se volta para seu encontro com Molly, a índia incrivelmente rica que vive no sertão, mas tem uma empregada branca em sua casa, “como as ruas de Paris invadindo a cidade de Osage”. Em seguida, seu tio King o pede em casamento com uma índia, fotos do alegre casamento de uniões entre brancos e índios, aquelas fotografias de família de índios tiradas com muito custo, fotos dos rostos sem noção, curiosos, confusos e apáticos dos índios, e associando-as ao triste final que se segue, Martin dá vida ao livro. Assassinos da Lua das Flores: Poder, dinheiro e amor distorcido Ele achava que a amava – e provavelmente a amava, mas nunca foi o que consideramos amor. Essa história não tem nada a ver com amor; é essencialmente uma história de poder e dinheiro, uma história de opressão e exploração, em que os americanos não apenas tomaram as terras e o dinheiro dos índios, mas também suas vidas. Essa história não se trata de uma guerra tribal medieval ou da recuperação do Novo Mundo por Colombo, mas se passa na década de 1920, mais de cem anos após a fundação dos Estados Unidos, um líder global com uma constituição e leis totalmente desenvolvidas. Era um país em que uma raça podia ser considerada “necessitada de proteção” e “incapaz de se comportar civilmente”, em que toda mulher indígena tinha um guardião de sua propriedade e em que o consentimento do homem branco era necessário para qualquer uso de sua propriedade. O desprezo e a desconsideração do homem branco pelos índios são horríveis, incluindo o “amor” de Ernest por Molly, que não é amor por um ser humano, mas amor por todas as coisas, um sentimento distorcido baseado na desigualdade. Assassinos da Lua das Flores é provavelmente o filme mais longo que vi em uma sala de cinema em quase uma década. Scorsese tem claramente essa prerrogativa de grande diretor: “Sou a favor da narrativa plana, sou a favor de diminuir o ritmo, sou a favor de contar a história pouco a pouco, sem cortar nenhuma filmagem”. Em contraste com o livro, o filme adota o ponto de vista do homem em questão – Ernest, o homem branco que se casa com a índia – e vê toda a história à medida que ela se desenrola. Como ele está tão profundamente envolvido, é claramente diferente da perspectiva de fora do agente do FBI Tom White, e … Ler mais