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Vidas passadas: o destino do amor através do tempo e do espaço

janeiro 30, 2024 Por maria

Fui cativado pelo talento de Celine Sung na direção do filme romântico Vidas passadas. Estrelado por Greta Lee e Tae Yoo, esse filme é uma história de amor comovente sobre um destino que atravessa anos de tempo e espaço e acaba se encontrando novamente. Assista a Vidas passadas no YouCine! O YouCine é o seu passaporte para o mundo do cinema, com uma gama diversificada de conteúdo para atender a todos os gostos e interesses. Uma história comovente de destino através do tempo e do espaço O filme Vidas passadas é baseado no tema “Karma”, destacando o fato de que neste vasto mundo, não importa se você passa ou se conhece, há um vínculo profundo que existe como se eles estivessem destinados a ficar juntos em uma vida anterior. Os protagonistas do filme, Nora e Hae-sung, se apaixonaram na infância, mas seu relacionamento chegou a um fim abrupto quando Nora emigrou com sua família. O enredo é repleto de infantilidade e romance, pois a heroína de 12 anos, Na-young, revela suas intenções ao herói, Hae-sung, antes de emigrar para o Canadá. O reencontro da heroína de vinte e poucos anos depois que ela acidentalmente descobre a mensagem do herói na página promocional do filme na Internet é mais como um destino e um milagre. Todos esses episódios demonstram o profundo vínculo e o destino entre os dois, o que é comovente. Além do enredo, também ficamos impressionados com a caracterização e as atuações dos atores no filme. As habilidades de atuação de Greta Lee e Tae Yoo atingiram profundamente o coração do público, pois eles retrataram com sucesso os personagens de Nora e Hae Sung, permitindo que sentíssemos suas emoções e corações. No filme, vemos o crescimento e a transformação dos dois personagens principais, bem como sua perseverança e persistência. Quer se trate de doces lembranças ou das tristezas da vida, os dois atores expressam suas emoções ao máximo. Em particular, alguns episódios do filme nos fazem sentir a doçura do amor e o azedume da vida, especialmente quando Nora e Hai Sheng se reencontram on-line, e eles deixam de ser cruéis no início para conversar sobre tudo mais tarde. Vidas passadas: Belas locações e imagens O filme Vidas passadas é notável por suas belas locações e imagens, da Coreia ao Canadá e a Nova York, cada uma delas com um sabor e uma beleza regionais diferentes. Essas belas cenas não apenas nos permitem apreciar as características de diferentes países, mas também permitem que o público mergulhe nas mudanças emocionais e na jornada dos personagens do filme. Os gráficos do filme Vidas passadas são uma obra de arte e cada tomada é cheia de arte. O uso inteligente da luz, da cor e da composição pelo diretor faz com que cada cena seja lindamente filmada, permitindo que o público desfrute de um banquete visual enquanto assiste ao filme. A trilha sonora acrescenta profundidade emocional Vidas passadas não é apenas um deleite visual, a trilha sonora do filme também é muito comovente. A trilha sonora incorpora uma variedade de elementos musicais, que não apenas expressam as emoções dos personagens do filme, mas também nos permitem sentir a profunda ressonância interior que a trilha sonora traz. Essas trilhas sonoras não apenas tornam o filme mais tocante, mas também nos dão uma apreciação mais profunda da vida. No final do filme, vemos uma cena em que Nora e Hae Sung se encontram em Nova York. Seus caminhos de vida se desviaram, mas o poder do amor os une novamente. Eles passeiam pelas ruas de Nova York, pegam a balsa e o metrô juntos e vão a parques de diversões juntos. Do dia ao pôr do sol, da ponte do Brooklyn à Estátua da Liberdade e ao bar antes de finalmente se separarem, essas cenas nos dão um gostinho da beleza do amor e da doçura da vida. No geral, Vidas passadas é um excelente filme romântico que nos faz sentir o poder do amor e o azedume da vida. Esse filme mostra a magia do destino e o vínculo entre as pessoas, e nos faz pensar mais profundamente sobre a vida. Ao mesmo tempo, esse filme nos faz sentir a beleza da vida e a beleza do amor. Vidas passadas nos faz entender que, não importa como a vida mude, a beleza do amor sempre estará lá.

Com The Holdovers, a medalha de ouro de Nolan está em jogo

janeiro 28, 2024 Por maria

The Holdovers, o mais recente e caloroso filme do diretor e roteirista Alexander Payne, sete vezes indicado e duas vezes vencedor do Oscar, arrasou na temporada de premiações com uma alta classificação de 98% na mídia, com elogios especiais da imprensa para as atuações, o roteiro e a trilha sonora. Nos postos avançados do Oscar, o Screen Actors Guild Awards e o Directors Guild Awards acabaram de divulgar suas listas de indicações, e esse filme e Oppenheimer estão na lista de pré-selecionados para o Oscar de Melhor Filme e Melhor Ator, o que os torna os mais fortes rivais de Nolan para levar o pequeno ouro para casa. Assista aos filmes indicados ao Oscar de 2024 no YouCine! O YouCine reúne uma grande variedade de filmes, incluindo clássicos, sucessos de bilheteria recém-lançados, documentários, filmes independentes, filmes em língua estrangeira e muito mais. The Holdovers: Uma aventura calorosa de férias Alexander Payne ganhou dois Oscars de Melhor Roteiro por Sideways (2004) e Os Descendentes (2011), e sempre se especializou e adorou filmar personagens solitários e oprimidos, mostrando o lado caloroso, otimista e gentil da natureza humana por meio das interações entre algumas pessoas comuns na vida. The Holdovers” não é exceção: os três “solteiros” que estão presos na escola se conhecem e se apoiam mutuamente durante as férias, quebrando barreiras raciais e de classe, confortando e aquecendo uns aos outros e, por fim, abrindo seus corações para se tornarem versões melhores de si mesmos. The Holdovers, que se passa na década de 1970, tem um forte senso de época em suas imagens, cenários e trilha sonora, e suas falas bem-humoradas satirizam de forma pungente uma série de fenômenos sociais. Os críticos concordam unanimemente que The Holdovers é o melhor trabalho de Payne e que se espera que ele concorra novamente às categorias de Melhor Roteiro e Melhor Diretor. A história se passa em uma escola residencial nos anos 70 nos Estados Unidos. O professor, Paul (Paul Giamatti), é um solitário sarcástico e de personalidade simples que geralmente não é muito popular. Durante as férias de Natal, Paul não tem família nem para onde ir, então fica na escola para supervisionar os alunos que não podem voltar para casa. Um garoto de 15 anos chamado Angus é deixado sozinho na escola porque sua mãe foi viajar com seu padrasto. Angus vem de um ambiente rico e rebelde, e seu professor, Paul, acha que ele é um garoto rico e tem um forte preconceito contra ele. Também ficou para trás com Paul e Angus Mary, a cozinheira-chefe da faculdade, uma afro-americana cujo filho foi morto na Guerra do Vietnã, deixando-a sozinha e solitária no Natal. Essas três pessoas de personalidades e classes diferentes, que originalmente não gostavam umas das outras, são forçadas a formar uma estranha família improvisada nessa época de festas para dizerem umas às outras como se sentem. Inesperadamente, durante essa quinzena de neve, eles se abrem uns com os outros e compartilham suas mágoas e segredos, mas, em vez disso, criam confiança e formam um profundo vínculo familiar. Uma conexão sincera entre classe e raça The Holdovers apresenta três pessoas solitárias que são forçadas a ficar na escola durante as férias, mas, em vez disso, abrem seus corações uns para os outros. Três pessoas de identidades e status diferentes têm pontos de virada muito diferentes em suas vidas, mas o que acontece é que elas afetam umas às outras de forma calorosa e genuína. The Holdovers trata dessas maravilhosas reviravoltas em nossas vidas, de como até mesmo passar um tempo com alguém menos próximo pode nos levar a uma nova direção que nunca consideramos antes, e de como essa nova perspectiva e o desejo de mudar não deixam muito tempo para se ajustar, mas acontecem rapidamente e deixam você com grandes pontos de interrogação sobre o futuro, seja observando outra pessoa respondê-las, seja Ou endurecer seu coração e respondê-las você mesmo. A esperança e a celebração da vida No que diz respeito ao significado da vida, sempre haverá alguns clichês inegáveis na história, mas o diretor Payne e sua equipe encontraram uma maneira de dar vida a essa lição de vida, recusando-se a construir o drama do filme com base em reviravoltas previsíveis e, em vez disso, submergindo sutilmente essa aleatoriedade em pistas sobre os personagens. Por exemplo, por que o Hannum mais velho continua solteiro, por que o inteligente Angus muda de escola com tanta frequência e por que a calorosa Mary se fecha em si mesma. Acima de tudo, The Holdovers é um filme caloroso sobre pessoas que estão ao nosso redor, mas que são menos familiares, e sua maior conquista não é a facilidade com que se vê um reflexo de seu próprio passado em Hannum, Mary ou Angus, mas sim o fato de que ele nos dá esperança de que podemos viver com orgulho, apesar da dureza do mundo em relação a nós.

Anatomia de uma queda: uma análise profunda da natureza humana

janeiro 27, 2024 Por maria

Assista ao filme Anatomia de uma queda no YouCine. O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e vários outros tipos de conteúdo de vídeo. Anatomia de uma queda: o colapso da estrutura de poder familiar O título do filme, Anatomia de uma queda, não se refere apenas à queda do herói do filme, Samuel, no sentido físico, mas também contém a queda de um desequilíbrio masculino na relação de poder familiar, uma queda que expõe o absurdo do julgamento das mulheres. A heroína de Anatomia de uma queda, Sandra, e seu marido, Samuel, são ambos escritores, e seu marido, Samuel, sofre com a perda de sua carreira e a perda de sua masculinidade na família em comparação com sua esposa, Sandra, que é bem-sucedida em seu próprio trabalho. Essa “força feminina e fraqueza masculina” no nível da carreira pode se transformar em um desequilíbrio no relacionamento entre os dois gêneros, pois parece que o homem mais fraco é afetado pelo senso de honra e humilhação trazido pela mulher mais forte, o que pode levar a um enfraquecimento do relacionamento emocional. De fato, no filme, os leitores de Sandra vão até a casa dela para entrevistá-la. A cena parece ser simples, as duas conversam, e Sandra mostra uma imagem feminina bem-humorada e confiante, o que atrai o entrevistador. Os contrastes são revelados: a luta interna dos personagens masculinos Anatomia de uma queda pode ser encerrada no meio do processo de entrevista quando o marido sobe as escadas com uma música estridente, declarando sua presença com tanta força que a entrevista tem de ser encerrada. É interessante notar que a música tocada por Samuel é uma canção de hip-hop com tons misóginos, e as intenções do marido são evidentes. Ele não se sente à vontade com o sucesso da carreira de sua esposa. Como homens, criados para fazer carreira, somos condicionados a ver e aceitar que o homem ainda precisa ser mais forte do que a mulher quando se trata da estrutura de poder da família, um requisito que muitas vezes não é verdadeiro quando se trata do tropo; em vez disso, a força assertiva da mulher tende a desencadear mais desalinhamento e desequilíbrio de poder na família. Esse conjunto de teorias estereotipadas sobre homens e mulheres é o principal responsável por uma série de problemas familiares e julgamentos sociais. O avanço da sociedade cibernética, entretanto, é frequentemente usado em um relacionamento íntimo para identificar a escória da terra e criar um amante ciberterrorista. Quando um relacionamento está desequilibrado, sempre procuramos subconscientemente o “vilão” do relacionamento e, a partir daí, chegamos a uma conclusão convincente, mas será que existe realmente um conjunto de teorias para esclarecer os mocinhos e os bandidos em um relacionamento íntimo? A morte acidental de Samuel desencadeia um julgamento de sua esposa. Ao alterar o equilíbrio de poder entre homens e mulheres, o filme estabelece a perspectiva da força das mulheres e da fraqueza dos homens e, por meio do julgamento de uma escritora confiante, forte e espiritualmente independente, mostra de forma nua e crua o tipo de julgamento que essa mulher encontrará ao enfrentar a morte acidental do marido. Na cena do tribunal, assistimos a um julgamento extremamente complexo e multifacetado. Sandra vai a julgamento como suspeita, mas também como esposa e mãe. O advogado do autor é muito agressivo, criticando e expondo constantemente a moralidade de Sandra, seus romances publicados e até mesmo sua vida privada, a fim de defender seu próprio conjunto de “narrativas”. A articulação e a eloquência de Sandra no tribunal são, por sua vez, a fraqueza dos advogados da autora, que a acusam de bissexualidade e tentam condená-la por um crime por meio de sua vida privada. E um ponto interessante é que, quando Sandra está pronta para tentar articular uma defesa mais profunda, ela só consegue mudar de seu francês não fluente para o inglês, o que faz com que as principais testemunhas e advogados na cena pareçam perplexos, e isso é apresentado de tal forma que o diretor expressa a falha de comunicação entre as pessoas de maneira sutil! Desafios e reflexões sobre personagens femininas No filme Anatomia de uma queda, as qualidades de Sandra não são as de uma mulher agradável, cuja calma se torna uma fraqueza e que é criticada por ter sangue frio, por não se importar com a família e por não assumir os deveres de uma mulher. Assim, a “virtude pessoal” se torna a chave para julgá-la! Hoje em dia, nos filmes e dramas de TV chineses, podemos ver que algumas mulheres são capazes de mostrar seu poder no local de trabalho, mas também de enfrentar o amor de suas vidas, elas são leves em todos os tipos de cenários, parece que, seja no trabalho ou na vida, eles podem ser resolvidos de forma inteligente e facilitar as coisas. Existe uma exigência irracional em relação às mulheres? Talvez poucas pessoas queiram ver uma mulher ter sucesso e, se quiserem, o ponto de ataque que a julga é a moralidade privada. É nesse ponto que o diretor nos permite ver um julgamento negativo sobre as mulheres bem-sucedidas. Embora o marido, Samuel, morra logo no início do filme, descobrimos que ele realmente assombra esse julgamento como uma nuvem de fantasmas durante todo o filme. Ele é assombrado pela culpa de sua carreira malsucedida e pela cegueira acidental de seu filho, e ainda mais pelo choque do sucesso de sua esposa. No filme, o diretor mostra a raiva de Samuel com uma boa cena de luta. Ele insiste em voltar para sua cidade natal e reformar a casa em condições financeiras ruins, pelas quais ele é pessoalmente responsável. Ele confunde sua frustração com os problemas da esposa e tenta fazer com que ela “admita” que a culpa é dela, mas as refutações articuladas de Sandra mostram a vulnerabilidade de Samuel mais uma vez como uma forma de evitar as questões reais que precisam ser abordadas. A cena da luta, que … Ler mais

The First Slam Dunk: uma colcha de retalhos de fervor juvenil

janeiro 25, 2024 Por maria

O YouCine, seu passaporte para explorar o mundo do cinema, tem uma gama diversificada de conteúdo de filmes e TV para atender a todos os gostos e interesses. O que The First Slam Dunk significa para o público mais velho 20 anos de preparação para brilhar nas telas de cinema. O primeiro filme de Slam Dunk evoca as lembranças juvenis há muito perdidas da antiga geração de espectadores, que costumava assistir à animação na hora certa com seus amigos e gibis na mão. Depois de tantos anos, o público finalmente esperou pela clássica batalha “Shonboku vs. King of the Hill” no torneio nacional e teve a chance de se sentar em frente à tela para relembrar as antigas memórias. Embora o filme seja sobre a incrível batalha de “Shonboku vs. King of the Hill”, que foi escrita e conhecida pelo público no mangá “The First Slam Dunk”, o autor original do mangá, Inoue Yuuhiko, que é o roteirista e diretor, faz o possível para evitar a expressão de nostalgia e até mesmo abandona a expressão de nostalgia. No entanto, como escritor e diretor original do mangá, Inoue Yuuhiko tentou evitar a expressão de “nostalgia” e até descartou os meios comerciais de “música, ouro” e não deixou que a música clássica da animação Dunker, “Until the End of the World” e “As if Saying I Love You Out Loud”, aparecesse no filme. Diferenças narrativas entre o filme e o mangá Talvez incomodado por deixar seu trabalho para ser adaptado por outros, Yuuhiko Inoue optou por produzi-lo ele mesmo. O filme The First Slam Dunk não pode ser entendido apenas do ponto de vista de uma adaptação cinematográfica geral de mangá para mangá. Há uma diferença considerável entre a linguagem e a gramática do filme e do mangá, e apenas do ponto de vista dos leitores, a velocidade de leitura do mangá depende dos hábitos pessoais do leitor, enquanto o filme tem um limite de tempo fixo. Em termos de espaço narrativo, o filme é a arte do espaço e do tempo, contando com a programação de cenas e a linguagem audiovisual do diretor, enquanto a expressão do mangá é apenas uma composição plana. Além disso, em comparação com a animação para TV, os filmes precisam condensar a história em 2 a 3 horas, e a escolha das tomadas precisa ser mais rigorosa. Em vez de “nostalgia”, Yuuhiko Inoue optou por explorar novas expressões novamente. Em vez de limitar a narrativa a um único jogo, ele se concentra intencionalmente em Miyagi Ryota, um dos menos populares dos Shonboku Tigers, e usa muita tinta para contar sua história de crescimento pessoal, que é a maior diferença em relação ao filme original. Em comparação com Sakuragi Hanamichi, Rukawa Maple, Akagi Goken e Mitsui Shou, a velocidade e as habilidades de drible de Miyagi Ryota, embora ele seja conhecido como o “para-raios”, receberam pouca atenção no mangá, no anime e na série de TV. Na verdade, Miyagi Ryota é o pivô da equipe como armador, responsável por organizar o ataque. Com seus passes sutis de drible, os quatro restantes conseguem utilizar melhor suas habilidades na quadra. Ao assistir ao torneio, a atenção do público geralmente é atraída pelos jogadores que marcam gols, e são os maravilhosos momentos de pontuação que deixam uma profunda impressão em suas mentes. No entanto, também são as assistências nos momentos que antecedem o gol que são cruciais e não devem ser ignoradas. Assim como Miyagi Ryota repetidamente driblou e passou a bola com movimentos técnicos sutis na quadra, rompendo repetidamente os buracos na defesa do Mountain Kings e criando oportunidades de chute para seus companheiros de equipe. Elementos realistas Comparado a outros animes de esportes, a razão pela qual “The First Slam Dunk” consegue impressionar um grande número de espectadores com seu fervor é que ele está enraizado em uma história muito tensa e realista. Cada um dos “Shonboku Tigers” teve uma experiência formativa, como o retorno do filho pródigo de Shigeru Mitsui, que deixou para trás a frase mais icônica “Coach, I want to play basketball”. No entanto, na série de TV animada, a história de Miyagi Ryota geralmente fica oculta sob a competição acirrada e é menos distinta do que a de outros jogadores populares. Por esse motivo, Yuuhiko Inoue tentou usar o filme para “destacar” Miyagi Ryota novamente, e intencionalmente usou o sofrimento para criar tensão ao contar sua história – ele não era um jogador “genial” como Hanamichi Sakuragi ou Kaede Rukawa. Ele não é um “gênio” como Sakuragi Hanamichi ou Rukawa Fontaine, mas suas próprias crenças e tenacidade o apoiaram desde o torneio da província até o torneio nacional. A morte de seu irmão mais velho, Souta, foi um duro golpe para a família Miyagi, pois, na opinião de sua mãe, Miyagi Ryota nunca poderia substituir Souta, que era extremamente talentoso no basquete, e, por isso, deixou de cuidar dele. Quando jovem, ele se acostuma a ficar sozinho, e o basquete se torna seu apoio espiritual. Ele coloca a pulseira de Souta no braço para continuar seu sonho de jogar basquete no lugar do irmão mais velho e alcança a reconciliação interior no jogo. Sua experiência está mais próxima da de um lutador comum que carrega seus ideais e crenças, e pode repercutir mais amplamente entre o público. A filosofia criativa de Yuuhiko Inoue Como Yuuhiko Inoue respondeu na entrevista, “Como todo mundo, experimentei muita dor e coisas que não deram certo. Quero retratar isso de uma perspectiva existencial, como suportar a dor ou superá-la. Não é esse o caso de todo mundo? Nem todo mundo tem possibilidades infinitas. Todo mundo convive com a dor. Se é o seu eu atual, você deve ser capaz de desenhá-lo a partir dessa perspectiva. Eu queria me concentrar nesses lugares. Como eu mesmo estava envolvido na produção, queria começar com essa perspectiva.” Esse The First Slam Dunk é exatamente como o lançamento do ano passado de Shin-Evangelion Theatre Edition: The End, em que Yuuhiko Inoue e Hideaki … Ler mais

Por que tantas pessoas reclamam do Capitão Marvel 2 depois de assisti-lo?

janeiro 23, 2024 Por maria

Recentemente, também foram lançados recursos online para “Capitão Marvel 2“, afinal, os filmes da Marvel ainda têm um passado muito glorioso, então baixei e assisti quando estava livre. Baixe Youcine e você terá mais recursos e surpresas de filmes! Vamos falar sobre a conclusão primeiro Este é um filme absolutamente lindo usado pela China para glorificar a agressão. Agora deixe-me falar sobre as caras feias mostradas no filme. Não é nenhum segredo que o Universo Marvel e seus personagens heróicos são quase sem exceção apoiados pelos Estados Unidos, seu governo e seus militares. Assim como a casa do vilão do filme é extremamente bonita, mas quando o Capitão Marvel chegou, sob a bandeira da libertação e do resgate, ele na verdade destruiu a casa. Pense em filmes, pense na realidade. Não se pode dizer que sejam exatamente iguais, simplesmente não há diferença. Era uma vez um ditado: Seja lá o que for que os Estados Unidos acusem os outros, eles fizeram ou estão fazendo. Existem muitos exemplos: no Vietname, no Afeganistão, sabão em pó, porta prisma, algodão Xinjiang, rastreabilidade COVID-19, etc. Você não pode dizer que é desprezível, é simplesmente desprezível. Capitão Marvel em inglês é Marvel, o que significa que é o núcleo de toda a empresa Marvel. Significa poder, enfatizando a hegemonia. De volta ao filme O protagonista comete um erro e não consegue resolver o problema, então procura aliados para sugar sangue. Valquíria é apenas uma lata de lixo? Ah, esqueci, é assim que os Estados Unidos tratam seus próprios aliados na realidade. Do antigo Acordo de Plaza aos actuais refugiados europeus, aos submarinos nucleares turco-australianos, ao conflito russo-ucraniano, e depois ao gasoduto Nord Stream, um após o outro, consigo realmente lembrar-me deles claramente. Eu realmente sinto pena do vilão por um minuto. O que há de errado com esse vilão? Eles só querem recuperar o sol, o ar e a água que você roubou. Pensando na razão pela qual existem tantas guerras e terroristas no mundo hoje, acredito que o belo país do outro lado do oceano tem uma grande responsabilidade. Olhem para eles, e depois olhem para os grandes países orientais, eles também enfrentam muitos problemas de desenvolvimento, mas não os escondem, enfrentam-nos de frente e resolvem conflitos, em vez de os explodir, e muito menos de os ignorar. Capitão Marvel Quanto à estranha cena de dança no meio do filme, foi muito desconfortável de assistir. Este é um estereótipo completo do Terceiro Mundo. Isso se reflete em “Pantera Negra” e “Merda, Shang-Chi”. Isso realmente me fez sentir como se estivesse sobre alfinetes e agulhas, como espinhos nas costas e como um nó na garganta. Perto do final, o Capitão Marvel só se lembrou do resgate após ser solicitado por seus amigos. Existe apenas matança e destruição em sua mente? Ah, esqueci, não deveria ter empatia por um chacal, tigre ou leopardo. Ah, esqueci, o genocídio é aprendido pela boca desses fãs voando por todo o céu em nome da liberdade/democracia. Falando nisso, de repente senti que o vilão da peça tinha um nome na verdade, chamado índio. E as duas últimas fotos Isso me deu vontade de vomitar. Você destruiu o sol de outras pessoas, não é certo reacende-lo? Faça parecer que você é tão bom. Falando nisso, de repente me lembrei de uma canção: Nunca houve salvador, nem deuses, imperadores, nem deuses. A história é escrita pelo povo, e toda escravidão e opressão só podem ser derrubadas impiedosamente. Capitã Marvel 2 será lançado em 16 de janeiro em plataformas de streaming digital, incluindo Amazon Prime Video, Apple TV, Vudu e Google Play Movies and TV. Ao mesmo tempo, o filme estará disponível em Blu-ray e DVD 4K Ultra HD no dia 13 de fevereiro, podendo ser lançado no Disney+ em fevereiro de 2024. No entanto, o filme falhou tanto na crítica quanto nas bilheterias. Dados oficiais mostram que seu orçamento de produção foi de US$ 274,8 milhões (aproximadamente 1,973 bilhão de yuans), e se tornou um dos filmes de menor bilheteria do MCU após seu lançamento. Embora a Disney tenha dito que arrecadou apenas US$ 80 milhões na América do Norte e US$ 197 milhões em todo o mundo depois de quatro semanas nos cinemas, desde então não atualizou os números.

Parasite – distopia, montagem

janeiro 22, 2024 Por maria

Assista Parasite no YouCine! O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, programas de TV, documentários, programas infantis e muitos outros tipos de conteúdo de vídeo. Subscrição por baixo da narrativa distópica O filme Parasite, indicado em Cannes, foi selecionado para concorrer a Melhor Filme no Oscar. Na verdade, assistir a esse filme neste exato momento me deu muita coragem. O motivo pelo qual quero escrever esta crítica é provavelmente porque não há muitos filmes que possam expor a realidade sem falhas. Ele realmente atinge o tema mais profundo na base da sociedade. O desejo de muitos por liberdade, trabalho árduo e uma vida positiva também expõe a insuportável falta de vontade de muitos outros de trabalhar arduamente, mas resignados ao status quo. O filme trata da solidificação da classe na sociedade coreana, onde os “grilhões mentais” que prendem os escravos da classe explorada – o “sucesso” – são o verdadeiro foco do diretor. Parasite tem uma estrutura narrativa clara que acompanha a família Kiser de pessoas pobres na casa de um homem rico. A próxima chuva os acorda de seus sonhos. Depois de uma batalha angustiante de parasitas contra parasitas lutando por cantos escuros e rastejando como baratas pela escuridão de sua visão, os protagonistas retornam ao porão sujo. Além da magnífica linguagem audiovisual, o roteiro também é uma obra-prima de design, e os detalhes do filme foram cuidadosamente considerados: a água mineral, o ketchup, os insetos, o cheiro da pobre família Kiser e assim por diante, que aparecem em Parasite, não só se relacionam com o enredo, mas também o aprofundam. Esses detalhes não só se relacionam com a trama, mas também aprofundam o tema. Em termos de linguagem cinematográfica, os filmes de Parasite são da mais alta qualidade. Parasite: A cor como metáfora de classe O filme é dominado por cores quentes, que são ousadas e tensas, mas ao mesmo tempo revelam as emoções dos personagens e desempenham um papel fundamental em sua representação. O filme Parasite nos oferece um contraste tão forte. Parasite usa uma história espirituosa e absurda para ilustrar os pensamentos do diretor sobre o problema da diferença entre ricos e pobres. Por exemplo, a mulher rica cheira o cheiro do pai de Kiser no carro, ou a ação do homem rico pegando a faca no final do filme, o que revela a diferença entre ricos e pobres e, ao mesmo tempo, satiriza a atitude das pessoas de classe alta em relação à vida. A abertura da história o lembrará das áreas montanhosas estéreis, daqueles que não se importam com o ambiente hostil para ganhar a vida ou sobreviver. O personagem principal é uma família assim, que vive no nível mais baixo do porão, sem poder respirar o ar do nível superior; o que se pode ver pela janela é o homem bêbado na rua vizinha urinando e defecando em qualquer lugar, a rotina diária de empurrar as moscas sobre o pão que se come como se nada tivesse acontecido. e os cidadãos de classe baixa que não recarregam a conta telefônica e esfregam o wireless nos banheiros, e os cidadãos de classe baixa que vivem na classe média. Uma família de quatro pessoas que ganha a vida dobrando caixas de pizza, obviamente, pode fazer bem esse trabalho simples, mas mostra a estupidez e a mentalidade desonesta de sua própria classe baixa. E isso é só o começo, não é um sentimento odioso? É certo que o tom geral do filme é definido em um forte padrão de diferença entre os “pobres” e os “ricos”, e o diretor também usa muitas técnicas de contraste, por exemplo, quando a família fugiu da mansão e voltou para sua própria casa no processo de direção descendente. Por exemplo, o forte contraste entre o cômodo escuro onde os “parasitas” são alimentados e a luz do sol da mansão nos dá um grande impacto visual. Montagem da narrativa a partir de várias perspectivas O diretor toma duas famílias como ponto de partida e as contrasta com base na semelhança, refletindo as diferenças e os conflitos. O que Parasite quer transmitir ao público ao usar tantos contrastes nesse filme? Minha resposta é que a chamada lacuna entre ricos e pobres nesse filme é absurda, cômica, insuportável e digna de culpa. Todas as coisas que você deseja obter sem trabalhar duro são ilusórias; todas as consequências maléficas de seus muitos erros terão de ser pagas durante sua vida. O filme já está na metade, mas esse é o segmento mais tumultuado. Nesse ponto, no bairro rico, depois de uma tempestade, os degraus sob as instalações de drenagem estavam fluindo, o porão dos pobres estava cheio de água de esgoto, e os três levaram seus pertences mais importantes. Gradualmente, a família Kim Driver “subiu ao topo” por vários meios, ocupando as profissões de tutor da filha do Presidente Park, tutor do filho, babá e motorista, e entrando e saindo livremente dessa maravilhosa terra dos sonhos de forma legítima. Como Parasite é um filme sobre os conflitos entre três famílias, o diretor usa a montagem cruzada durante todo o filme para evitar a mediocridade e o tédio de um filme de grupo como esse, bem como o achatamento dos personagens, já que a trama é equilibrada demais. Ao ver isso, não podemos deixar de nos perguntar por que a família de quatro pessoas, que claramente tem a capacidade de trabalhar, só quer Montagem de múltiplas perspectivas O diretor toma duas famílias como ponto de partida e as contrasta com base nas mesmas para refletir as diferenças e os conflitos. O que Parasite quer transmitir ao público ao usar tantos contrastes nesse filme? Minha resposta é que a chamada lacuna entre ricos e pobres nesse filme é absurda, cômica, insuportável e digna de culpa. Todas as coisas que você deseja obter sem trabalhar duro são ilusórias; todas as consequências maléficas de seus muitos erros terão de ser pagas durante sua vida. O filme já está na metade, mas esse é o segmento mais … Ler mais

Barbie: Beleza, Verdade e Rebeldia

janeiro 15, 2024 Por maria

Assista ao clássico filme do ano Barbie no YouCine! O YouCine é uma atraente plataforma de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de conteúdo de filmes e televisão. Uma viagem à fantasia humana Depois de ser devastada pelo mundo real, Barbie decide levar Gloria e Sasha de volta à Terra da Barbie para mostrar a elas uma imagem melhor de “mulheres governando o mundo”, mas é atingida duas vezes pelo vírus patriarcal que Ken trouxe de volta à Terra da Barbie. O filme então mostra Gloria despertando Barbie e as outras Barbies com um discurso feminista empolgante e, após uma série de campanhas de resgate de mau gosto, as Barbies reivindicam seus direitos. Se a primeira metade do filme foi levemente flertante, nessa parte tudo se resume a acusações e brincadeiras. Seja uma simples releitura da história da tomada de poder das mulheres no patriarcado, mostrando a busca de Ken por cavalos e carros, ou reproduzindo a imagem estereotipada do homem arrogante e ciumento, o filme faz a maioria das espectadoras rir e alguns dos espectadores do sexo masculino quebrarem completamente suas defesas. É quase como se fosse uma reação contra a superficialização das mulheres no passado do ponto de vista masculino, e se esse tipo de Kenny é representativo da imagem da masculinidade do ponto de vista feminino, aceite. Independentemente disso, é incrível como os filmes da Barbie apresentam questões sérias de forma infantil e, apesar do fato de a realidade chegar à Terra da Barbie, a Terra da Barbie ainda é a Terra da Barbie, é tudo uma “casa”, mas é um filme que mostra um núcleo que pode fazer com que os “sabichões” se sintam cada vez melhor. Mas também mostra um núcleo que pode ser deprimente para aqueles que “sabem o que sabem”, por exemplo, depois de assumir o poder, Ken não pode ignorar o fato de que o domínio patriarcal sobre a Barbie Land começou a escravizar a Barbie Land, mesmo que ele esteja fazendo o público rir ao dizer algo sem sentido como “Mojo Dojo Casa House”. Land então começa a escravizar as Barbies, o que não é o mesmo conceito do Kenny marginalizado no início. Por um lado, é absurdamente engraçado, mas, por outro lado, mostra que os homens no patriarcado são sempre mais propensos a resolver os problemas pela força e, como resultado, eles começam a dançar um balé dos sonhos durante a luta, e só depois de assistir ao featurette dos bastidores é que percebemos que isso tem a intenção de mostrar que a energia masculina pode ser não agressiva, o que é uma maneira complicada e distorcida de ver a questão, porque essa parte do assunto é séria demais e o filme não é sério demais. Greta Gerwig projetou a recuperação do poder das Barbies para dar a elas a verdadeira subjetividade. Identidade: perfeição inautêntica vs. imperfeição autêntica Na jornada de Barbie para a realidade, ficamos sabendo que a anormalidade de Barbie está, na verdade, enraizada na ansiedade de Gloria. O filme descreve essa conexão como telepatia, que é, na verdade, uma manifestação de “Barbie se tornando uma extensão dos desejos da menina”, e que quando Gloria tem pensamentos sobre a morte, Barbie é assombrada por esses pensamentos. Quando Gloria tem pensamentos sobre a morte, Barbie também é atormentada por esses pensamentos, criando assim ansiedade existencial e alienação. Greta Gerwig cria uma “depressão compartilhada” para refletir a ansiedade de identidade de Barbie como boneca e Gloria como mulher e mãe, a fim de ajudar ambas a se reconciliarem com suas ansiedades e formarem uma nova identidade. Após os golpes do mundo real, Barbie reconhece os dilemas das mulheres – o segundo sexo, a disciplina patriarcal, a misoginia – que também são os dilemas de Gloria, que está presa em sua identidade tripla como mulher, mãe e assistente (no trabalho) e que, como mulher, quer ser perfeita, mas não pode ser perfeita demais. Como mulher, ela quer ser perfeita, mas não pode ser perfeita demais, quer ser líder, mas não pode ser durona demais, quer ser boa mãe e esposa, mas não pode reclamar, deseja sair com os filhos, mas não pode porque o marido é alérgico ao sol ou por causa do trabalho, ela está sempre em uma situação em que “deseja, mas não pode ser desejosa demais”, “quer estar fazendo algo, mas não se atreve a fazê-lo”, “radical demais”, “demais”, “demais” e “demais”. Sempre vivendo na autonegação de “querer, mas não querer demais”, “querer fazer, mas não ousar fazer” e “não ser boa o suficiente”, ela se expressou pela primeira vez com franqueza nesse discurso inspirador. Ao mesmo tempo, também expressa a situação geral das mulheres. O ponto mais surpreendente do filme é que a autoexpressão de uma mulher pode se tornar o “antídoto” para despertar a Barbie, o que parece ser a afirmação de Greta Gerwig sobre a expressão e o discurso femininos, por meio dos quais as mulheres podem realizar sua própria autoanálise, perceber a fonte de sua ansiedade e se reconciliar com ela, com o objetivo de se comunicar e se identificar com os outros. Por meio da expressão, as mulheres podem fazer uma autoanálise, perceber a fonte de suas ansiedades, reconciliar-se com elas e comunicar-se e ter empatia com os outros; Gloria não apenas desperta o senso de autonomia e identidade de Barbie, mas também contribui indiretamente para o desejo de Barbie de se tornar uma mulher de verdade. Uma das cenas mais memoráveis do filme é quando Barbie desperta algumas de suas lembranças de Gloria ao perceber tudo no mundo real e encontra Sasha. Depois de se emocionar com seus próprios sentimentos a ponto de abrir os olhos em lágrimas e olhar ao redor, ela diz à senhora idosa ao seu lado: “Você é tão linda! “A idosa responde “Eu sei disso” e, nesse momento, toda a ansiedade em relação à celulite desaparece, e apenas “beleza e verdade” estão presentes. “Greta Gerwig apresenta de forma belíssima a sensibilidade, … Ler mais

Oppenheimer: Um momento no tempo fica parado

janeiro 12, 2024 Por maria

Inúmeras pessoas esperaram para derrubar Nolan como um dos diretores mais influentes do século XXI, mas ele permaneceu na liderança do grupo, defendendo incansavelmente a experiência de ir ao teatro. Formado em Literatura Inglesa, com sua paixão pelo cinema e seu perfeccionismo quase obsessivo, Nolan conquistou um grande número de fãs, ou “devotos”, em todo o mundo, esperando pacientemente por seu Oppenheimer, esperando que ele mais uma vez diga ao público, por meio da magia das imagens, que há mais por trás do mundo à nossa frente. O melhor filme do ano, Oppenheimer, está disponível para assistir no YouCine.O YouCine tem uma enorme variedade de filmes, programas de TV, documentários, programas infantis e muitos outros tipos de conteúdo de vídeo. O diretor britânico, que tem um estilo pessoal forte e não está disposto a baixar o QI do público, tem se tornado cada vez mais fiel a si mesmo, como pode ser visto em seus filmes recentes. Seus roteiros não se concentram apenas no chamado “quebra-cabeças”, mas, em termos de assunto, questões, técnicas narrativas e até mesmo o limiar de visualização do cinema, ele transcende o nível de apelo ao entretenimento ou ao valor artístico e se concentra mais em abrir uma nova visão do mundo. Dessa vez, por meio do filme biográfico Oppenheimer, a vida controversa de Oppenheimer, o pai da bomba atômica, é contada ao mundo. Oppenheimer Eu sou agora o Ceifador, o destruidor de mundos Por que as pessoas precisam ver a história de Oppenheimer? Desde o surgimento da arma nuclear, o mundo tem se dividido em antes e depois e, de uma perspectiva histórica, o desenvolvimento da arma nuclear não levou apenas à criação de uma nova arma, mas à abertura de um mundo totalmente novo. A biografia original na qual Oppenheimer se baseia, intitulada American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer (Prometeu Americano: O Triunfo e a Tragédia de J. Robert Oppenheimer), abre o filme com Prometeu roubando o fogo dos deuses e levando-o ao povo. Prometeu rouba o fogo dos deuses e o leva para o povo, sinalizando que Oppenheimer sempre estará carregado de orgulho e pecado, aplaudindo e gritando. Nolan sempre foi conhecido como “o mago do tempo”, o tempo é algo que as pessoas não conseguem realmente entender, mas podem sentir profundamente, então vimos o tempo ser cortado em “Memory Jigsaw”, o tempo ser estendido em “Total Initiation”, o tempo ser comprimido em “Interstellar Effect”, o tempo ser fundido em “Operation Dunkirk”, o tempo ser revertido em “TENET” e, em “Oppenheimer”, o tempo é revertido. Oppenheimer é o tempo parado, permanentemente parado, em um momento histórico, em um momento de possibilidade quase zero, em um momento em que Einstein se vira e fecha os olhos. Por meio da controversa audiência de liberação de segurança de Oppenheimer, o filme de Oppenheimer primeiro relaciona sua carreira acadêmica e sua pesquisa e, em seguida, concentra-se no desenvolvimento de armas nucleares, com Oppenheimer como líder de um grupo de cientistas importantes recrutados para trabalharem juntos na construção da arma secreta definitiva contra os fascistas no Laboratório de Los Alamos, no Novo México, EUA. Eu achava que a explosão do teste da bomba atômica era o clímax do filme, mas não sabia que a última parte era a revelação da verdade. Por trás do gigantesco Projeto Manhattan, havia um cabo de guerra político que manipulava a ideologia e levou Oppenheimer a se tornar um mártir na jihad anticomunista dos Estados Unidos, o que é um entrelaçamento emocionante dos altos e baixos da vida desse “pai da bomba atômica”. Dez, nove, oito, sete, seis, cinco, quatro, três, dois, um, no momento da detonação, o mundo inteiro pareceu prender a respiração, a luz ofuscante chocou tudo, todos nós ignoramos a diferença entre a velocidade do som e a velocidade da luz, e somente depois de alguns segundos de silêncio mortal é que o som ensurdecedor da explosão foi ouvido. Esse momento se tornou uma lembrança que ele tentou esquecer pelo resto da vida, como os rastros deixados pela guerra no coração das pessoas, constantemente emaranhados, constantemente ocorrendo. Ele se lembra repetidamente de entrar no auditório em meio ao som dos passos alegres da multidão, de não conseguir distinguir entre aplausos e gritos, excitação e dor, de não conseguir reconhecer os rostos que se desfazem sob a luz forte, de fingir estar calmo para fazer o discurso que deveria fazer e de se surpreender ao ver cadáveres carbonizados sob seus pés e pessoas vomitando ao ar livre. Somos levados ao mundo interior de Oppenheimer, e ele é o único que testemunha suas mãos cobertas de sangue, cada passo contraditório e vacilante, coberto pela culpa de ser um herói e um ceifador ao mesmo tempo. Com o ponto de vista de Oppenheimer em cores e o de Lewis Strauss (ex-presidente da Comissão de Desenvolvimento Atômico dos EUA) em preto e branco, Nolan tem o cuidado de oferecer duas perspectivas históricas opostas e, na narrativa introspectiva, o espectador aprende gradualmente as origens da inimizade entre os dois homens e até mesmo faz uma analogia com a relação entre Mozart (Wolfgang Amadeus Mozart) e Antonio Salieri na peça teatral Amadeus, de Peter Levin: um homem brilhante, genial, genial, que é um grande homem e uma grande mulher. Até mesmo a relação entre Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Salieri na produção teatral de Peter Levin Shaffer de Amadeus é análoga: uma mente brilhante e atormentada e um homem pequeno e poderoso que o admira e o atormenta. Como você pode ver, enquanto os detentores do poder permanecem para sempre nas sombras, a vida de ninguém pode resistir a um exame minucioso e, muitas vezes, está repleta de erros irreparáveis, mesmo que Oppenheimer tenha contribuído inúmeras horas em alguns níveis. Você pega uma pedra e encontra uma víbora embaixo dela Como Oppenheimer é um filme biográfico, a maioria das obras é difícil de evitar o heroísmo, e a trilogia O Cavaleiro das Trevas pode ser vislumbrada, Nolan não está negando o … Ler mais

Soul é o verdadeiro significado do jazz, a música da alma

janeiro 10, 2024 Por maria

Se você teve um ano muito ruim e mal conseguiu entregar a folha de respostas “Estou vivo”, depois de assistir a Soul, acredito que terá coragem de abraçar o mundo novamente. Assista ao filme de animação Soul no YouCine, uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de recursos como interação social e recomendações personalizadas para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. O que aconteceu com o Soul? Soul é um filme sobre um professor de ensino médio, Joe Gardner. Soul conta a história de Joe Gardner, um professor do ensino médio que recebe a oportunidade dos seus sonhos: tocar em um dos melhores clubes de jazz de Nova York. Devido ao excesso de empolgação, ele entra em um poço que está sendo consertado, e um pequeno erro o leva das ruas movimentadas de Nova York para um lugar fantástico – “Where Life Comes From”. Determinado a retornar à Terra, Joey conhece uma alma precoce, “22”, a quem ele tenta mostrar o esplendor da vida e, por fim, percebe as respostas definitivas para suas próprias perguntas. Ele tenta mostrar a 22 o que é a vida e, por fim, percebe a resposta definitiva para as perguntas de sua própria vida. Joey é um fã incondicional de jazz, e o jazz está presente em todo o filme, ligando cada detalhe, em uma variedade de sons, que nos mantém nas emoções delicadas, com uma forte ressonância. Início desordenado, ritmo caótico da vida O filme Soul começa com Joey regendo um grupo de alunos do ensino médio em uma apresentação de banda, e o entusiasmo de Joey, em contraste com a atitude descuidada dos alunos e o caos da música, ninguém realmente se importa com o regente de Joey, exceto a garotinha Connie, que se esquece de tocar o saxofone, mas atrai o ridículo de todos, e então Joey conta a experiência de seu próprio pai com o amor pelo jazz, a improvisação, tocando uma peça de piano de jazz, ele improvisou. Joey toca uma peça de piano de jazz, e sua total devoção é finalmente interrompida por uma batida forte na porta. Essa é uma demonstração clara do caráter de Joey, que é cheio de entusiasmo pela vida, mas está cuidadosamente carregando seu peso sob pressão. A música caótica tocada pelos alunos sugere as várias pressões que surgem sob a cidade de Nova York, criando um senso especial de lugar e tempo. Esse caos também mostra o atual estado deplorável da vida de Joey, dia após dia, o conformismo e a incapacidade de buscar seu amor pela música com todas as suas forças. A zombaria da garotinha Connie é, na verdade, a zombaria da sociedade em relação ao tipo de Joey, preparando o caminho para a escolha emaranhada de Joey entre a realidade e seus ideais mais tarde. Mudança emocional, entrando erroneamente no mundo da fantasia Quando o sonho de Joey se torna realidade e ele consegue seu primeiro emprego como músico, o filme apresenta uma bela e alegre melodia de piano, e quando ele cai em um poço e chega ao “lugar de onde a vida vem”, a trilha sonora muda para uma música eletrônica etérea e abstrata, que expressa a faculdade da mente e o outro lado do mundo sem nenhuma entidade física, criando uma atmosfera ambígua e mostrando um universo novo e etéreo. O filme Soul define e apresenta dois mundos completamente diferentes por meio de dois estilos musicais, dois estilos musicais completamente diferentes, levando-nos a alternar entre a “realidade” e o “lugar de onde viemos”, o que facilita para o público entender a visão de mundo independente apresentada no filme. O filme apresenta visões de mundo e culturas independentes, e a música cria ambientes diferentes e uma sensação de imediatismo, permitindo transições de cena ordenadas e uma melhor experiência para o público. A rica experiência sensorial do Soul Quando o Soul 22 chega pela primeira vez a Nova York na Terra e foge para a porta do hospital, o filme narra e complementa a trama por meio do som, com um grande número de sons barulhentos, como helicópteros, buzinas de carros, pedestres caminhando, caminhões de bombeiros buzinando, apitos da polícia de trânsito, gatos rugindo ……. Mobilizar totalmente os sentidos da plateia para obter o efeito de fluxo, moldando o ambiente real de Nova York – uma cidade industrial movimentada, complementada por uma música jazz leve para produzir um senso de sagacidade, com um certo tom cômico. A música nos faz sentir como se estivéssemos lá para vivenciar a perplexidade e a inquietação de 22 pessoas diante de um novo mundo, ao mesmo tempo em que gera uma nova compreensão de coisas familiares, trazendo uma sensação de frescor e curiosidade. Desacelere e perceba o verdadeiro significado da vida Após o retorno bem-sucedido de Joey à Terra, ele faz um show de jazz espetacular, e a energia que explode do jazz é um verdadeiro deleite para o público. Mas, depois do show, Joey se sente decepcionado, pois esperou ansiosamente por esse dia durante toda a sua vida, mas quando o dia chega e ele consegue o que quer, sua fé é abalada. O filme de Soul nos leva aos inúmeros momentos felizes da vida de Joey e ao dia mais especial de sua vida – o dia em que ele conheceu a 22 – por meio da improvisação do piano de Joey quando ele volta para casa. Somos levados de volta no tempo para o som suave do piano, a luz do sol, os aromas, os pequenos sons, o toque de uma folha caindo em sua mão, e o que nos ilumina pode ser uma melodia ou apenas uma fatia de pizza quente. O piano na medida certa produz um forte efeito de empatia que ressoa fortemente com o público, que não apenas vê e ouve, mas também cresce e se realiza junto com Joey em meio a esse sentimento de empatia, ganhando força … Ler mais

Slow Horses Temporada 3 Exclusivo

janeiro 8, 2024 Por maria

Assista a Slow Horses Temporada 3 no YouCine! O YouCine reúne uma ampla seleção de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e outros gêneros de conteúdo de vídeo. Slow Horses Temporada 3: As lutas e os bastidores políticos de um agente marginal Slow Horses Temporada 3 Um velho seboso com uma gangue de subordinados desperdiçados fica escondido no esquecido departamento marginal do MI5, realizando um trabalho de escrivaninha sem sentido enquanto se protege contra o fato de seus chefes não cumprirem suas obrigações. Lamb, o líder dos “cavalos inferiores”, acordou com um sobressalto ao som de seu próprio peido, cuspindo uma boca cheia de dentes amarelos e exalando um odor pútrido de esgoto pela tela, com seu cabelo pegajoso que não era lavado há dezenas de dias. Sim, ainda é aquele cheiro familiar. Na atual crise econômica, o agente desgrenhado prestes a deixar o emprego, sofrendo todo tipo de ostracismo e ainda sem vontade de desistir desse trabalho institucional, é obviamente muito mais real do que o arrojado Ethan Hunt e Bond. A paixão que se foi há muito tempo pertence às lembranças do Muro de Berlim e da Stasi, e não há nada além de desilusão à nossa frente. Os negócios estão encolhendo, o crescimento é lento e a vida cotidiana do MI5 é marcada por conflitos internos e traições. Como uma agência governamental, o MI5 não está em posição de demitir funcionários e, ao colocar os de baixo desempenho na rua e forçá-los a se demitir por conta própria, eles podem evitar disputas trabalhistas e economizar em indenizações. Até lá, providencie trabalhos humilhantes e faça com que eles cometam seus próprios erros, ou use-os como isca para fisgar adversários políticos em agendas ocultas indecorosas sem a menor consideração por eles. Uma jornada de aprofundamento do caráter, do cinza à glória Essa casa fria é a Slough House cinza em Slow Horses Temporada 3. Os agentes ronin, abandonados por seus senhores, são esses Slough Horses, conhecidos como “streamers”. Os Slow Horses são a cauda de uma lagartixa, jogada para um predador em uma crise para salvar o carro; ou um bode expiatório, que fica na frente do corpo para reduzir os danos colaterais ao assumir a culpa. Informações atrasadas, condições de trabalho precárias, a responsabilidade departamental de pegar o pote e bloquear as setas e a posição marginal de ser varrido a qualquer momento são suas vidas diárias. No mundo de Slow Horses Temporada, a ameaça tradicional de subversão está muito distante, e a política de escritório é a base da comunidade de inteligência. Na primeira temporada, os sequestradores cruéis eram do Reino Unido e os reféns inocentes eram imigrantes do sul da Ásia. Na segunda temporada, a ameaça vinda de fora do país não tem chance de ser concretizada e, na era da pós-verdade, não há mais adversários estrangeiros respeitáveis com o mesmo poder, mas apenas a luz fria de nossas próprias facas nos apunhalando na escuridão. Nas duas primeiras temporadas de Slow Horses Temporada, o MI5 enfrentou problemas que não eram críticos para a sobrevivência da nação, mas sim exercícios de blefe de colegas oficiais que criaram incidentes incendiários para desacreditar oponentes políticos a fim de expandir seu próprio território. Em Slow Horses Temporada 1, a alta cúpula do MI5 encena sua própria inclinação racial para estigmatizar os políticos de direita, mas depois é pega no fogo cruzado e sacrifica os cavalos inferiores para se salvar. O cavalo inferior corre para se proteger e acaba escapando do despejo de seu chefe e tem um momento de descanso nas rachaduras. Na segunda temporada, o confronto da Guerra Fria, que Lamb vem aguardando há anos, acaba sendo uma brincadeira inofensiva, com o agente desertor soviético desamparado atraindo as cobras para fora de suas tocas com o mito do infiltrado consagrado pelo tempo, apenas para ter uma lamentação triste diante do pote de ouro. A vasta, porém astuta, Besta do Leste está em colapso há anos, e o retorno da era de ouro da espionagem é apenas um desejo do veterano Lamb da Guerra Fria. Slow Horses Temporada 2 Em suma, as pessoas que estão agitando essa água estagnada estão fazendo isso para subir um degrau na escada burocrática ou, pelo menos, para derrubar seus oponentes políticos. Não há o bem contra o mal, não há competição ideológica e, com um sistema cognitivo cada vez mais lotado e homogeneizado, o MI5, como qualquer organização dominada por facções, empurra e empurra uns aos outros na mesma lama, sempre em guarda contra a traição de seus colegas e, ao mesmo tempo, sempre pronto para jogar a toalha. Os cavalos inferiores, por outro lado, nunca ganham muito, e não merecem nomes no livro de créditos. A terceira temporada de Streamers não é exceção. Mas também é um pouco diferente. Game of Thrones: Clímax e reviravoltas de ‘Slow Horses Temporada 3 Slow Horses Temporada 3 Diferentemente das preguiçosas duas primeiras temporadas, Slow Horses Temporada 3 começa no limite quando a mulher mais velha e estável e assistente de Lamb, Standish, é sequestrada, e Lamb, que já perdeu dois de seus subordinados nas duas primeiras temporadas, não consegue suportar a ideia de que más notícias aconteçam uma terceira vez. O diretor da terceira temporada mudou de Jeremy Loughlin, que prefere movimentos de câmera, para o relativamente estável Sol Metzstein. A câmera não paira mais para provocar esses homens caídos, e o flerte e as brincadeiras dão lugar a um olhar mais neutro. Os homens de Lamb são transformados de preguiçosos desorganizados em uma equipe até mesmo um pouco eficiente, e o desempenho calmo, mas afiado, de Gary Oldman, como um iceberg, faz com que a transição pareça natural e rápida. Ele ainda não tem escrúpulos em humilhar seus homens, contradizer seus superiores, nunca se reduzir e ainda tem a capacidade de girar facilmente e atingir seus oponentes exatamente onde eles precisam estar. Enquanto isso, a paleta de cores da terceira temporada não é tão escura e sombria como a da primeira temporada, nem … Ler mais