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Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha O melhor filme de animação do ano?

janeiro 6, 2024 Por maria

Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha, a sequência vencedora do Oscar do melhor longa-metragem de animação de todos os tempos, é o filme mais alucinante, estiloso e legal já feito. O filme conta a história de Miles, o novo Homem-Aranha, e da Mulher-Aranha, enquanto eles viajam pelo multiverso em uma aventura maior. Ao enfrentar o destino de que todo Homem-Aranha perderá seus pais, Miles promete quebrar a maldição e encontrar seu próprio caminho para o heroísmo. Mas quando essa decisão entra em conflito com a Aliança do Homem-Aranha, liderada pelo Homem-Aranha 2099, uma batalha de Homem-Aranha contra Homem-Aranha está prestes a começar! Como assistir ao filme de animação Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha no YouCine O YouCine reúne uma grande variedade de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e muito mais. Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha Aventuras no Multiverso Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha O filme começa sob o ponto de vista de Gwen, a Aranha, recapitulando o filme anterior em um ritmo acelerado de bateria e com as autorreferências de Gwen, e até mesmo mostrando alguns quadros do que está por vir na próxima história. Talvez você pense nisso como um flashback para Gwen depois de sua experiência com a história do Universo Vertical. Esse é um universo no estilo aquarela. A aquarela é fluida, as cores são translúcidas e se misturam com a água para dar diferentes efeitos de mistura. Há muitos blocos de cores na imagem, e o tom do fundo e do ambiente também muda de acordo com o estado de espírito de Gwen, o que é uma boa maneira de visualizar o mundo interior de Gwen. Na cena de abertura, quando Gwen sai da banda e entra na cidade e na multidão, toda a cidade está em cores quentes, mas apenas Gwen está com um moletom azul frio, e a sensação de solidão aparece imediatamente. No episódio da conversa de Gwen com seu pai, gradualmente da cena real para o fundo de cor falsa, a imagem é dividida pela grade branca de desenho animado e a distinção entre distante e de perto, cores frias e quentes, mas também para criar uma desconexão espacial e emocional. Até as palavras do pai “me dê um abraço”, Gwen foi imediatamente para o outro lado do quadro, e as cores das duas pessoas começaram a se misturar e se espalhar, demonstrando perfeitamente a fluidez e a transparência da aquarela. Ao mesmo tempo, podemos ver o abutre da Renascença, que está fora de lugar no universo de Gwen. Ele tem a textura de pergaminho, as asas steampunk de um manuscrito de Da Vinci. O ataque se desenrola com “notas” explicativas, notadamente escritas no mesmo estilo canhoto e retroativo dos manuscritos de Da Vinci, o que as torna difíceis de decifrar. (Visualização real no microscópio) O choque de diferentes estilos de desenho é ainda mais evidente no Universo Transverso do que no Universo Paralelo Superior. Homem-Aranha: Através do Verso-Aranha Universo 1610 De volta ao universo do próprio Miles, essa é uma continuação do estilo do filme anterior, com a onipresente onomatopeia dos quadrinhos, subtramas de quadrinhos e imagens ousadas combinadas com um estilo de animação exagerado que, mais uma vez, nos dá uma visão rápida do que está acontecendo. A caracterização de Miles não é o clichê do “garoto rebelde”, mas também é muito mais madura do que no primeiro filme. Na conversa com o orientador educacional, fica claro que ele tem um objetivo claro para seu futuro. O Homem-Aranha, como espectador, diz ao pai para se soltar e deixar seu filho voar. A parte mais tocante do filme é o diálogo entre Miles e sua mãe, que, apesar de saber que Miles está escondendo algo dela, ainda oferece apoio irrestrito ao filho. Tanto o pai quanto a mãe podem ter se expressado de forma diferente, mas ambos deram amor e apoio à pequena aranha negra. Acho que essa também é a razão pela qual Miles desafia corajosamente seu suposto “destino” mais tarde. No entanto, sob o sigilo da identidade do Homem-Aranha, a desconexão espontânea do adolescente com seus pais e o choque de seu amor por eles levam inevitavelmente ao conflito, o que provavelmente faz parte do crescimento. No entanto, no Universo Vertical, o ponto de conflito mudou do Homem-Aranha contra o vilão para Miles contra a Predestinação. A representação do vilão, Spot, ainda é interessante desta vez; sua pele branca está repleta de pontos de tinta preta que têm um efeito de halo dinâmico, fazendo com que o espaço interno desse ponto pareça muito misterioso e inexplicável. Depois de absorver a energia do colisor, a cor preta se espalha e as manchas se transformam em linhas brancas entrelaçadas, literalmente “escurecendo”. Como resultado, o Mancha deixou de ser um vilão bobo da semana para se tornar o nêmesis de Miles e um vilão ameaçador no Verso-Aranha. Homem-Aranha Punk Hobie Brown 138 Universo Gostei tanto do Homem-Aranha Punk que me aprofundei na história da palavra “punk”. A cultura punk, como a conhecemos hoje, começou na década de 1970 no Reino Unido, inicialmente como uma rebelião musical contra as formas estabelecidas de música popular. Gradualmente, o punk se tornou mais diversificado, mas sua mensagem permaneceu subversiva, rebelde e anárquica. Ele se baseou em temas como o enfrentamento dos problemas da sociedade e a opressão das classes mais baixas. A cultura punk era uma mensagem para a sociedade de que nem todo mundo estava indo bem, nem todo mundo era igual. As primeiras roupas punk davam valor estético a objetos do cotidiano, como rasgar roupas e amarrá-las com alfinetes ou tiras, pintar e decorar roupas com tinta, usar sacos de lixo de plástico preto como camisas ou vestidos, usar acessórios como alfinetes de botão, lâminas de barbear etc. e, muitas vezes, usar intencionalmente couro, borracha e vinil nas roupas. Em suma, eles fazem com que seu visual seja extremamente exagerado, debochado e provocativo. Os cenários do Homem-Aranha Punk e até mesmo ele próprio são preenchidos com a sensação de jornais baratos rasgados à mão e as … Ler mais

Babilônia – Um futuro imaginado é um passado imaginado

janeiro 4, 2024 Por maria

ssista a Babilônia no YouCine! O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e muitos outros tipos de conteúdo de vídeo. O cinema antes de seu tempo? –O surgimento do cinema comercial Em 1933, o dramaturgo Antoine Aalto, que já foi um escritor esperançoso sobre cinema, publicou “Cinema before its time” (O cinema antes de seu tempo). Aalto publicou o artigo “O cinema está morrendo antes do tempo”. Ele afirmou com desapontamento que o cinema atual oferecia apenas um mundo idiota de imagens, um mundo preso em milhões de retinas. Esse cinema (o filme comercial) substituiu a antiga prática de permitir que o espectador ouvisse seus próprios “gritos de um dos extremos da mente”, “a câmera categoriza e devora a vida, fornece um alimento pronto para as emoções, para a alma, e nos oferece um mundo que acabou e é estéril”. ” (Cinema de arte), na verdade, expressa insatisfação com o cinema dramático. Ele acreditava que todas as eventualidades, o imprevisto, o poético, eram suprimidos no filme dramático. O motivo dessa insatisfação era justamente o fato de Hollywood já ter conquistado o mercado cinematográfico mundial em grande número por meio de filmes dramáticos. O padrão do cinema mundial no início do século XX ainda era dominado pelo monopólio europeu. Naquela época, a base cinematográfica dos Estados Unidos ficava em Nova York, na Costa Leste. O setor cinematográfico era monopolizado por alguns grandes estúdios. O afastamento do centro cultural também permitiu que Hollywood se livrasse efetivamente da influência da arte dominante. Na época, a primeira empresa cinematográfica a chegar a Hollywood produziu um longa-metragem de drama com um investimento de até US$ 110.000, “O Nascimento de uma Nação”, e obteve um enorme sucesso econômico de US$ 20 milhões. Isso foi um duro golpe para o formato de curta-metragem na Costa Leste na época e abriu o cenário do cinema de Hollywood. Os enormes benefícios econômicos atraíram um grande número de talentos do cinema para Hollywood e, desde então, também abriu a era da corrida do ouro “louca” de Hollywood. No início do filme, o diretor usa uma tomada longa de cinco minutos para retratar uma festa que é tão louca quanto era a natureza selvagem de Hollywood na década de 1920. Jack, a estrela de Babilônia, foi um dos primeiros garimpeiros bem-sucedidos. Manny, o garçom, e Nellie, a garota de Nova Jersey, também eram sonhadores nessa época louca. A tecnologia muda a linguagem da arte Quer olhemos para o cinema do ponto de vista artístico ou comercial, o filme em si é uma categoria de arte impulsionada pela tecnologia. Em comparação com as formas de arte tradicionais, como romances e pinturas, o desenvolvimento do cinema está intrinsecamente ligado aos avanços tecnológicos. Ao mesmo tempo, o filme, como representante da arte reproduzível, também é uma desconstrução dos valores tradicionais. Ele trouxe para os olhos do público a arte que antes era reservada à aristocracia. Como Jack diz no filme durante uma briga com sua esposa, estrela da Broadway, “O que estou fazendo significa muito para milhões de pessoas, e meus pais não tinham dinheiro nem educação para entrar em um teatro da Broadway. Então, eles foram para o vaudeville, foram para o Five Cent Theatre. Sabe, há algo fascinante nessas coisas também. As coisas que aconteciam na tela faziam sentido, talvez não para você que nasceu em uma torre de marfim, mas faziam sentido para as pessoas na vida real.” Isso só mostra a presença revolucionária do cinema no início do século XX. Embora o cinema fosse revolucionário em termos de forma, em termos de conteúdo ele tendia mais para os valores tradicionais. Até hoje é fácil perceber que a narrativa do cinema hollywoodiano sempre se desenrola do ângulo mais bizarro e para no lugar mais lógico. Em Babilônia, Jack e Nellie desempenham papéis muito mais conservadores do que os de suas vidas. A dupla retorna ao set de filmagem com uma ressaca após a festa de abertura. Boa parte do filme mostra Nellie tentando pegar carona no caminho rápido para os filmes falados, mas as contradições das circunstâncias, as contradições de ser ela mesma ou de se tornar um brinquedo, tudo conspira para deixá-la fora de sintonia com a nova era. Isso claramente não é resultado do desperdício da indústria da dupla com a alienação ou da depravação induzida pelas drogas de Nellie, mas sim do fato de que a tecnologia não é apenas uma máquina e um dispositivo, é um ambiente. O desenvolvimento da tecnologia é como a mudança do ambiente, imparável, toda revolução tecnológica trará novas tempestades, novas pessoas riem e pessoas velhas choram. O futuro imaginado de Babilônia é um passado imaginado Quando o filme de Babilônia termina, Manny está de volta à frente da tela como testemunha de toda uma era de ouro, e o soluço em seus olhos não é mais sobre o envolvimento dele e de Nellie, mas sobre a história deles sendo documentada claramente por essa era de ouro. Ele chorou enquanto o clássico “Singin’ in the Rain” tocava no teatro lotado. Um primeiro vislumbre do motivo pelo qual o diretor fez esse filme também pode ser visto em suas obras-primas “The Exploding Drummer” e “Lovejoy”. O amor do diretor pelo clássico gênero hollywoodiano de filmes de música e dança também mostra um pouco da nostalgia do diretor Damien Chazelle. A nostalgia de Chazelle. A nostalgia acontece com todos nós. Li um livro anteriormente que dizia que há três condições para que a nostalgia ocorra. Em primeiro lugar, é preciso que haja um tempo linear. Em segundo lugar, a transcendência é necessária, ou seja, o momento presente é deficiente. Terceiro, a falsidade artificial do passado está presente na perspectiva existencial e material. (Se uma sociedade abandona por completo suas tecnologias antigas e obsoletas, jogando fora impiedosamente o efêmero e o fugaz, sobrescrevendo com confiança o acúmulo de desenvolvimentos das gerações anteriores, faltam objetos materiais sobre os quais construir a nostalgia). Em Babilônia, o diretor passa três horas … Ler mais

Um momento no tempo fica parado em Oppenheimer

janeiro 2, 2024 Por maria

Assista ao filme clássico de 2023 Oppenheimer no YouCine! O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, programas de TV, documentários, programas infantis e muitos outros tipos de conteúdo de vídeo. Isso significa que os usuários podem desfrutar de entretenimento de todos os gêneros e assuntos na mesma plataforma. J. Robert Oppenheimer, o pai da bomba atômica e o homem que mudou o farol do mundo, é o homem cuja vida o diretor Christopher Nolan transformou em um filme biográfico de três horas, Oppenheimer, que explora a linha entre ciência, moralidade e política. Oppenheimer era um pecador ou um herói? Os filmes de Nolan são todos feitos para a tela grande. Seja Total Recall, Efeito Estelar, a trilogia O Cavaleiro das Trevas ou, nos últimos anos, Dunkirk, Tenet ou Oppenheimer em 2023, a quantidade de conhecimento e informação tornou-se cada vez maior, e ele desafiou constantemente a história, a biografia e a espionagem de vários assuntos e elaborou meticulosamente roteiros e padrões épicos, dominando perfeitamente o meio do filme. O filme dominou o delicado equilíbrio entre comércio e arte e explorou o grande valor da videoarte e do estilo narrativo. Oppenheimer: Agora sou o Grim Reaper, o destruidor de mundos. Por que as pessoas precisam ver a história de Oppenheimer? Desde o nascimento das armas nucleares, o mundo tem se dividido em antes e depois e, do ponto de vista histórico, o desenvolvimento das armas nucleares não se refere apenas ao nascimento de uma nova arma, mas à abertura de um mundo totalmente novo. A biografia original na qual Oppenheimer se baseia, intitulada American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer (Prometeu Americano: O Triunfo e a Tragédia de J. Robert Oppenheimer), abre o filme com Prometeu roubando o fogo dos deuses e levando-o ao povo. Prometeu rouba o fogo dos deuses e o leva para o povo, sugerindo que Oppenheimer sempre estará carregado de orgulho e pecado, aplaudindo e gritando. Nolan sempre foi conhecido como “o mago do tempo”, o tempo é algo que as pessoas não conseguem realmente entender, mas podem sentir profundamente, por isso vimos o tempo ser cortado em “Memory Jigsaw”, o tempo ser estendido em “Total Initiation”, o tempo ser comprimido em “Interstellar Effect”, o tempo ser fundido em “Operation Dunkirk”, o tempo ser revertido em “TENET” e, em “Oppenheimer”, o tempo é revertido. Oppenheimer é o tempo parado, permanentemente parado, em um momento histórico, em um momento de possibilidade quase zero, em um momento em que Einstein se vira e fecha os olhos. Por meio da controversa audiência de liberação de segurança de Oppenheimer, o filme de Oppenheimer primeiro relaciona sua carreira acadêmica e pesquisa e, em seguida, concentra-se no desenvolvimento de armas nucleares, com Oppenheimer como líder de um grupo de cientistas importantes recrutados para trabalharem juntos na construção da arma secreta definitiva contra os fascistas no Laboratório de Los Alamos, no Novo México, EUA. Eu achava que a explosão do teste da bomba atômica era o clímax do filme, mas não sabia que a última parte era a revelação da verdade. Por trás da enorme escala do Projeto Manhattan, havia um cabo de guerra político que manipulava a ideologia, o que levou Oppenheimer a se tornar um mártir na jihad anticomunista dos Estados Unidos, e é um entrelaçamento chocante e emocionante dos altos e baixos da vida desse “pai da bomba atômica”. Dez, nove, oito, sete, seis, cinco, quatro, três, dois, um, o momento da detonação, o mundo inteiro como se estivesse prendendo a respiração, uma luz ofuscante chocou tudo, todos nós ignoramos a diferença entre a velocidade do som e a velocidade da luz, alguns segundos de silêncio mortal antes do som ensurdecedor da explosão. Esse momento se tornou uma lembrança que ele tentou esquecer pelo resto da vida, como os rastros deixados pela guerra no coração das pessoas, constantemente emaranhados, constantemente ocorrendo. Com o ponto de vista de Oppenheimer em cores e o de Lewis Strauss (ex-presidente da Comissão de Desenvolvimento Atômico) em preto e branco, Nolan tem o cuidado de oferecer duas perspectivas históricas opostas e, na narrativa introspectiva, o público aprende gradualmente de onde veio a rixa entre os dois homens, mesmo quando a peça teatral Amadeus, de Peter Levin Shaffer, está sendo escrita. Até mesmo o relacionamento entre Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Salieri na produção de Peter Levin Shaffer de Amadeus é uma metáfora para o relacionamento entre uma mente brilhante e sitiada e um homem pequeno e poderoso que o admira e o atormenta. Como você pode ver, enquanto os detentores do poder permanecem para sempre nas sombras, a vida de ninguém pode resistir a um exame minucioso e, muitas vezes, está repleta de erros irreparáveis, mesmo que Oppenheimer tenha contribuído inúmeras horas em alguns níveis. Você pega uma pedra e encontra uma víbora embaixo dela. Por serem filmes biográficos, é difícil para a maioria evitar o tropo do heroísmo e, como se pode ver na trilogia O Cavaleiro das Trevas, Nolan não está negando o heroísmo, mas sim que o heroísmo que as pessoas costumavam aspirar é quase impossível de ser alcançado, mas que o herói merece ser um símbolo disso: “o verdadeiro herói é invisível”. Assim, o Comissário Gordon, que veste um casaco no garotinho, é um herói; o soldado que se esforça para sobreviver à Batalha de Dunquerque, o pescador da frota civil são heróis; Oppenheimer, que se esforça para explorar o desconhecido, também é um herói, incapaz de reprimir seu desejo de explorar um mundo totalmente novo, convencido de que a bomba atômica foi usada para controlar o nazismo e o fascismo, mas, no final, desencadeou um monstro gigante que ninguém conseguia controlar e entregou a fera ao sistema burocrático. Oppenheimer se apega a três elementos centrais: ciência, política e moralidade. A invenção da bomba atômica não é apenas uma revolução científica, mas também está intimamente relacionada à política, e como a realidade é caótica, o trabalho de Nolan sempre foi inseparável dos momentos sombrios da bondade humana, … Ler mais

Taylor Swift: The Eras Tour é a verdadeira rainha do showbiz!

janeiro 2, 2024 Por maria

Veja Taylor Swift: The Eras Tour no YouCine! O YouCine, seu passaporte para explorar o mundo do cinema, tem uma gama diversificada de conteúdo de filmes e televisão para atender a todos os gostos e interesses. O impacto de Taylor Swift: The Eras Tour ‘Taylor Swift: The Eras Tour’. Quão fenomenal é isso? Ultrapassou Star Wars: The Force Awakens no dia da pré-venda com US$ 37 milhões, tornando-se o segundo colocado no total de pré-venda do primeiro dia na América do Norte, atrás de Vingadores 4: Ultimato. Um “filme de show” que não é uma “faixa mainstream” e que vendeu tanto, até mais do que os sucessos de bilheteria de Hollywood, causou um choque no setor. Em 1º de outubro, Beyoncé também anunciou que seu filme de show “Beyoncé: Renaissance” será lançado em dezembro deste ano, juntamente com “Renaissance”, de Taylor Swift. O filme, assim como o de Taylor Swift, será lançado nos cinemas diretamente com a AMC Theatres, ignorando a Sony Pictures, a mesma empresa controladora de sua gravadora Columbia Records. Que tipo de filme é Taylor Swift: The Eras Tour? Em poucas palavras, é uma versão cinematográfica da sexta turnê mundial de Taylor Swift, a The Eras Tour. “A The Eras Tour começou em março deste ano e está programada para fazer 146 shows em cinco continentes antes de terminar no final do próximo ano, com 195 minutos de duração e 44 músicas. É a maior e mais longa turnê de Taylor Swift até hoje, e ela mesma diz que “é uma jornada pelas eras musicais de sua carreira”. Enquanto a turnê norte-americana estava em hiato, a Eras Tour não parou por aí, apenas assumiu uma forma diferente: em agosto, Taylor Swift contratou o diretor Sam Lenzi para gravar e filmar três noites de apresentações em Los Angeles na última etapa da turnê norte-americana, que foram então produzidas por cinco editores, resultando no vídeo de 165 minutos “Taylor Swift: The Eras Tour”, de 165 minutos. O desenvolvimento do filme concerto O conceito de “filme concerto” remonta ao filme “Adventures in Music”, de 1944, que incluía as obras de vários artistas clássicos, como Chopin, Beethoven, Liszt e outros artistas famosos. Em termos de conteúdo, os primeiros filmes de concerto tinham atributos documentais mais fortes e apresentavam uma única forma de música. O verdadeiro clímax dos filmes de concerto ocorreu por volta da década de 1960. Após a Segunda Guerra Mundial, os conceitos sociais globais mudaram drasticamente, impulsionando o surgimento do pensamento progressista, grupos de jovens em busca de liberdade e emancipação, a música carrega a expressão dos jovens, a música pop entrou em um período de ouro, um grande número de músicos coesos para cooperar com as imagens de documentários de festivais de música são bastante populares, por exemplo, “Monterrey Pop Festival”, “Woodstock Festival”. Taylor Swift: The Eras Tour Esse não é um filme de concerto comum, pois envolve Swift, que se transformou em uma das forças culturais mais poderosas do ano passado: suas turnês estão a caminho de se tornarem as primeiras a atingir US$ 1 bilhão em bilheteria, ela injeta milhões de dólares na economia local toda vez que faz uma turnê em uma nova cidade, ela e seus fãs criam tremores de terra equivalentes a pequenos terremotos com o barulho dos shows. Os shows eram tão emocionantes que os fãs relataram sofrer de amnésia depois. O filme como um fenômeno cultural O filme também proporcionou a oportunidade de assistir ao show para os fãs que não puderam ir ao concerto, comprar ou comprar ingressos durante a infame falha no sistema de ingressos da Ticketmaster no outono passado. Eles assistiram à transmissão ao vivo no TikTok com entusiasmo, viram os frequentadores do show trocarem pulseiras da amizade, uma tradição dos shows de Swift, e ficaram extasiados por fazer parte da história da Eras Tour com o filme. “Esse é um grande momento para todos os cinemas”, disseram os analistas de bilheteria. “Em termos de nível de empolgação para esse filme de show, não há precedentes.” Ele observou: “Talvez não tenhamos visto um filme como esse desde os filmes dos Beatles dos anos 60”. A AmC e seus parceiros de subdistribuição fecharam um acordo para exibir Taylor Swift: The Eras Tour em mais de 8.500 salas de cinema em cerca de 100 países. Além dos US$ 100 milhões em pré-vendas em todo o mundo, espera-se que o filme arrecade mais de US$ 100 milhões em sua estreia nos Estados Unidos, uma vez que as receitas de bilheteria sejam levadas em conta. Embora os “filmes de shows” nunca substituam o objetivo dos “shows” – os fãs poderem ouvir seus ídolos “cara a cara” – eles nunca poderão fazer isso com um “filme de show”. Embora os “filmes de shows” nunca substituam o objetivo de um show – em que os fãs podem ouvir seus ídolos cantarem “cara a cara” – eles podem ter um grande potencial à medida que a tecnologia cinematográfica evolui para oferecer um nível mais alto de espetáculo audiovisual. O “filme-concerto” de Taylor Swift, “Taylor Swift: The Eras Tour”, tornou-se um grande sucesso, principalmente porque a própria Taylor Swift é uma superestrela internacional com grande apelo. É por isso que uma parte da bilheteria de $123,5 milhões veio da bilheteria internacional.

The Gramd Budapest Hotel: Amizade e Vida nos Anos de Guerra

dezembro 28, 2023 Por maria

The Gramd Budapest Hotel é um filme clássico e peculiar que combina os elementos quase opostos de comédia e suspense, e é tão evocativo quanto um livro ilustrado requintado. Embora Wes Anderson já seja conhecido por seu uso visualmente requintado de cores ousadas e altamente saturadas, cinematografia sem esforço e composições simétricas rigorosas, este artigo se concentra nas implicações narrativas do filme. Assista ao clássico filme O Grande Hotel Budapeste no YouCine! O YouCine tem uma enorme variedade de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e muito mais. Composição simétrica e estrutura narrativa de circuito fechado Em todo o filme The Gramd Budapest Hotel, as quatro narrativas ecoam umas às outras, formando uma estrutura completa de ciclo fechado. O diretor intencionalmente fez uma distinção clara ao mudar o formato: widescreen da Academia para os dias atuais, widescreen 16:9 para os anos sessenta e a proporção padrão predominante na época para os anos trinta. A mudança de quadro é uma maneira apropriada de mostrar a forma do desempenho do protagonista em cada época. Os outros detalhes estão espalhados, mas não são caóticos; o ritmo dos segmentos legendados é muito original e pessoal do diretor. As legendas de rolagem de The Gramd Budapest Hotel têm um toque vintage, dando à história uma sensação distinta de época, assim como a máquina de escrever do filme. A melhor parte é a alternância de tempo e espaço, em que a verdade do passado é entrelaçada com as lembranças do passado contadas muitos anos depois, sublimando o tema. Os personagens ricos e variados são os destaques do filme: o paranoico Gustav, que é rápido e decisivo ao cuidar do hotel, e seu forte senso de responsabilidade, que o leva a pedir aos funcionários na prisão que “mantenham a reputação do Gramd Budapest Hotel viva e bem”. Caracterização do The Gramd Budapest Hotel Em sua vida pessoal, ele nunca se esquece de se divertir, mesmo durante sua prisão, ele ainda pede ao carregador para levar seu perfume favorito; embora pareça ser rigoroso com ZERO, ele nunca despreza esse pobre refugiado que está envolvido na guerra e, no final da história, Gustavo prefere se sacrificar para salvar o carregador, que está com ele desde o início de sua vida. O carregador moreno e magro acaba crescendo e se tornando uma geração de empreendedores, inseparável das palavras e dos ensinamentos do mestre Gustave e de seu próprio caráter, ele é honesto, bondoso e grato, apesar de ter nascido em uma vida miserável, mas nunca desiste da busca pelos sonhos, assim como pelo amor à persistência e à dedicação que fazem com que ele e Gustave alcancem o sucesso. O mundo colorido é enriquecido pelas personalidades únicas de Agatha, a sincera e atenciosa Agatha, o egoísta e sinistro Dmitri, o filho mais velho de Madame D, o assassino desumano e o escritor inteligente e astuto ……. Significado mais profundo e crítica Mesmo com a comédia e o ritmo acelerado de O Grande Hotel Budapeste dominando o filme, é fácil perceber os significados mais profundos que o diretor quis revelar. Em primeiro lugar, o filme critica o egoísmo e a hipocrisia das classes altas que fazem qualquer coisa por dinheiro. O segundo é abraçar a paz! Nas décadas de 20 e 30, a Europa Ocidental não era pacífica, ela foi a mais atingida pela guerra – o filme mostra duas vezes a situação de guerra diretamente. A primeira vez é quando o Mestre e o Discípulo viajam para o funeral da Sra. D. e quase acabam com suas vidas simplesmente porque ZERO não tem documentos decentes. Poupados de serem mortos graças ao resgate de um oficial convidado que havia cuidado deles antes, Gustav lamenta: “Nesse matadouro bárbaro, ainda restam alguns lampejos de civilização que um dia foram conhecidos como ‘humanidade’”. No entanto, a guerra mudou o padrão dos tempos, e a luz da humanidade está desaparecendo gradualmente, deixando para trás apenas as feridas trazidas pela guerra. Quando recebem a ordem de prender Gustav por “roubo e assassinato”, o mesmo oficial que os salvou do perigo anteriormente ocupa o Grand Budapest Hotel, e o tiroteio do confronto final também cobre o hotel sagrado com um véu de sangue. O estacionamento do centeio no final faz com que o final perfeito dê uma guinada para pior – a Blitz de Lutz foi combatida. Era fácil saber que o mundo seria devastado por derramamento de sangue e atrocidades por muito tempo, e rezar por uma luz humanitária tornou-se o credo do autor. No final de The Gramd Budapest Hotel, há um diálogo entre o jovem escritor e o Sr. ZERO: “É porque este é seu último elo com o mundo que se foi? Ou o mundo dele?” “Não, estou fazendo isso em homenagem a Agatha. Na verdade, acho que o mundo dele desapareceu muito antes de ele mesmo entrar nele. Mas ele manteve a ilusão com um glamour extraordinário.” Nós nos perguntamos: por que um rico empresário finalmente preferiria abrir mão de sua propriedade cara em troca do Grand Hotel, há muito tempo desbotado de sua antiga glória e em extrema degradação? O diretor usa as palavras de ZERO para mostrar que ele se preocupa com o amor de sua parceira, mas depois precisa mudar um pouco diante de sua verdadeira inspiração, Zweig. O próprio Zweig foi um escritor judeu que sofreu durante a Segunda Guerra Mundial, e seu desgosto e ódio pela perda do país que tanto amava se tornaram a dor de seus escritos. Certa vez, ele disse: “Nenhum infortúnio meu parece ter me abalado e desanimado tanto quanto a indignidade a que esta cidade foi submetida”. Da mesma forma, as pessoas representadas por Gustave e ZERO viam o majestoso hotel como um lar espiritual, repleto de vida, risos, poesia e o cheiro indelével de perfume. Mas, após a guerra, seu lar espiritual parece ter perdido toda a esperança. Pode-se dizer que o Gramd Budapest Hotel representa uma era em que o espírito de uma civilização europeia perdida parece ter … Ler mais

Depois de 23 anos, Chicken Run2 está aqui!

dezembro 26, 2023 Por maria

Assista a Chicken Run no YouCine! O YouCine é uma plataforma para os amantes do cinema explorarem o mundo do cinema com mais profundidade por meio da interação social e do compartilhamento de informações. Logotipo da sequência de Chicken Run O filme de animação Chicken Run: A New Era of Chicken Nuggets é a sequência da comédia britânica de aventura animada em stop-motion Chicken Run. A Aardman Animations era originalmente conhecida por sua animação em stop-motion de “argila”, e Chicken Run, de 2000, chegou a arrecadar US$ 225 milhões nas bilheterias mundiais, tornando-se o filme de animação em stop-motion de argila de maior bilheteria da história. No passado, a Aardman Animation também anunciou que talvez não fosse possível fazer uma sequência de suas obras clássicas de animação em stop-motion porque sua parceira “Claymation Factory” não estava mais em produção. A notícia deixou os fãs preocupados com a possibilidade de não haver uma sequência, mas parece que a Aardman Animation encontrou uma solução para o problema, que é usar CGI para resolver esse problema. Chicken Run 2: A New Era of Chicken Nuggets é uma coprodução entre a Aardman Animation e a Netflix Animation, e é uma pena que algumas das vozes clássicas em inglês de 23 anos atrás não tenham retornado, mas Chicken Run 2 ainda é uma sequência muito boa que, mais uma vez, leva os espectadores a uma alegre aventura seguindo as galinhas enquanto elas enfrentam novos dilemas. A sequência de Chicken Run 2 basicamente continua de onde seu antecessor parou. Você pode se perguntar se conseguirá entender a continuação se não tiver visto o filme anterior. A resposta é sim, pois há uma pequena recapitulação do enredo do filme anterior logo no início da história da sequência, de modo que o público pode entrar no filme em segundos, conhecendo a configuração dos personagens e a sucessão. Símbolos de uma nova era A premissa da história do enredo de Chicken Run 2 é que as galinhas que escaparam da fazenda maligna na história anterior estão vivendo felizes em uma ilha, e Ginger e Rocky estão dando as boas-vindas à sua nova filha, Molly, até que Ginger começa a perceber que os humanos estão recolhendo as galinhas da ilha e levando-as para um novo local. Isso causa grande preocupação para Ginger, que se lembra de como era a vida infernal na fazenda, por isso Ginger teme pela segurança de todos, especialmente de sua amada filha Molly. No entanto, a própria Molly é uma personagem que sempre quis sair e explorar o mundo além da ilha, portanto, quando Molly é acidentalmente levada para a fazenda, Ginger, como sua mãe, decide resgatá-la. No jogo anterior, Ginger liderou o grupo para escapar da fazenda, mas agora ela precisa liderar o grupo em uma corrida até a fazenda para salvar todas as galinhas! O design da sequência é como um indício da transformação de Ginger, “as galinhas entram ativamente no perigo em vez de fugir dele passivamente”, o que, obviamente, se torna um ponto de vista muito importante na sequência de Chicken Run 2. Porque, no passado, Ginger e as galinhas estavam tentando “fugir da dor”, enquanto na sequência, Ginger escolhe “enfrentar a dor” por Molly, e esse relacionamento entre mãe e filha se torna o foco do enredo da sequência. O relacionamento entre mãe e filha se torna o foco da trama da sequência. Acho que esse é um ótimo design para essa sequência, porque o roteirista e o diretor não apenas consertaram os personagens, mas também acrescentaram mais personagens para elaborar e discutir questões diferentes, para que o público possa sentir a novidade do enredo. Não se trata apenas de uma repetição do conteúdo do filme anterior. Além disso, a Aardman Animation é bastante inteligente, pois é óbvio que, depois de 23 anos, muitos dos fãs do Chicken Run anterior agora são pais, portanto, quando esses fãs do passado relembrarem suas memórias na sequência de Chicken Run 2, muitos deles certamente acompanharão seus filhos para assistirem juntos e, assim, Chicken Run atrairá uma “nova base de clientes”, o que é um projeto muito bom. “Esse é um projeto muito bom, porque as aventuras de Molly e a dedicação de Ginger em proteger sua filha são bem exploradas pelo diretor-escritor ao retratar a profundidade dos papéis de Ginger, Rocky e Molly na trama. Como mãe, com as preocupações e a superproteção da mãe, e como filha, com a rebeldia e a liberdade da filha, a interação entre as duas revela as linhas da história pessoal e a escavação interior das duas personagens. Drama e humor A caracterização de Ginger também é boa, com algumas cenas que remetem à história do jogo anterior, em que Ginger tenta superar seu trauma do passado e luta com seu próprio eu interior durante toda a aventura até se tornar corajosa por sua filha e não fugir como antes. É muito bom que Chicken Run 2 possa ser projetado para transformar as galinhas que escaparam da fazenda com seus pesadelos em uma fazenda novamente, pois é um desafio muito diferente e um símbolo de superação pessoal de demônios e bravura. No que diz respeito ao vilão da sequência, Chicken Run 2 ainda tem o mesmo vilão de seu antecessor, mas o diretor-roteirista retratou o vilão de uma forma mais “evoluída”, simbolizando a maldade e a esperteza da humanidade (especialmente quando o vilão inventa novos truques científicos para lidar com as galinhas que estão esperando para serem abatidas, o público ficará particularmente surpreso com o vilão criado pelos roteiristas, mas, ao mesmo tempo, refletirá sobre a crueldade da humanidade), e isso desencadeará a dificuldade e o perigo que as galinhas enfrentam ao enfrentar o desafio. dificuldade e perigo ao enfrentar o desafio. Apelo a diferentes públicos De modo geral, ainda capturando com precisão a mesma fofura e loucura de seu antecessor, Chicken Run 2 é um filme que definitivamente acerta no aspecto nostálgico, e alguns dos esquemas nefastos concebidos no próprio filme são hilários na medida certa … Ler mais

AIR, um filme sobre as origens do AJ

dezembro 25, 2023 Por maria

Assista ao filme AIR no YouCine! O YouCine tem uma enorme biblioteca de conteúdo que abrange uma grande variedade de gêneros, incluindo filmes, programas de TV, eventos esportivos, documentários, programas infantis e muito mais, permitindo que os usuários desfrutem de diferentes áreas de entretenimento a qualquer hora e em qualquer lugar. AIR é repleto da energia contagiante de seu personagem central, Sonny Vaccaro (Matt Damon), que está tentando fechar um negócio que mudará o mundo – ajudar a Nike a contratar o lendário jogador de basquete Michael Jordan. É claro que todos sabiam o final desde o início; o funcionário da Nike foi um sucesso, Michael Jordan fez jus à sua reputação de superstar e a linha de tênis Air Jordan tornou-se um dos tênis mais reconhecidos, mais vendidos e mais obsessivos de todos os tempos. AIR: Negócios que moldaram a história? Então, como contar uma história em que o público já sabe o resultado? É aí que entram os talentos sutis do diretor e astro Ben Affleck. Ele criou um sólido filme de orçamento médio para adultos que mostra exatamente o que roteiristas rigorosos, ótimos atores e trabalhadores experientes dos bastidores podem criar. AIR não é chamativo ou vistoso, não há altos e baixos na direção de seus personagens, muito menos reviravoltas inesperadas; ele conta uma história de forma honesta e autêntica, e há pouquíssimos filmes desse padrão atualmente. Se você gosta de filmes em que o processo supera o resultado e aprecia pessoas obcecadas em fazer o trabalho, ficará encantado com os muitos momentos nos escritórios lotados, nas salas de conferência deprimentes e nos laboratórios exclusivos do filme. Sonny Vaccaro, que é o chefe de marketing da Nike, está tentando colocar a empresa de pé no mundo do basquete. Na década de 1980, a Converse e a Adidas dominavam o esporte, e quase ninguém na NBA queria usar tênis Nike na quadra. Embora as contratações anteriores de Sonny não tivessem sido muito bem-sucedidas, isso não o impediu de querer mudar as coisas, e ele sempre quis encontrar aquele atleta para o qual valesse a pena dar tudo de si. Depois de assistir atentamente a imagens de jogos do novato Michael Jordan, do Chicago Bulls da NBA, na Universidade da Carolina do Norte, Sonny entendeu que Jordan era o futuro do basquete e o futuro da Nike. Embora o Sonny de hoje não pareça diferente de qualquer homem loiro comum de meia-idade, mas quando começou a agir com firmeza para atingir seus próprios objetivos, ele se tornou como o “Espião” do ano no todo-poderoso agente Jason Bourne, esse é o charme do ator, essa é a magia do filme. A fusão do basquete com a cultura da marca Ignorando o processo formal e viajando apenas para a Carolina do Norte, Sonny conhece a família de Jordan, como ele esperava, e Deloris Jordan (Viola Davis), uma mãe orgulhosa que impõe respeito, e Sonny se envolvem em um diálogo informal de intenções. Isso se deve ao fato de a própria Jordan já ter expressado publicamente sua afeição por Adidas. Deloris também não vê como assinar com a Nike seria vantajoso e, justamente quando a conversa poderia terminar sem deixar rastros, como que por providência divina, Sonny improvisa uma frase zen bastante profunda: “Um sapato é apenas um sapato, não significa nada até o dia em que alguém o usa”. A frase impressionou Deloris, que estava disposta a considerar seriamente a possibilidade de uma parceria, mas a Nike precisaria esperar na fila atrás da Adidas e da Converse pelo resultado das negociações de Jordan com elas. Essa citação é o que a AIR quer que você pense. Mas uma citação mais precisa e simples poderia ser: “Um tênis é apenas um tênis e não significa nada até que alguém o comercialize adequadamente”. AIR é mais um filme biográfico de um tênis icônico do que um filme biográfico comercial, e existe firmemente dentro dos anúncios estilizados do Air Jordan criados pela Nike ao longo dos anos e da reverência quase religiosa que bilhões de fãs de basquete em todo o mundo têm por Michael Jordan. Temas inspiradores e de busca de sonhos Phil é o tipo de empresário que assume muitos riscos, reclamando, por um lado, que é muito arriscado e que a diretoria não concorda com isso e, por outro lado, apoiando Sonny em particular para que ele possa ir em frente. Sonny e seus colegas trabalharam horas extras para reunir os pontos principais das conversas e concluíram o protótipo do importantíssimo tênis Air Jordan de 1ª geração, que todos sabiam que seria um sucesso no momento em que o vissem. Então, aquela fatídica reunião começou. Não vamos contar os detalhes da cena aqui, especialmente o monólogo de Sonny, que foi a melhor fala do ano, então deixaremos isso para vocês vivenciarem por si mesmos. Muitas vezes flertamos com discursos apaixonados em filmes que parecem resolver tudo, mas AIR se mostra essencial e perspicaz, é a personificação sincera de todas as paixões de Sonny e permite que todos na sala vejam o valor do que está por vir. AIR é uma história de coragem, sonhos e realizações que vale tudo, sobre como uma empresa potencialmente fracassada apostou alto e ganhou ainda mais; é também uma abordagem muito bem-acabada de um mito empresarial que reuniu duas entidades influentes e gerou uma subcultura, embora sua principal lição fosse apenas tênis após tênis após tênis. Mas “AIR” quer que você se lembre de que um tênis nunca é apenas um tênis, é também uma marca, uma personalidade, um símbolo, uma declaração e uma obra de arte. Se eu tivesse que dizer que há uma falha no AIR, seria o fato de os criadores enfatizarem demais a época. O ano é 1984, e é memorável não por causa de suas intermináveis montagens que marcam o tempo (Band-Aids, anúncios da Apple, Presidente Reagan, Princesa Diana) e música clássica, mas porque foi o ano em que a Nike contratou Michael Jordan. Além disso, em grande parte, o … Ler mais

Ford x Ferrari: efeitos sonoros, vida, voo!

dezembro 23, 2023 Por maria

Sinta a emoção da velocidade e da tensão de “Ford x Ferrari” para assistir no YouCine! O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e outros conteúdos de vídeo de vários gêneros. Ford x Ferrari: A velocidade e a tensão são garantidas Ford x Ferrari O cinema sempre foi um excelente exemplo das artes audiovisuais, e o som é um dos elementos essenciais da produção cinematográfica. Ele faz muito mais do que apenas adicionar cor a um filme; pode ter um efeito profundo nas emoções, experiências e empatia do espectador. No filme Ford x Ferrari, dirigido por James Mangold, o som do motor é um elemento sonoro único e atraente que traz uma sensação de realismo e profundidade de experiência emocional para o espectador. Nesta análise, vamos nos aprofundar nos detalhes, na função e no impacto do som do motor no filme e em como ele se tornou o auge do desempenho no filme. Os sons do motor no filme não foram simplesmente gravados e reproduzidos, mas foram delicadamente reproduzidos por meio de um cuidadoso trabalho de gravação e mixagem. Os designers de som se aprofundaram nos sons do motor dos diferentes modelos de corrida para capturar o tom, a qualidade sonora e o volume exclusivos de cada carro. Esse trabalho meticuloso fez com que os sons dos motores do filme fizessem parte dos personagens, com suas próprias personalidades e características. Os sons do motor desempenham o papel de transmissor de velocidade e tensão no filme Ford x Ferrari. O público é capaz de sentir a aceleração e a desaceleração do veículo por meio do som, com cada assobio do motor representando uma onda de velocidade. Essa sensação de velocidade contribui para a atmosfera tensa das cenas de corrida, fazendo com que o público sinta a intensidade da competição e a urgência do perigo. O uso de sons de motor nas cenas de corrida do filme é ainda mais envolvente. O som do motor no filme não é apenas um efeito sonoro, mas também uma apresentação da cultura da corrida. Por meio do som, o público pode sentir o fervor e a paixão do automobilismo, bem como a obsessão dos pilotos pela velocidade e pela vitória. O som do motor se torna um símbolo, representando o valor central do automobilismo. Isso não só permite que o público entenda melhor a cultura das corridas, mas também acrescenta profundidade emocional e conotação cultural ao filme. O som do motor no filme também reflete a conexão especial entre o piloto de corrida e o carro. Nos filmes, as emoções geralmente são expressas por meio do som. O público pode ouvir os batimentos cardíacos, a respiração e o zumbido dos personagens quando eles estão nervosos por meio dos sons do motor, o que aumenta a ressonância emocional entre o público e os personagens. Durante cenas intensas de corrida, esses sons emocionais proporcionam ao público uma conexão emocional mais profunda, permitindo que ele compreenda melhor a experiência interior do personagem. Experiências extremas e perigosas da vida real？ Em Ford x Ferrari, o realismo do som dos pneus de corrida raspando na pista é impressionante. Os designers de som do filme conseguiram capturar o som dos pneus raspando contra a pista por meio de um cuidadoso trabalho de gravação e mixagem. O público pode ouvir claramente o intenso atrito entre os pneus e a pista toda vez que o carro é dirigido em alta velocidade. O tratamento meticuloso desse efeito sonoro faz com que o público sinta o perigo e o extremo do automobilismo. Cada freada, derrapagem ou curva fechada é acompanhada pelo silvo agudo do atrito dos pneus, acrescentando uma sensação de realismo às cenas de corrida do filme. A essência de um filme de corrida é a velocidade e a tensão. O atrito dos pneus de corrida desempenha o papel de um aprimorador da velocidade e da tensão no filme. O público é capaz de sentir o estado extremo do veículo em alta velocidade por meio do som, e cada desvio e curva causa um enorme impacto no som. A presença desse som aumenta a tensão das cenas de corrida no filme Ford x Ferrari, fazendo com que o público sinta a intensidade da competição e a urgência do perigo. As cenas de corrida no filme enfatizam particularmente a presença de sons de desgaste dos pneus. O público quase pode sentir o atrito entre os pneus e a pista durante todo o filme, o que acrescenta drama e profundidade emocional às cenas de perseguição em alta velocidade do filme. Cada vez que os pneus fazem um som agudo, é como se fosse o batimento cardíaco do enredo do filme, lembrando o público da intensidade da competição. Experiência emocional coletiva em estádios de corrida O som do público desempenha um papel importante no cinema, não apenas acrescentando um senso de realismo, mas também proporcionando camadas adicionais de riqueza à experiência emocional. No filme Ford x Ferrari, dirigido por James Mangold, a apresentação do som do público não só acrescenta uma sensação de presença ao local da corrida do filme, mas também aprofunda a conexão emocional entre o público e o filme. A reprodução da voz do público também traz a atmosfera da arena de corrida. As arenas de jogos geralmente são barulhentas e cheias de aplausos e cantos do público. Ao reproduzir as vozes do público, isso acrescenta realismo à arena do jogo no filme e faz com que o público sinta a atmosfera tensa e a intensidade do jogo. A criação dessa atmosfera torna as cenas da corrida no filme mais fascinantes, e o público se sente como se estivesse na cena da corrida, vivenciando a competição acirrada da corrida com os personagens. A presença da voz do público no filme não serve apenas para aumentar o senso de realidade, ela também é usada para orientação emocional. O público consegue sentir as emoções e o humor do público na arena da corrida por meio da voz do … Ler mais

Aquaman e o Reino Perdido filme no estilo chowder

dezembro 21, 2023 Por maria

A história de Aquaman e o Reino Perdido está completa. Black Manta, o arqui-inimigo do Rei Arthur do Mar, acidentalmente encontra o Tridente Negro e ganha o poder do Kodachrome. Quando o Rei Netuno vê a letalidade devastadora da Black Manta enegrecida, ele decide procurar a ajuda de seu irmão Orm. Orm, fiel à sua forma, levou Arthur a encontrar o esconderijo da Manta Negra. Os dois simplesmente bateram na porta com uma carga leve e enfrentaram as fileiras de arraias da Manta Negra com uma saída. No final, é claro, cabe aos guerreiros dos sete reinos no fundo do mar vir em seu socorro. No meio de tudo isso, há também o drama adicional do filho do Rei do Mar, Arthur Jr., que está sendo roubado, também porque somente o sangue real pode abrir a antiga maldição. O resultado, é claro, é que o Rei dos Mares obtém a vitória final e recupera sua mãe, esposa e filho, além de seu irmão, que já se submeteu a ele. Assista a Aquaman e o Reino Perdido no YouCine! O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. Como é o enredo de Aquaman e o Reino Perdido? Aquaman e o Reino Perdido parece tropeçar e cair, leste e oeste, em termos de enredo. A história se concentra na dupla identidade do Rei Netuno como pai e rei, tentando se aprofundar em seu complexo relacionamento entre os dois. No entanto, o filme não consegue equilibrar com sucesso o conflito entre essas duas identidades, o que faz com que todo o enredo pareça oscilar sem uma direção clara. Não tenha medo de que o grupo principal seja prejudicado de alguma forma! O filme inteiro é simplesmente incrível e sem cérebro! Isso também faz com que o vilão seja a maior falha do filme. O vilão, Black Manta, não tem nenhum carisma e é apenas um vilão puro! Ele quer destruir o universo inteiro por seus próprios desejos egoístas! Não há nenhuma parte humana nele! Mas, de forma bizarra, ele atura o Dr. Shen, de Randal Park, várias vezes. Quando o Dr. Shen inadvertidamente espiona seu segredo, ele simplesmente fecha a porta de seu quarto com frieza! O Dr. Shen descobre o segredo do Tridente Negro e ele o coloca contra a parede, falando algo sobre como eu devo ver sangue quando embainho minha lâmina, mas no final é apenas um pouco de sangue da ponta da lâmina! O Dr. Shen sabe tantos segredos, mas quer sair da base, ele apenas ameaça o Dr. Shen dizendo que lá fora é mais perigoso! O Dr. Shen esconde o pequeno Arthur, que consegue controlar sua raiva e não acabar com a vida do Dr. Shen imediatamente! Embora o filme Aquaman e o Reino Perdido tente apresentar o conflito entre linhagem e raça, ele não consegue integrar organicamente esse tema à crise central que o filme se propõe a abordar inicialmente. Essa narrativa fragmentada torna difícil para o público entender a lógica interna da história, e o enredo parece solto e sem camadas. O conflito entre linhagem e raça, embora seja um tema potencialmente rico, não é totalmente explorado no filme, fazendo com que o público se sinta perdido no foco geral da história. Black Manta: o embaraço da persona do vilão A persona de Black Manta no filme Aquaman e o Reino Perdido tornou-se um ponto de grande debate. Embora seja retratado como um vilão poderoso, na verdade ele se mostra excessivamente instrumental. O vilão tem grandes ambições de destruir o mundo, o que se tornou um problema comum em filmes de super-heróis, deixando o personagem em uma rotina estereotipada que carece de profundidade e ressonância emocional. O tratamento ambíguo do relacionamento fraternal Outra linha principal do filme Aquaman e o Reino Perdido é a relação entre o Rei do Mar e seu irmão. Embora o público espere um desentendimento entre os irmãos com relação à posição deles em relação à terra e ao mar, o filme imita o estilo de escrita de irmão “baseado em martelo” de outros filmes de super-heróis, o que é confuso. A história é excessivamente clichê e a reconciliação final parece uma extensão desnecessária da trama. Complexidade e falta de linha de história A maneira como o filme Aquaman e o Reino Perdido lida com a história principal parece complexa e confusa. Em comparação com o primeiro filme, o segundo acrescenta muito, mas não consegue dar continuidade ao enredo do primeiro filme. A falta de um enredo intuitivo dificulta a empatia do espectador com o filme, e a aparência geral do filme se assemelha a uma redação com contagem de palavras, com conteúdo independente que não se encaixa no tema. Confusão na caracterização Para retratar os personagens principais como absolutamente positivos, o tratamento dado pelo filme à Black Manta e ao Sea King parece contraditório e confuso. Não importa o quanto a Manta Negra seja má, o Rei do Mar sempre mantém sua compaixão e intenção de salvá-la, o que faz com que o comportamento dos personagens não seja racional. Esse tratamento pode ter a intenção de criar uma imagem nobre do protagonista, mas faz com que a lógica do enredo pareça exagerada. O declínio do filme super britânico O declínio do filme de super-heróis como gênero é evidente há muito tempo, com o trabalho de gigantes como DC e Marvel sendo questionado pelo público. Aquaman e o Reino Perdido, um IP autônomo, não ficou imune a essa tendência. As expectativas do público em relação aos filmes de super-heróis parecem estar diminuindo, e

Filme de suspense: Don’t Get Out é mediano, mas vale a pena assistir

dezembro 20, 2023 Por maria

“Don’t Get Out” é um filme alemão importado Portanto, mesmo que a data de lançamento do filme tenha um ano e meio de diferença em relação à data de lançamento na Alemanha, a grande maioria dos espectadores provavelmente não sabia muito sobre o filme antes de entrar no cinema, e provavelmente não sabia muito sobre o diretor do filme e os atores principais. cego”. Para um filme que foca no suspense, isso pode ser uma coisa boa: pode pelo menos acrescentar algum mistério. Onde posso assistir filmes de suspense? Baixe o Youcine apk e assista a filmes de suspense de vários países. O sistema vem com 3 idiomas diferentes, que você pode alternar livremente. Desfrute de um filme de qualidade com sua família. “Get Out” é um remake do filme O remake é o filme de suspense espanhol “Blow Up the Bank Manager”. Falando nisso, o cinema espanhol alcançou grandes conquistas no campo do suspense nos últimos anos, introduzindo sucessivamente filmes nacionais como “O Hóspede Invisível”, “A Miragem” e “O Fim do Túnel”, todos eles receberam boas críticas do público. O filme “Blow Up the Bank Manager” que não foi apresentado era um filme “antigo” de 2015. Perdeu a onda de bônus de introdução a partir de 2017, que barateou o remake de “Don’t Get Out”. Objetivamente falando, em comparação com os filmes “O Convidado Invisível”, o roteiro de “Blow Up the Bank Manager”/”Escape” é realmente inferior. No entanto, um camelo magro é maior que um cavalo, e “Quick Escape” fez seu trabalho de contar a história de forma completa e clara. As voltas e reviravoltas que deveriam ser esperadas e a bagagem que deveria ser abalada não foram retiradas. É digno dos espectadores que assistiram “Blow Up the Bank Manager” “reverenciar” e “encontrar as diferenças”. É também digno do suspense que não foi visto em nenhuma das versões. Os amantes do cinema vão experimentar a atmosfera emocionante. Embora seja um remake, “Escape” basicamente não fez grandes mudanças no filme original. O ritmo narrativo e os nós da trama são exatamente os mesmos, e a linguagem da lente está ainda mais próxima de uma réplica. O ajuste mais importante do filme é mudar a ocupação do protagonista masculino em “Blow Up the Bank Manager” de gerente de banco para empresário da construção. Quando “Blow Up the Bank Manager” foi filmado e lançado Passaram sete anos desde a eclosão da crise financeira global em 2008, mas a economia espanhola ainda não recuperou totalmente. A alcunha “PIGS” (Portugal, Itália, Grécia, Espanha) ainda aparece nos jornais de vez em quando. O filme se passa como um gerente de banco que se depara com uma ameaça de bomba, o que é um tanto irônico e vingativo. Quanto ao sistema financeiro da Alemanha, não foi seriamente afectado pela crise financeira global. Seria um pouco cruel criticar os gestores dos bancos e não suscitaria a ressonância emocional do público nacional. “Get Out” “trata” o protagonista masculino com gentileza, minimizando a vergonhosa história negativa na carreira do personagem, e também torna a atmosfera familiar do protagonista masculino mais harmoniosa do que em “Blow Up the Bank Manager” – pelo menos na superfície. Comparando os inícios de “Corra” e “Explodir o Gerente do Banco”, é possível perceber com mais clareza a intenção de reescrita do roteirista (ambos os filmes foram escritos pelo italiano Alberto Marini). “Blow Up the Bank Manager” começa com o gerente do banco Carlos tomando um café da manhã casual e rotineiro na sala como início da narrativa. Alguns minutos de filmagem e diálogo Complete a explicação das relações familiares dos personagens e também dê uma dica aos leitores de que essa família aparentemente harmoniosa de quatro pessoas, na verdade, não é tão próxima quanto parece. Portanto, quando o protagonista se depara com uma crise de bomba e descobre que também está enfrentando uma crise familiar, o público como espectador não só não ficará surpreso, mas até sentirá uma sensação de tristeza pelo protagonista. “Escape” adicionou uma cena de cabana que parece não ter nada a ver com a trama principal como cena de abertura do filme. O protagonista Carl está ansioso para voltar para casa para comemorar seu aniversário de casamento com sua esposa, mas fica completamente indiferente aos avanços de uma estranha passageira que encontra. O filme faz do protagonista um “mocinho” no sentido da percepção do público: ele negligencia a família porque está ocupado com sua carreira e desconhece a potencial crise em sua família. Essas pessoas de meia-idade estão em toda parte na vida Portanto, a crise da bomba e a crise familiar que ele encontrou foram um desastre completamente inocente, em vez de uma “retribuição” tardia causada pelo seu “pecado original” no trabalho. “Quick Escape” utiliza tal tratamento para evitar a confusão do público sobre a identidade moral do protagonista, mas o custo é enfraquecer o drama e a complexidade da trama, que pode ser considerada como tendo ganhos e perdas.