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Thriller de suspense “Mirage”: matando sua esposa e enterrando seu corpo, viajando no tempo e no espaço e reversões chocantes

março 12, 2024 Por maria

Filmes de suspense e suspense Esta edição traz para vocês o thriller de suspense “Mirage” de 2018, dirigido por Oriol Paul e estrelado por Adriana Ugarte. Baixe o youcine para assistir todas as séries de filmes e leve seu home theater para casa! Ao mesmo tempo, esta peça também foi escrita por Oriol Paul. Claro, quando seu nome é mencionado, a primeira coisa que vem à nossa mente é “O Convidado Invisível”. Como diretor e roteirista, Oriol Paul criou muitos filmes Uma obra-prima de suspense, incluindo filmes e séries de TV. Hoje falaremos sobre essa “Miragem”. O enredo da peça Em 9 de novembro de 1989, uma previsão do tempo estava sendo transmitida na TV. Uma tempestade estava chegando, durando até 72 horas. Então a TV começou a transmitir notícias sobre o Muro de Berlim. Todos prestam atenção neste horário. O diretor definiu deliberadamente 9 de novembro de 1989 foi o dia em que o Muro de Berlim foi desmantelado. A cena mostrava uma casa onde a TV estava ligada. Um menino estava gravando um vídeo cantando com sua própria câmera. Como sua mãe tinha que trabalhar no turno da noite, ela saiu depois de cumprimentar seu filho. Enquanto sua mãe ia embora, havia outra mulher sentada na beira da estrada, no carro. Houve relâmpagos e trovões lá fora, e a criança dentro de casa ouviu o grito do vizinho. Ele foi atraído pelo som e correu para verificar. Assim que entrou pela porta, encontrou a anfitriã deitada no chão, e o homem vizinho descia do segundo andar com uma faca. , o menino ficou tão assustado que saiu correndo rápido, mas foi atropelado por um carro assim que saiu correndo do quintal. Seu amiguinho e vizinho Otto também viu esta cena. O tempo volta para 2014. A heroína Vera e sua filha Glória acordam na cama de sua nova casa. Pela linguagem da câmera se percebe que elas acabaram de se mudar para cá e estão ao telefone com o marido David. Ela também a lembrou de convidar seu vizinho Otto para jantar. Quando a câmera girou, Otto, como capitão, estava uniformizado e conversando com sua mãe Clara, que enfatizava que a tempestade era exatamente a mesma de anos atrás. O que se segue é uma conversa simples com um vizinho Acontece que Vera e Otto se conheciam e tinham acabado de se tornar vizinhos, e Vera convidou Otto e sua mãe para virem ficar juntos. A cena transitou naturalmente para o hospital, e soubemos que Vera era auxiliar de neurocirurgia. Na preparação para a operação, sua conversa com o médico assistente também revelou o motivo pelo qual ela não continuou a estudar medicina: porque tinha que cuidar de sua filha e desistiu de oportunidades de estudos adicionais.Vera veio buscar a filha Glória no final do trabalho e trocou algumas palavras com os colegas e professores da filha. Quando chegaram em casa, o marido David também voltou. Eles encontraram uma câmera de vídeo e uma TV da década de 1980 em um depósito. Eles reproduziram a fita de vídeo e o conteúdo na tela era exatamente o garotinho do início do filme . David acidentalmente descobriu que esta fita de vídeo foi tirada neste dia de 1989. Com o trovão fora de casa, a velha TV começou a reproduzir a imagem sozinha, sem reproduzir a fita de vídeo. O conteúdo era por volta de 9 de novembro de 1989. Berlin Wall News . É hora do jantar – Mirage Seus amigos, Otto e sua mãe, vieram. David contou a Otto sobre a TV agora há pouco, e Otto começou a conversar. Acontece que o menino da foto se chamava Nick, e ele e Otto eram bons amigos quando eram jovens. Isso a casa era originalmente onde Nick morava com sua mãe e a cena em que o vizinho mata sua esposa no início do filme. Nick viu que ele contou a história de ter sido atropelado e morto enquanto escapava, e também inadvertidamente revelou que um raio atingiu o relógio de parede da escola no dia seguinte.Durante a história de Otto, sua mãe estava atordoada. À noite, David consultou na Internet a história de Otto sobre um vizinho que matou sua esposa e levantou uma questão: Por que o vizinho confessou, depois de ser preso, que planejava enterrar sua esposa assassinada no subsolo de seu matadouro? Vera quis mudar de assunto e encontrou uma caixa de fósforos nas calças do marido. Vera achou que o marido tinha voltado a fumar, então David prometeu não fumar mais e jogou os fósforos pela janela. Lembrem-se desse close, pessoal. Aí será correspondência mais tarde. À noite, a velha TV voltou a transmitir notícias sobre o Muro de Berlim. Vera acordou e seguiu o som até a TV. De repente, um garotinho Nick apareceu na TV, e Nick também descobriu Vera na frente da TV. Nick tentou dizer olá. Vera se assustou e quis fugir, mas provavelmente se lembrou das palavras de seu amigo Otto e voltou. Na foto, Nick observou pela primeira vez uma estação de trem na casa de Vera. Placa de pare. Durante a conversa, Nick foi atraído pela voz do vizinho. Quando Vera viu isso, disse a Nick para não ir até lá. Se ele fosse lá, morreria. Ela também disse que sabia que um raio atingiria o relógio na parede da casa. a escola deles amanhã. Nick estava em dúvida. Depois de Vera Depois de implorar com voz rouca, Nick salvou sua vida. Vera acordou no hospital no dia seguinte Ela se tornou uma neurocirurgiã assistente. Quanto a Nick, ele também viu o relógio da escola sendo atingido por um raio na escola. Vera veio à escola buscar a filha Glória e perguntou aos colegas e professores da filha, mas todos disseram que essa pessoa não existia. Ela foi procurar seu marido David, mas David não pareceu reconhecê-la. A câmera se voltou para Nick novamente. Como ele não trouxe a chave, Nick ficou temporariamente na casa de … Ler mais

Moonfall 2024: Não contando uma história de desastre, a história em si é um desastre

março 11, 2024 Por maria

Uma enorme exibição de visão de mundo Em relação a “Moonfall”, quando se fala em filmes-catástrofe, desastres e Juízo Final devem ter um motivo, que é o pano de fundo da história do filme. Esse pano de fundo percorrerá todo o filme, tornando-se o propósito das ações dos personagens e a introdução de todos os acontecimentos. Baixe youcine e assista a série completa de filmes originais. O que mais me surpreende em “Moonfall” é que, comparado a “2012”, ele tem um intervalo de tempo cada vez maior e um nível mais elevado de perseguição racial. A lua tornou-se a condição e a dependência para as pessoas e até mesmo para toda a matéria orgânica existir no mundo.Não é mais um simples corpo planetário, mas uma aeronave para o ser humano se salvar e viajar para longe. Ao mesmo tempo, os acontecimentos provocados pela Lua abrangeram até centenas de milhares de milhões de anos, num período tão longo foi acrescentado o elemento de confronto entre a inteligência artificial e o homem, o que é uma verdadeira “saturação de elemento”. É muito difícil apresentar uma visão de mundo tão ampla, a dificuldade não está apenas em termos de meios técnicos, como efeitos especiais, mas também em encontrar um ponto de entrada que possa ser aceito pelo público em um curto espaço de tempo. Comparado com “2012”, Roland Emmerich desta vez usou um método mais eficiente – a narração. A característica de usar a tecnologia para transportar informações mostra ao público essa grande visão do tempo na perspectiva da primeira pessoa, quando o protagonista precisa de um motivo para resolver um problema. Moonfall Como resultado, a linha do tempo de “Moonfall” não é mais uma narrativa sequencial única, mas múltiplas linhas do tempo ricas com uma extensão assustadora. Em segundo lugar, em contraste, Roland Emmerich desistiu de muitas coincidências e surpresas para criar diferentes fases da história e, em vez disso, aproveitou as características da revolução da Lua em torno da Terra para criar anéis regulares a cada revolução da Lua. Períodos de tempo e tempo os estágios permitem que os espectadores entendam mais claramente as causas e consequências de cada evento. Como “Moonfall” contém mais e mais ricos elementos tecnológicos, quanto mais ampla for a visão do mundo, mais fácil será para a teoria ser irracional. No entanto, Roland Emmerich é obviamente um escritor e diretor nato de filmes de desastre. Sob uma árvore tecnológica tão grande, cada detalhe e teoria proposta tem sua própria base correspondente. Embora seja inevitável criar algumas “tecnologias futuras” além do nível tecnológico atual, essas tecnologias ainda estão alinhadas com as teorias científicas. Quer sejam tão grandes como “Hollow Moon Theory” e “Man-made Moon Theory” que se tornaram populares nos últimos anos, ou tão pequenos como “LRO” que aparece na câmera, todos eles demonstram a busca de Roland Emmerich pela excelência em roteiros e fotos. A evidência também é uma razão importante pela qual este filme ainda faz tanto sucesso, embora tenha sido criticado como um “arroz frito”. Caracterização clara e distinta Voltando à questão que acabei de mencionar – sobre “Moonfall” ser criticado como uma “panela de arroz frito”, a minha atitude em relação a esta questão é negativa. O motivo mais importante é a caracterização dos personagens. Para um filme, se os eventos são o corpo do filme, então os personagens multifacetados são a alma do filme. Comparado com “2012”, “Moonfall” tem menos personagens importantes e é mais impressionante. Os personagens também são mais versáteis, o que os torna mais tridimensionais e estilosos. Simplificando, ao comparar diferentes experiências de visualização de filmes, o que mais me impressionou em “2012” foram os horríveis desastres naturais e o colapso chocante e o desespero que mostrou, enquanto “Moonfall” me fez lembrar que é a escolha feita por pessoas com identidades diferentes. , diferentes origens e diferentes conceitos quando enfrentamos desastres. O filme retrata repetidamente ladrões e ladrões diante de desastres, descrevendo sua grande tristeza e alegria ao ver notas e descrevendo seu egoísmo de matar pessoas e beber sangue para obter suprimentos materiais; ao mesmo tempo, o filme também retrata aqueles que sacrificam pequenos coisas para grandes ganhos. “herói”. Descreve as escolhas de vida e morte que enfrentam como indivíduos e no mundo, e descreve a sua grande justiça em deixar as suas famílias e viajar para o desconhecido. A queda da lua é apenas o pano de fundo de muitos desses eventos, como se o que Roland Emmerich quisesse contar não fosse a história do desastre, mas que o próprio conjunto desses eventos fosse o desastre. Dentre esses personagens, o mais impressionante deve ser o gordo macroestruturante. Como um dos protagonistas das três falas principais do filme, sua aparência e saída ganham designs únicos. Ao estabelecer um personagem, a identidade do personagem é o motivo pelo qual ele aparece na câmera. Como um homem gordo na escola que sofre de diversas doenças, autodidata na teoria do universo celeste e na teoria da megaestrutura, parece que cada característica É necessária para ele estar no filme. Sofrer de uma doença significa que ele precisa de um avanço em si mesmo, o que cria uma razão para ele pousar na lua e se sacrificar no filme; o auto-estudo de várias teorias cosmológicas permite que ele se junte naturalmente a este grande evento tecnológico de fundo, e naturalmente se tornar um lander.Um membro indispensável da equipe mensal; Estar na escola proporcionou-lhe a racionalidade para recolher informação, e Fatty tornou-se um dos seus protagonistas distintivos e reconhecíveis que o distingue de outros protagonistas, nomeadamente protagonistas masculinos e protagonistas femininos. Esta é uma das razões pelas quais penso que Roland Emmerich conseguiu criar outro grande filme. Ele abandonou o pensamento tradicional dos filmes de desastre, que passam muito tempo descrevendo desastres, e optou por usar desastres para mostrar os personagens, emoções e relacionamentos sob o desastre. Este é mais um grande avanço para ele, de “Regras da Arca de Noé” a “Moonfall”, e também está alinhado com a prioridade da narrativa nos … Ler mais

O filme Cruella me deu inúmeras surpresas 2024

março 8, 2024 Por maria

O filme “Cruella” me deu inúmeras surpresas As duas primeiras coisas que me surpreenderam foram o próprio filme, cuja narrativa clássica e estilo exagerado estavam perfeitamente coordenados. Cheio de loucura punk e excentricidade distinta, também escrevemos um artigo especial sobre isso. A outra vez foi com a personagem Cruella, ela era tão charmosa. Baixe o youcine e assista ao filme original diretamente. Claro, isso se deve ao charme da atriz Emma Stone. Ela desafiou o papel da Rainha das Trevas pela primeira vez e correspondeu às expectativas. Há muitos destaques para falar. Mas o que é igualmente importante é que, como vilã, Cruella raramente é vista como rica, tridimensional e subversiva, e pode ser considerada um exemplo na série de contos de fadas da Disney nos últimos anos. Portanto, embora eu já tenha escrito “Cruella” uma vez, ainda quero me concentrar no filme e falar seriamente sobre como o personagem Cruella é criado desta vez. Vá contra o velho e traga o novo Em relação aos personagens, o mais surpreendente em “Cruella, a Bruxa Negra e Branca” é que se trata de um cenário de dois vilões, e não existe uma pessoa “boa” absolutamente positiva. O mais óbvio é que Cruella e a Baronesa estão quase no mesmo nível: ambas têm um talento excepcional em design e uma criatividade devastadora. Mas a diferença é que se a Baronesa se conformar com a impressão consistente do público sobre os principais designers de moda, como ser extremamente estereotipada, fazer todos os detalhes e usar o seu capital natural superior como base para desperdiçar recursos, para ser franco, ela representa uma gênio em um determinado campo. Cruella está mais próxima de um “talento comum”, mais próxima do público e mais viva e mutável. Porque mesmo sendo filha biológica de uma baronesa e tendo o mesmo talento orgulhoso, o filme não limita Cruella a uma simples repetição de reencarnação fatídica. Em vez disso, ela usou a vingança e o assassinato da mãe como motivação psicológica e experimentou constantemente todo o processo de colapso, reconstrução e colapso novamente, e então ela integrou e criou uma mulher que se ergueu do zero e gradualmente se aproximou do traiçoeiro lado negro da natureza humana em meio aos altos e baixos da realidade. de Cruella. Embora Cruella seja naturalmente rebelde A moda antitradicional também vai contra as regras tradicionais, mas também é normal encontrar retrocessos e depressões. Isso se reflete especificamente no fato de que quando ela era Estella, ela mostrava sua singularidade em seu penteado desde criança, mas seu talento sempre foi apreciado apenas por seus amigos gangsters Jasper e Horace. Os recursos disponíveis eram suficientes apenas para desenhar alguns disfarces para encobrir roubos, e muitas vezes ele foi perseguido e preso.Ele viveu na inquietação e constrangimento próprios dos pobres. Antes de adormecer todas as noites, olhando para a parede coberta de desenhos e “Liberty” (empresa de moda), o filme também usa esse tipo de tristeza silenciosa de estar tão perto, mas tão longe, para mostrar a luta de Estella para enfrentar seus sonhos. . Mesmo depois de se tornar subordinado da Baronesa Os recursos são abundantes, mas seu talento em design tem sido repetidamente restringido e não é desenvolvido há muito tempo. Por exemplo, a obra original era bastante calma e antiquada, e o que a Baronesa usou para cortar com a tesoura foi o excesso de contenção; Mesmo que a personalidade de Cruella tenha surgido, o vestido vermelho que ela mostrou no baile foi adaptado do design clássico da Baronesa sem nenhum avanço, o que implica que alguns dos conceitos de design eram conservadores e inéditos. A formação do caráter de Cruella é obviamente longa e lenta, mas é nas sutis esculturas coloridas que o charme multifacetado de Cruella pode ser melhor percebido. O que é ainda melhor é que o processo iterativo de figurino ao longo do filme “Cruella, a Bruxa Negra e Branca” é exatamente o processo de plenitude dos personagens. Em primeiro lugar, há o desenho peculiar que muda de cor no fogo: o branco, o lado inocente, desaparece, enquanto o vermelho único é particularmente deslumbrante nos tons preto e branco. Simbolizando a fuga do sofrimento da realidade Representa também a primeira transformação da dócil Estela para a personalidade sombria da Vingadora Cruella; Para a segunda festa em Londres, ela usou um traje de motociclista com textura mecânica. O grafite “O Futuro” em seu rosto foi usado como máscara para enfatizar a sensação de tecnologia dura. Usar uma motocicleta em alta velocidade como ferramenta de entrada quebrou o costume ” elegância” da festa. regra. Não só implica a liberalização gradual dos conceitos de design de Cruella, mas também discute a constante colisão e redefinição de regras antigas e novas através do contraste com a baronesa vestindo um elegante vestido branco. A última festa de rock and roll foi a subversão definitiva das regras. As manchas pretas e brancas transformaram a vida em um enfeite da moda. Também indicaram que Cruella havia eliminado os obstáculos em seu coração, deixando apenas o desejo desenfreado de vingança. Em outras palavras, as roupas tornam-se, na verdade, portadoras da personalidade externa do personagem. Preto e branco, bem e mal, bem e mal, incluindo a ética inerente e o eu desapegado, são todos desconstruídos no papel de Cruila, e os múltiplos encantos de Cruella também são apagados dele. Triunfo da ambição Além da inovação, a personagem de Cruella destaca, na verdade, um espírito individual que beira a era atual, ou seja, a defesa da ambição. Da mesma forma, o filme também completa essa construção espiritual através das duas personalidades Estella e Cruella. A primeira mostra o dilema da ambição na realidade sombria, enquanto a última mostra a vitória para além de todas as restrições externas, como a ética e a moralidade. Estella é ambiciosa e prefere a ascensão do caminho das pessoas comuns.Ela lutou contra a opressão desde criança, mas acabou sendo expulsa e teve dificuldade para se libertar das restrições do sistema; Depois de ingressar em sua empresa ideal, ele foi repetidamente desprezado, … Ler mais

Godzilla 2: Rei dos Monstros | Este ainda é o mesmo monstro de 65 anos atrás?

março 7, 2024 Por maria

O monstro gigante “Godzilla”, popular em todo o mundo há meio século, foi refeito pela American Legendary Pictures. Naquela época, o filme alcançou grande sucesso comercial com seus majestosos efeitos especiais. “Godzilla 2” está de volta. Será que conseguirá continuar seu sucesso? Baixe o youcine e assista a versão completa. Tomoyuki Tanaka: A tragédia da bomba nuclear do Japão Em “Godzilla 2: Rei dos Monstros“, os humanos sabiam que Godzilla poderia equilibrar o ambiente ecológico da Terra e garantir a ordem da cadeia alimentar. Ao enfrentar o chefe final, a “criatura alienígena” Ghidorah, eles decidiram unir forças com Godzilla. . Em última análise, a estabilidade ecológica foi mantida e a Terra foi salva. Neste filme, Godzilla se tornou o “padroeiro” da terra e da humanidade. Na verdade, a imagem original de Godzilla, que nasceu durante a Guerra Fria, não era assim. Na visão do produtor Tomoyuki Tanaka, “Godzilla” é uma “combinação de gorila e baleia” – esse enorme monstro tem cinquenta metros de altura e pesa 40 mil toneladas. Seu “nirvana” – Respiração Atômica é uma chama radiante azul-avermelhada que pode destruir todos os objetos à sua frente. A respiração atômica do primeiro Godzilla O que é muito sugestivo é que a textura semelhante a um arranhão na jaqueta de couro de Godzilla foi inspirada nas cicatrizes dos sobreviventes do bombardeio nuclear de Hiroshima; Godzilla vive em uma área marítima contaminada pela radiação nuclear. O poder destrutivo das armas nucleares é uma manifestação externa de o enorme poder das armas nucleares e simboliza os danos causados pelas armas nucleares aos japoneses. O medo e a preocupação do povo japonês com o poder destrutivo das armas nucleares, bem como o trauma e o desamparo após ser atacado por armas nucleares, e várias emoções levaram ao nascimento de Godzilla. Portanto, nos primeiros trabalhos da série “Godzilla”, esse monstro destrutivo sempre apareceu como o vilão do “inimigo da humanidade”. Mas os filmes são, em última análise, um produto da superestrutura socioeconómica. O primeiro “Godzilla” alcançou grande sucesso comercial. Depois que seu antigo empregador, Toho, provou os benefícios, começou a tentar incorporar coisas populares e temas quentes da sociedade no filme. Tais decisões também mudaram indiretamente a “persona” de Godzilla na tela. Após a década de 1970, a popularidade das televisões domésticas teve um impacto significativo nas bilheterias de filmes. Além disso, à medida que a energia atômica começou a desempenhar um papel cada vez mais importante no renascimento do Japão no pós-guerra, o medo das pessoas em relação à energia atômica desapareceu gradualmente. , o medo das pessoas em relação à energia nuclear A mentalidade mudou de “resistência” para “exploração”. A mudança de conceito se reflete em Godzilla: Godzilla, que simboliza o poder destrutivo das armas nucleares, passou por mudanças nas obras após a década de 1970 – de “Rei da Destruição” a “Deus Guardião” da Terra. derrotar monstros do mal. Hollywood: ídolos americanos abençoados com efeitos especiais Este famoso monstro IP viajou através do oceano e veio para o Ocidente. O diretor Roland Emmerich, que dirigiu sucessos de bilheteria como “Independence Day”, comandou esta fera gigante. No entanto, como a adaptação do roteiro foi muito difícil, ele e seu irmão A mudança dramática na imagem de Silla resultou no fracasso do filme tanto em termos de reputação quanto de bilheteria. “Godzilla”, que já carregou a memória marcada da nação japonesa após a Segunda Guerra Mundial, foi polido pela indústria cinematográfica de Hollywood e pela tecnologia de efeitos especiais de computador e formou um nítido contraste com as capas de couro surradas do antigo “Godzilla” série de filmes. Ele completou um grande salto em termos de efeitos visuais, mas a conotação espiritual central original de “Godzilla” de “do medo da nova energia à coexistência com a nova energia” foi gradualmente diluída na cultura do entretenimento contemporânea com a transformação de Hollywood, e só havia pipoca espalhada pelo chão. Em 2014, Legendary Pictures e Warner Bros. Pictures uniram forças para abrir um novo capítulo na série de filmes “Godzilla”. Comparado com a versão de 1998, o nível de efeitos especiais deste filme surpreendeu o público. Com a bênção da tecnologia de efeitos especiais de próxima geração, “Godzilla 2” ainda tem um forte impacto na tela e uma impressionante visão de monstro. Godzilla, que surgiu do trauma da guerra japonesa, renasceu através da indústria cinematográfica de Hollywood e, nesse processo, seu significado simbólico foi eliminado pelos valores americanos. Quatro feras gigantes competem para ser o “Rei dos Monstros” em “Godzilla 2” É inegável que a representação dos quatro monstros em “Godzilla 2” é extremamente chocante. Cada um deles tem características próprias, podendo até ser dito que têm personalidades distintas. Algumas pessoas elogiaram o filme em termos extremamente lindos: “Godzilla é majestoso . É como se um deus descesse do céu; Mothra é colorida e extremamente bela. Assim como uma grande borboleta, pode ser chamada de a mais notável obra-prima da natureza. Ghidorah, o personagem monstro rebelde, é legal e dominador, com raios gravitacionais estrondosos; Rodon é majestoso de todas as direções, girando no ar e invencível, como uma roca abrindo suas asas. Alguns são chocantes, alguns são lindos, alguns são maus e alguns são justos.Todos os quatro monstros têm características muito distintas. As cenas de ação são devastadoras, os efeitos visuais estão no auge e a trilha sonora é emocionante. Cada quadro é épico. ”Isso pode falar aos sentimentos de muitos fãs de monstros! Com a ajuda da tecnologia avançada de efeitos especiais de cinema e televisão de hoje, os monstros viajaram entre arranha-céus, exibindo seus poderes mágicos, fazendo com que as montanhas desabassem e a terra caísse na escuridão. Foi extremamente chocante. Comparado com isso, quão pequenos e impotentes são os seres humanos. Essas emoções intuitivas ecoam o primeiro “Godzilla”. Este filme ainda tenta se conectar com o conceito central que a série “Godzilla” sempre enfatizou: “Quando a civilização tecnológica se desenvolve rapidamente e os desejos se expandem, a natureza irá contra-atacar e retaliar contra os humanos”. e bruto., várias falhas nos detalhes … Ler mais

The Mechanic: o durão de ação de Jason Statham, um livro sobre treinamento profissional para um assassino

março 6, 2024 Por maria

O filme “The Mechanic” é uma história complexa que combina matança e redenção, identidade e justiça. No filme, o protagonista Arthur Maury é um assassino que vive uma vida secreta e solitária, mas sua vida começa a mudar após conhecer a filha do alvo, Anna, durante uma missão. Baixe o youcine e assista ao filme completo. Identidade e conceito de justiça de Arthur O protagonista do filme “The Mechanic” é Arthur Maury, um assassino eficiente e calmo que vive uma vida secreta e solitária. No início do filme, Arthur é um assassino aparentemente de sangue frio. Ele executa várias tarefas sem hesitação de acordo com as necessidades de seus clientes. Seja assassinato, sequestro ou outras tarefas perigosas, ele pode concluí-las com facilidade. Ele viveu uma vida solitária, sem família ou amigos, e parecia não ter flutuações emocionais. A vida de Arthur começa a mudar após conhecer Anna, filha do alvo da missão. A bondade e a inocência de Anna tocaram o coração de Arthur, fazendo-o questionar sua identidade e carreira. Arthur começa a refletir sobre sua trajetória de vida e se deve continuar seguindo esse caminho sombrio de assassino. Inspirado por Anna, aos poucos ele entrou em contato com o conceito de justiça e começou a perceber que matar não era a única saída e que poderia haver uma possibilidade de redenção. A identidade de Arthur também se torna parte de sua luta interior Ele vive escondendo sua identidade e, mesmo quando se dá bem com Anna, esconde dela sua verdadeira identidade. Esse esconderijo fez com que ele se sentisse solitário e contraditório em seu coração. Ele ansiava por se livrar de sua identidade de assassino e encontrar um caminho para a justiça e a redenção. No filme, as ações de Arthur entram em conflito com seu conceito de justiça. No decorrer da sua missão, ele deve fazer escolhas morais e éticas sobre se deve continuar a matar ou encontrar outras formas de resolver o problema. Sua hesitação em matar e sua luta interior tornam seu personagem complexo e rico, ao mesmo tempo que fazem o público pensar sobre questões de justiça e moralidade. Ao longo da história, Arthur continua explorando e buscando, tentando encontrar um equilíbrio. Ele quer escapar do dilema de sua identidade e ao mesmo tempo luta pela redenção. Através da comunicação e do contato com Anna, Arthur gradualmente realizou seus verdadeiros desejos interiores e começou a enfrentar seus próprios desafios com bravura, tentando encontrar o caminho para a liberdade e a justiça. O filme “The Mechanic” apresenta um personagem cheio de complexidade e desafios através da exploração da identidade e do conceito de justiça do protagonista Arthur. No caminho para buscar a redenção, Arthur explora constantemente seus verdadeiros desejos interiores, mostrando um profundo processo de crescimento e luta. Através da criação desta personagem, o filme desperta o pensamento e a reflexão do público sobre justiça, redenção e identidade. O conflito entre matar e redenção O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino profissional. O protagonista, Arthur Maury, é um assassino implacável que aceita uma missão mercenária para completar missões de assassinato. Porém, durante uma missão, ele conheceu o filho de uma das vítimas, chamado Steve. O pai de Steve é morto pelas mãos de Arthur e Steve busca vingança. No entanto, sob a perseguição de Steve, ele gradualmente descobriu os segredos do passado de Arthur e descobriu seu coração complicado escondido por trás de sua identidade como assassino. Arthur está em conflito entre matar e redenção e começa a refletir sobre suas ações e a tentar compensar seus erros do passado. “The Machinist” é um filme emocionante que não apenas traz ao público cenas de ação emocionantes e tensas, mas também desperta o pensamento das pessoas sobre a moralidade e a natureza humana. Através da história do protagonista Arthur, o filme nos transmite uma mensagem profunda de que existe luz e trevas na natureza humana, e cada um de nós tem a oportunidade de escolher mudar a si mesmo e buscar a redenção e a salvação. A relação entre Arthur e Anna No filme “The Mechanic”, a relação entre o protagonista Arthur Maury e Anna é uma das tramas importantes do filme e um fator importante que afeta o rumo da vida de Arthur. O encontro entre Arthur e Anna foi um acontecimento acidental. Anna era um dos alvos de Arthur, mas durante a missão Arthur se interessou pela garota. Ele percebeu a bondade e a inocência de Anna, bem como seu amor e anseio pela vida. Arthur nunca teve um vínculo afetivo com ninguém, mas a presença de Anna cria um sentimento único nele. Com o contato com Anna, Arthur aos poucos abriu seu coração e começou a mostrar um lado diferente do assassino frio. Ele está disposto a acompanhar Anna e protegê-la de ameaças, ao mesmo tempo que demonstra carinho e carinho por ela. A inocência e a bondade de Anna contagiaram Arthur, o que gradualmente o colocou em contato com a busca pela justiça, a reflexão e a luta sobre sua própria identidade. À medida que o filme avança, os sentimentos de Arthur por Anna se aprofundam gradualmente, e ele começa a ter sentimentos reais por ela, não apenas um objetivo missionário. As emoções e lutas internas de Arthur o fizeram duvidar de sua identidade como assassino. Ele tentou escapar deste mundo frio e encontrar seu verdadeiro eu. O filme “The Mechanic” apresenta as complexas emoções e o processo de crescimento de um assassino através do relacionamento entre Arthur e Anna. As emoções e interações entre eles demonstram a profunda caracterização e desenvolvimento do enredo do filme. O aparecimento de Anna fez Arthur começar a pensar e buscar seu verdadeiro eu, ao mesmo tempo que lhe mostrou o poder do carinho e do amor. O desenvolvimento do enredo da história e o tema profundo do filme O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino cruel chamado Arthur Maury (interpretado por Jason Statham). O filme … Ler mais

Elementos de sucesso recomendados para 2024 do clássico filme de ação de ficção científica Rampage

março 5, 2024 Por maria

Rampage é um filme de ação e ficção científica lançado em 2018, adaptado do videogame de mesmo nome. Esta crítica cinematográfica analisará o filme sob vários aspectos: estrutura do enredo, criação de personagens, técnica de direção, tema e significado simbólico, bem como impacto e avaliação. Baixe o youcine e assista diretamente aos maravilhosos filmes originais. O enredo de Rampage é tenso e envolvente A história começa com um acidente no laboratório de uma empresa química chamada Energyne. Este acidente resultou na liberação de um vírus geneticamente modificado que afetou três animais: George (um orangotango), Ralph (um lobo cinzento) e Alfred (um crocodilo). Como resultado do vírus, George, Ralph e Alfred passaram por grandes mudanças físicas e tornaram-se extremamente agressivos. Eles começaram a causar estragos na cidade, causando grande destruição e ameaças. O protagonista David Okali é um soldado aposentado que tem uma profunda amizade com George. Ao perceber que George se tornou anormal, ele pede a ajuda de Caitlin, uma ativista e cientista. Eles percebem que devem parar a violência dessas feras gigantes e evitar mais destruição. David e Caitlin começam a formar uma pequena equipe enquanto tentam rastrear e controlar esses gigantes. No processo de busca por uma solução, descobriram a verdadeira intenção da Energy Dynamics, que era utilizar esses animais mutantes para desenvolver armas militares. À medida que a trama se desenvolve, um confronto feroz se desenvolve entre George, Ralph e Alfred. Entre eles, George foi transformado pela Energy Power Company em uma criatura mais feroz e se tornou a principal ameaça. No final, David e Caitlin conseguiram impedir a conspiração da Energy Dynamics e libertar George de seu controle. No entanto, durante a batalha final na cidade, ainda houve destruição violenta e caos. Eventualmente, David se juntou a George para derrotar Ralph e Alfred. O filme traz algumas surpresas para o público no final, dando a entender que pode haver mais gigantes por aí. David e Caitlin decidiram continuar a trabalhar juntos para garantir que estas ameaças fossem eficazmente contidas.Através da disposição da estrutura de enredo acima, o filme é compacto e cheio de tensão, permitindo ao público acompanhar o desenvolvimento da história com total atenção e vivenciar o clima tenso e emocionante do clímax. construção de papéis – Rampage Os personagens do filme têm personalidades distintas e são criados com bastante sucesso. David Okali é um soldado aposentado e melhor amigo de George, o orangotango, cuja perseverança e integridade ressoam no público. Caitlin é uma ativista com profundo conhecimento científico e propósito feroz, e forma uma parceria poderosa com David. Além disso, como um dos personagens importantes do filme, o orangotango George não só tem um lado espirituoso e bem-humorado, mas também transmite o calor da amizade sincera através de seu vínculo afetivo com David. Abordagem do diretor O diretor Brad Peyton usa uma variedade de técnicas para adicionar impacto visual ao filme. Ele habilmente usa planos gerais para mostrar enormes cenas urbanas, mostrando o efeito chocante de arranha-céus sendo destruídos por feras gigantes. Ao mesmo tempo, a edição rápida e os movimentos dinâmicos da câmera criam uma atmosfera tensa e emocionante. Além disso, Payton também incorporou alguns elementos humorísticos e usou de forma flexível a tecnologia de efeitos especiais CG para tornar a imagem da fera gigante mais realista e credível, aumentando a sensação de imersão do público. Tema e Simbolismo “Rampage” explora a relação entre o homem e a natureza e o impacto negativo do desenvolvimento tecnológico, tanto temática como simbolicamente. A relação entre o homem e a natureza: No filme, o aparecimento de feras gigantes é resultado da intervenção humana no ambiente natural. As empresas de energia e energia conduzem experiências genéticas motivadas pela busca de lucro e poder, ignorando o equilíbrio e as leis da natureza. Essa interferência humana desencadeia mutações nos animais, fazendo com que se tornem violentos e representem uma ameaça aos humanos. Este enredo implica que os humanos devem respeitar a natureza, reconhecer a sua interdependência com a natureza e estar conscientes da importância da protecção ambiental. Impactos negativos do desenvolvimento tecnológico: O filme revela os desafios e perigos que o desenvolvimento tecnológico trouxe até certo ponto ao ser humano. A Energy Power Corporation usa a ciência e a tecnologia para maus propósitos, tentando desenvolver armas biológicas ofensivas. Isto implica que a tecnologia nas mãos erradas pode levar a consequências catastróficas, tal como o uso indevido da tecnologia pode ter consequências devastadoras. O vídeo nos lembra de usar a tecnologia corretamente para evitar os danos causados pelo uso indevido e pela perda de controle. O poder da amizade e da cooperação: No filme, a amizade entre os protagonistas David e George é um tema importante. Um vínculo emocional especial se desenvolve entre eles, permitindo que David se comunique com George e procure ajuda. Esta amizade simboliza as possíveis ligações entre humanos e animais, ao mesmo tempo que realça a importância da cooperação e do trabalho em equipa na resolução de problemas. Proteção ambiental e conscientização de responsabilidade: Ao mostrar a destruição e as ameaças causadas por feras gigantes, o filme convida o público a pensar na proteção ambiental e no equilíbrio ecológico. A violência das feras gigantes lembra-nos a nossa responsabilidade no tratamento dos recursos naturais e do ambiente ecológico, bem como as nossas obrigações para com as gerações futuras. O filme transmite a importância de proteger o meio ambiente, proteger a biodiversidade e evitar danos aos ecossistemas. No geral, “Rampage” provoca o público a pensar sobre a relação entre o homem e a natureza através da exploração de temas e significados simbólicos, e lembra-nos das nossas responsabilidades e ações no desenvolvimento tecnológico e na proteção ambiental. Este tratamento temático aprofundado confere ao filme mais significado e valor. Impacto e Avaliação “Rampage” possui as seguintes características em termos de impacto e avaliação: Apelo do público: O filme atraiu a atenção de um grande público através da maravilhosa apresentação de efeitos visuais e emocionantes cenas de ação. A apresentação do gigante é impressionante e chocante. Para o público que … Ler mais

Dune 2: Cenas de guerra como nunca antes

março 5, 2024 Por maria

Inovação e profundidade nas cenas de guerra O filme Dune 2 é, sem dúvida, um banquete para os olhos, com suas cenas de guerra nunca antes vistas, o espetáculo de criaturas gigantes, como os Behemoth Sandworms, e a mistura dupla de forças tecnológicas, físicas, metafísicas e místicas. O diretor Denis Villeneuve usa habilmente esses elementos para dar vida ao mundo do romance homônimo de Herbert. Assista ao filme 2024 no YouCine! O YouCine tem uma enorme quantidade de recursos de filmes e transmissão de futebol ao vivo! Em primeiro lugar, vamos falar sobre as cenas de guerra em Dune 2. Ao contrário das cenas de guerra tradicionais, a guerra nesse filme tem mais a ver com estratégia, engenhosidade e luta por recursos. A guerra não é mais um simples duelo de forças, mas uma batalha abrangente que incorpora tecnologia, física, metafísica e forças místicas. Esse cenário torna as cenas de guerra mais complexas, mais profundas e mais ornamentais. No filme, podemos ver o uso de várias armas e equipamentos de alta tecnologia, como dispositivos voadores, armas de energia, etc., que mostram o progresso da tecnologia humana. Os efeitos visuais de Dune 2 e o espetáculo de objetos gigantes Entretanto, lutando contra essas armas de alta tecnologia estão as forças gigantes da natureza – os vermes da areia. Os vermes da areia são os gigantes do mundo de Duna, são enormes e poderosos e podem até mudar o terreno. A aparição dos vermes da areia torna as cenas de guerra ainda mais emocionantes e dá ao público uma compreensão mais profunda do poder da natureza. Além das cenas de guerra, as maravilhas dos gigantes no filme também são uma grande atração. O verme-sandworm gigante é um deles. Os vermes da areia não são apenas enormes, mas também possuem grande vitalidade e poder destrutivo. Eles vagam livremente pelo mundo das dunas, às vezes mergulhando sob a areia, às vezes saindo do solo, trazendo vitalidade e vigor infinitos para todo o mundo das dunas. A presença dos vermes da areia não apenas enriquece o efeito visual do filme, mas também dá ao público um senso mais profundo do mistério e do poder da natureza. É claro que a tecnologia, a física, a metafísica e o poder misterioso também são elementos indispensáveis no filme. A fusão desses elementos traz ao filme uma atmosfera de duplo caos. Por um lado, os seres humanos usam armas e equipamentos de alta tecnologia para tentar controlar todo o mundo de Dune; por outro lado, as forças misteriosas da natureza e os elementos metafísicos também estão constantemente desafiando o domínio dos seres humanos. Esse cenário de duplo combate torna o filme ainda mais intrigante e enche o público de curiosidade e desejo de explorar o mundo desconhecido. Os elementos tecnológicos e físicos do filme Dune nos apresentam um mundo futurista e tecnológico de Dune. O uso de equipamentos de alta tecnologia, como dispositivos voadores, armas de energia, tecnologia de escudo, etc., não só torna as cenas de guerra mais chocantes, mas também deixa o público cheio de expectativas em relação ao futuro mundo da tecnologia. Enquanto isso, os elementos físicos do filme Dune também merecem ser mencionados. O aparecimento e as ações dos vermes da areia não só mudam o terreno, mas também o equilíbrio ecológico de todo o mundo de Duna. Esse uso de elementos físicos torna o filme mais próximo da natureza e dá ao público uma compreensão mais profunda das leis e forças da natureza. A exploração artística do diretor Os elementos de poderes metafísicos e místicos no filme dão um toque de mistério e fantasia ao filme. No filme, podemos ver vários poderes e elementos misteriosos, como a previsão do futuro, o controle de criaturas e a manipulação de elementos. A existência desses poderes misteriosos não apenas enriquece o enredo e a caracterização do filme, mas também acrescenta um toque de mistério e fantasia ao filme. A fusão desses elementos com elementos tecnológicos e físicos torna o filme mais diversificado e enriquecido, além de fazer o público pensar sobre a relação entre os seres humanos e o mundo natural, a tecnologia e os poderes misteriosos enquanto desfruta do banquete visual. De modo geral, Dune 2 é um banquete visual, com suas cenas de guerra nunca antes vistas, as maravilhas de criaturas gigantescas, como os colossos e os vermes da areia, bem como a dupla mistura de forças tecnológicas, físicas, metafísicas e místicas, que trazem uma experiência chocante para o público. O filme Dune não apenas mostra o mundo do romance homônimo de Herbert, mas também permite que os espectadores desfrutem de um banquete visual enquanto contemplam a relação entre a humanidade e o mundo natural, a tecnologia e as forças místicas. Para quem gosta de ficção científica, aventura e temas de guerra, Dune 2 é, sem dúvida, uma obra-prima imperdível.

A juventude nunca acaba – “Your name”

março 2, 2024 Por maria

Já se passaram 7 anos desde que “Your Name” foi lançado, mas Makoto Shinkai ainda não fez um novo anime que possa superar seu próprio pico. Isso também pode ser visto que “Your Name” é suficiente para ser considerado o melhor em tal uma série. Uma das obras. Baixe o youcine e assista ao filme original! Talvez não tenha causado grande tristeza e pesar no coração do público, mas trouxe juventude, choque e emoção para inúmeras pessoas. Vamos dar uma olhada na desconhecida história dos bastidores de “Your name”. Makoto Shinkai fala sobre a criação de “Your Name” Os leitores devem estar familiarizados com Supervisão de Makoto Shinkai. Anitama também apresentou os antecedentes e trabalhos anteriores de Makoto Shinkai em artigos anteriores. Os leitores que perderam podem querer consultá-los. Porém, para apresentar a formação criativa de “Your name”, ainda precisamos seguir Xinhai e fazer uma breve revisão de seus trabalhos anteriores. Makoto Shinkai, que ficou famoso por sua produção independente de animação, não tem experiência em estudar em uma produtora de animação e desde sua estreia vem criando obras baseadas em seus próprios sentimentos. Porém, esta técnica atingiu seu limite em “Cinco Centímetros por Segundo”. Para encontrar um novo caminho, o diretor Shinkai aprendeu as técnicas de criação de histórias e adicionou elementos de drama de aventura em “Children Chasing Stars”. No entanto, embora o Diretor Shinkai se sinta bem consigo mesmo, as respostas recebidas por “Children Chasing Stars” foram em sua maioria negativas. Supervisor Xinhai que passou por contratempos Prestando mais atenção ao enredo, “O Jardim das Palavras” foi cuidadosamente produzido com duração condensada em 46 minutos. Graças à nova versão deste trabalho e aos comerciais animados que produziu para Z Club, Daesung Construction e outras empresas, o diretor Shinkai finalmente ganhou confiança para criar histórias e, em julho de 2014, fundou uma agência de planejamento, que é hoje o grande sucesso. O sucesso “Your name”. O diretor Shinkai, que queria criar uma história sobre a adolescência, pensou em muitos elementos, como os cometas. Outra influência que “Jardim das Palavras” trouxe para ele é que ele está mais inclinado a se referir a obras-primas clássicas. Então o Supervisor Shinkai procurou inspiração no waka e, depois de folheá-lo, viu um waka escrito por Ono Komachi: “Pensar nisso por muito tempo acabará por levar a um sono profundo, e o pensamento entrará no sonho. Se eu soubesse que era um sonho, não teria acordado.” Embora o roteiro tenha sido revisado diversas vezes, o enredo nunca mudou muito desde o primeiro rascunho. Especialmente o final da história foi decidido já no início. O supervisor Xinhai disse que, além desse final, ele não queria fazer nada. Posicionamento do Supervisor Xinhai de “Your name” É um filme puramente de entretenimento. Embora o problema da comunicação entre meninas adolescentes e pessoas que esqueceram sua ignorância das emoções naquela época sempre tenha sido o tema do Supervisor Shinkai, ele não desistirá desse tema. Mas enquanto esse tema não for comprometido, ele pode perseguir plenamente a criação de um filme que irá entreter o público. Entre eles, é um trabalho impecável, um trabalho que não deixou o público entediado por um único minuto nos 107 minutos de duração e serviu ao espírito de serviço para a extensão máxima. Embora muitas pessoas pensem que o Diretor Shinkai sempre soube apenas criar as animações que queria, esta não é a situação real. O diretor Shinkai certamente tem a mentalidade de satisfazer seus próprios desejos criativos, mas desde seu primeiro trabalho teatral “Voice of the Stars”, ele sempre teve a motivação de transmiti-lo a outras pessoas. Cada vez que faz um novo trabalho, ele tenta ao máximo simular a percepção do público em sua mente e no papel: O público vai se sentir entediado? Você ainda pode estar interessado em continuar assistindo, mesmo que não consiga entender o que está acontecendo à sua frente? Após o lançamento de cada trabalho, ele refletirá sobre suas deficiências nesse aspecto. Por exemplo, após o lançamento de “5 Centimeters per Second”, embora algumas pessoas tenham se sentido confortadas depois de assisti-lo, outras disseram que foram duramente atingidas e não iriam assistir uma segunda vez. Esta animação também é conhecida como “filme deprimente”. Certamente é bom que o trabalho possa trazer um toque tão forte às pessoas, mas o Supervisor Xinhai ainda quer transmitir uma mensagem mais ascendente ao público. nos últimos 14 anos A Supervisão Xinhai tem sido constantemente baseada em tentativa e erro. Durante a produção de “Children Chasing Stars” e “The Garden of Words”, ele pedia opiniões de pessoas ao seu redor sobre os roteiros todas as semanas. E “Your Name” fez um trabalho mais minucioso nesse quesito devido à participação de Genki Kawamura, um produtor bastante independente. O supervisor Xinhai e a equipe de produção passaram meio ano reunidos para discutir e revisar o roteiro. Isso fez com que o Supervisor Xinhai sentisse que embora sua essência não tivesse mudado, ele finalmente havia alcançado um objetivo que nunca havia sido alcançado antes. “Your name” é um filme para o público. Desde o início, o Supervisor Shinkai criou conscientemente para públicos que nunca ouviram falar dele. Portanto, ele não considerou se suas técnicas haviam sido utilizadas em filmes anteriores, e dedicou todas as suas melhores habilidades a “Your name”. Ao mesmo tempo, a animação também utiliza técnicas de expressão que o Supervisor Shinkai nunca experimentou. Por exemplo, a sequência de abertura onde os personagens aparecem e posam um após o outro é uma delas. O supervisor Shinkai acredita que aos olhos dos amantes do cinema hardcore, este trabalho é muito difícil em termos de música e ritmo do enredo, e a música tema é cantada por uma banda de rock popular como RADWIMPS, por isso pode não receber muitos elogios. No entanto, ele não hesitou em desistir desses fãs principais e quis conquistar um público mais amplo. Por isso, em “Your name”, o Supervisor Shinkai se esforça para proporcionar o frescor, o excesso e a correria que todo mundo adora. Nesse … Ler mais

Baahubali 2: Um filme com classificações tão altas realmente faz jus à sua reputação?

março 1, 2024 Por maria

“Baahubali 2: The Conclusão” é dirigido por SS Rajamouli, escrito por Vijayendra Prasad e estrelado por Prabhas, Ramya Krishnan, Rana Daggubati, Anu Um filme de guerra indiano estrelado por Shukar Shetty e Sesyaraj. Baixe o youcine e assista ao filme original. O filme recebeu grande aclamação após seu lançamento na Índia no ano passado. Arrecadou um total de 1,7 bilhão de yuans em bilheteria global, quebrando vários recordes de bilheteria e se tornando um dos filmes de maior bilheteria da história do cinema indiano. excelentes valores Pode-se perceber no filme que tudo o que os criadores desejam expressar são coisas positivas, como bravura, justiça, felicidade, como pessoas boas obtendo bons resultados, pessoas más recebendo más retribuições, etc. Portanto, pode-se dizer que o personagem “Baahubali” é um personagem representativo dos filmes indianos que o criador deseja exibir. Ele pode representar um pequeno grupo de pessoas ou um tipo de pessoas em todo o país da Índia., pode até mesmo pode-se dizer que ele é na verdade uma expressão do anseio de todo o índio por uma vida melhor. Imaginação desenfreada As cenas de guerra e luta do filme estão repletas de todos os tipos de ideias imaginativas e o efeito de visualização é realmente agradável. Por exemplo, quando os bárbaros invadiram, Baahubali dirigiu sozinho a formação do touro de fogo e também usou o poder do gado para abrir o portão do reservatório e lavar o inimigo; por exemplo, o belo barco cisne navegando no mar de nuvens , cada quadro pode ser usado como papel de parede; Por exemplo, quando o príncipe retorna para se vingar, de frente para o imponente portão da cidade, eles usam a elasticidade da árvore para pisar na árvore e girar 360 graus, e são possuídos por sua armadura e escudo e são jogados na cidade do palácio pelo árvore. O design dessas cenas adiciona uma forte cor de fantasia oriental a todo o filme. Dedicação do ator Prabhas, o ator que interpreta Baahubali, não filma nenhum outro filme há quatro anos para este filme e também está se mantendo em forma para este filme. Esse tipo de profissionalismo quase o tornou um ator da vida real em Hyderabad. herói. Quem já se exercitou sabe como é difícil ganhar músculos e manter a forma. Por trás dos quatro anos de manutenção da forma, podemos ver o trabalho árduo que os atores fizeram para o filme. Por causa disso, podemos apreciar aquelas cenas de luta poderosas. Excelente produção O filme tem cenas lindas, e duas cenas clássicas são imperdíveis: Uma é o canto e a dança do barco cisne. Embora sempre me lembre da dança estranha no final de “Kung Fu Yoga”, essa dança é combinada com efeitos especiais requintados.A cena dos protagonistas masculinos e femininos dançando nas nuvens é realmente adequada como papel de parede. Uma é a cena final da luta entre tio e sobrinho. Os dois tiraram a armadura para revelar seus músculos fortes. Eles mostraram a beleza da força bruta no martelo e no punho de ferro, e suas poses de luta também eram muito vistosas. Muitas reclamações-Baahubali Algumas cenas que não podem ser explicadas por mitos Por exemplo, o cabelo do protagonista masculino está sempre voando. Essa estética de virar o cabelo e parecer descolado era comum nos filmes da década de 1990, mas o público de hoje não aceita essa ideia. Por exemplo, todo mundo parece ter olhos na nuca. Ao ser sitiada, a heroína chutou o ladrão que estava na sua frente em um segundo, e no segundo seguinte ela levantou a mão e brandiu a espada para bloquear o ataque por trás (sem sequer se preocupar em olhar para trás); após o herói atirar flecha para repelir o inimigo à sua frente, ele não hesitou em atacá-lo. Três flechas foram disparadas atrás dele, matando três deles. Até o tio Kattappa havia adquirido essa habilidade. Baahubali chamou o tio e levantou a mão para pegar a espada que vinha dele sem sequer olhar. Por exemplo, quando Baahubali derrubou uma grande árvore com sua espada e derrubou todos os bandidos, apenas o tio Kattappa ficou parado no meio da árvore, são e salvo. Por exemplo, ao acompanhar o primo da princesa para atirar em javalis, por melhores que fossem as habilidades de tiro com arco de seu primo, Baahubali poderia calibrá-lo com apenas um toque de sua mão atrás dele? Você também consegue prever a direção da flecha que atinge o oponente e atinge o javali? Por exemplo, o portão do reservatório pode ser facilmente aberto com a ajuda do poder de duas vacas. Acontece que a construção do tofu existia nos tempos antigos. Por exemplo, para escoltar a rainha-mãe para fora do palácio, Khakipa desmontou todo o portão como uma barreira e bloqueou sozinha todos os guardas. Posso aceitar que o protagonista masculino nasça com poderes sobrenaturais, mas que diabos é aquele velho Khakipa que de repente se parece com o Popeye que comia espinafre? Senti profundamente que minha inteligência estava sendo derrubada e devastada pelo diretor. E quando vi Baahubali voando por trás da princesa e atirando três flechas em uma saraivada, além de uma mistura de seis flechas perfurando o coração e várias poses, finalmente soltei um uivo desesperado involuntariamente. Lacunas lógicas que colocam a carroça na frente dos bois Algumas pessoas dizem que isso é um conto de fadas, então não se enrede muito. Mas não importa qual seja a história, ela deve ter lógica e racionalidade básicas, e o resultado deve ser deduzido com base nas condições. Mas neste filme, trata-se mais de atingir um determinado objetivo e, assim, reverter o processo para torná-lo forçosamente razoável. Por exemplo, a princesa Devasana deve caminhar três vezes ao redor da estátua de Shiva com um braseiro na cabeça e os pés descalços. O segredo é não parar. Então o vilão queimou a única ponte no caminho a seguir. Para permitir que a princesa avançasse sem problemas, o roteirista pediu ao tio e ao sobrinho que estavam … Ler mais

O Capitão América também merece ser chamado de herói?

fevereiro 28, 2024 Por maria

Sempre gostei da Marvel, mas os únicos filmes da Marvel que Luoxue realmente consegue lembrar do fundo do coração são a versão de Tobey da trilogia “Homem-Aranha” e “Capitão América: Guerra Civil” no atual Universo Cinematográfico da Marvel. Baixe o youcine, mergulhe no filme e assista a história completa. No Universo Cinematográfico Marvel de hoje, este filme não é aquele com maior audiência ou maior bilheteria, mas é o favorito de Luo Xue. Porque pela primeira vez, este filme tira o casaco justo e brilhante do Capitão América, deixando apenas a hipocrisia, o egoísmo e a falta de vergonha. Além do mais, este filme é a primeira e única vez em todo o universo Marvel que começa a explorar a questão da supervisão do poder e a examinar todos os comportamentos dos super-heróis da perspectiva das pessoas comuns. Pode-se dizer que “Capitão América 3” é o filme mais instigante de todo o Universo Cinematográfico Marvel, mas também é o filme mais irritante. Porque a ideologia Juche de um determinado país mostrada através do Capitão América no filme é realmente nojenta. Há dois dias, escrevi um tweet por capricho sobre como a maioria dos heróis do Universo Cinematográfico Marvel não são dignos de serem chamados de heróis. O resultado foi uma forte discussão. Algumas pessoas justificaram e outras defenderam. Eu sou Estou muito feliz por ter essa discussão, mas também fico triste por algumas pessoas que só sabem amaldiçoar, então hoje falarei sobre “Capitão América: Guerra Civil” e vamos descobrir a hipocrisia e o egoísmo sob o manto justo do Capitão América. Ele é tão nojento, tão fisicamente desconfortável! A tristeza das pessoas comuns Quando o Batman quis destruir o Superman, Luo Xue não entendeu muito bem na época, afinal, o Superman também estava lutando pelas pessoas comuns. Mas olhando para trás agora, você descobrirá que todos se colocam na perspectiva dos heróis, mas alguém já pensou na tristeza das pessoas comuns? Em um mundo de super-heróis, as pessoas comuns são apenas uma série de números, apenas uma ferramenta para os heróis alcançarem a fama.Quem pode ver o problema da perspectiva das pessoas comuns? As pessoas que perderam a vida na batalha de Nova York em “Vingadores 1”, bem como as pessoas comuns afetadas em “Capitão América 2”, as pessoas que perderam a vida em “Vingadores 2” e as pessoas que perderam a vida em “Capitão América 3” Alguém se importa com aqueles que morreram acidentalmente durante a captura de Hydra? Não! Eles são apenas um monte de números, e são apenas pessoas que o Capitão América diz que não deveriam estar muito enredadas para salvar melhor as pessoas da próxima vez. Então, o que os super-heróis estão salvando? Quem decide quem merece ser sacrificado? A negra do início de “Capitão América 3” disse: “Você acha que está lutando por nós? Você só está lutando por si mesmo. Quem pode vir vingar meu filho?” Super-heróis criam problemas, eliminam problemas e, finalmente, tornam-se heróis e chamam a atenção do público, mas o que as pessoas comuns ganham com essa farsa? Depois de ficarem assustados, sofrerem perdas e perderem familiares, as pessoas comuns não ganharam nada, e até perderam tudo por causa disso, mas no final conseguiram o instigador. Não é irônico? Em “Homem de Ferro 1”, “Homem de Ferro 3” e “Vingadores 2”, Tony criou três grandes vilões sozinho. No final, ele destruiu os vilões e se tornou um herói. Mas e as pessoas comuns? Alguém já pensou em sua perda? Não! Porque ainda estão satisfeitos por terem salvado o mundo e também torcem por se tornarem heróis nacionais. Somente as pessoas feridas estão imersas em uma dor sem fim. Quando a tragédia não se abateu sobre eles, o Capitão América confortou a autoculpada Feiticeira Escarlate em “Capitão América 3” e disse: “Sempre trabalhamos duro para salvar o maior número de pessoas possível, mas às vezes não podemos salvar a todos. não puder aceitar isso, então talvez você não consiga salvar ninguém da próxima vez.” Porém, quando a tragédia se abateu sobre ele, ele não estava mais calmo. Por que não pensou nisso e parou de se culpar se não conseguiu salvá-lo? Como Thanos estalou os dedos em “Vingadores 3”, o Capitão América, que perdeu seu amigo em “Vingadores 4”, ficou deprimido e foi a um clube de ajuda mútua para compensar seu trauma espiritual. Hawkeye perdeu sua família e se tornou um “vigilante sanguinário” no Japão. Por que eles podem ser indiferentes às pessoas comuns e à vida quando são “supostas pessoas salvadoras”, mas quando estão profundamente envolvidos nisso, têm uma atitude completamente diferente. Quão humildes são as pessoas comuns e quão indignas de serem valorizadas elas são ?, e que padrões duplos os heróis têm? Egoísmo de super-herói Quando postei meu último tweet, muitas pessoas estavam dizendo que se não existissem mais super-heróis, quem estaria lá para proteger as pessoas no mundo do cinema? Se não, está certo! Porque as pessoas comuns finalmente não precisam sofrer para alcançar a reputação de heróis. Por que alguém pensaria que se o Superman não vier à Terra, o General Zod virá à Terra? O cerne do filme “Capitão América: Guerra Civil” é, na verdade, a discussão sobre a regulação do poder. Como Tony fez muitas coisas erradas e sofreu repreensão de consciência, em “Capitão América 3” o Homem de Ferro defendeu ativamente o fortalecimento da supervisão dos heróis, enquanto o Capitão América usou vários motivos não positivos no processo. Algumas pessoas dizem que ele não confia no governo porque teme que o governo tenha sido infiltrado. errado! “Capitão América 3” afirma claramente que os “Acordos de Sokovia” que eles querem assinar não são para ordenar que façam nada e tratá-los como armas do governo, mas “todas as ações devem ser supervisionadas por uma equipe especializada das Nações Unidas, e somente a Ação pode só será realizada quando a equipe especializada julgar necessária.” Por outras palavras, alguém os supervisionará e avaliará as suas acções, mas não lhes ordenará directamente nada. Além disso, não … Ler mais